Alex Pinna was born in Imperia on May 1st

Selected solo exhibition

2024
1. Allafinedellarcobaleno
 
 a cura di Ivo Serafino Fenu
 
 Organica - Museo di arte ambientale nel parco del Limbara - Spazio CEDAP Tempio Pausania (SS)
2. Alias delle maree
 
 a cura di Lara Caccia
 
 Palazzo Gallelli Badolato (cz)
3. Senza fine
 
 Press Release Ritorna a Genova con l’inaugurazione della sua prima mostra personale negli spazi della nostra galleria, l’artista ligure, ma milanese d’adozione, Alex Pinna. Il titolo della mostra Senza fine è per Alex un omaggio alla Genova musicale, che da sempre lo accompagna (ricordiamo le sue incursioni soprattutto in ambiente jazzistico), e un’allusione agli Alfabeto senza fine di Emilio Scanavino, uno degli artisti a lui più cari. In mostra sono presenti due serie di lavori recenti, realizzati per l’occasione: Alwais me un ciclo di sculture in legno e corda annodata, tutte giocate sul tentativo di costruire uno spazio abitato con materiali ostinatamente semplici, che in questo caso diventano paesaggi estremamente efficaci, e una serie di opere realizzate in bronzo e ferro patinati, dal titolo Believe me. In queste ultime una linea di ferro curvato disegna un paesaggio grafico mentale in cui abitano raccolte le figure in bronzo dell’artista, ritratte in posa di attesa o di riflessione, pronte ad iniziare un dialogo molto intimo con lo spettatore. Figure estremamente comunicative anche se prive di tratti fisiognomici, ma che con il solo inclinarsi della schiena o con il disequilibrio del corpo lasciano nello spettatore un sottile senso di instabilità. In queste sculture l’ombra è importantissima, duplica i segni e a volte li nasconde, in una visione doppia dello spazio e delle figure che lo abitano. E’ proprio nel lavoro in corda annodata e nel ferro curvato fino a diventare segno, che troviamo l’eco più profonda dell’opera di Scanavino presente in questi nuovi lavori di Alex Pinna. 
 
 galleria Guidi Genova
2023
1. Time
 
 Press Release Dal 7 ottobre al 18 novembre 2023 il Museo di Archeologia dell’Università degli Studi di Pavia ospiterà Time, mostra personale di Alex Pinna, Artista e Docente di Scultura all’Accademia di Belle Arti di Brera a Milano, a cura di Vittorio Schieroni, Critico e Curatore d’arte contemporanea, Anna Letizia Magrassi Matricardi, Curatrice del Museo, Paolo Campiglio, Docente di Storia dell’Arte contemporanea del Dipartimento Studi Umanistici dell’Ateneo. Iniziativa con il Patrocinio del Comune di Pavia. Una selezione di sculture di Alex Pinna si troverà a dialogare con reperti archeologici risalenti a differenti epoche della storia e rappresentativi di diverse civiltà del bacino del Mediterraneo. Presso gli spazi del Museo e della Biblioteca di Storia dell’Arte dell’Ateneo, il percorso espositivo si articolerà attraverso richiami e analogie, contrasti e armoniche contrapposizioni in una serrata interazione tra antico e contemporaneo. I soggetti di Pinna rappresentano con delicata poesia la presenza dell’essere umano nel contesto interiore, sociale e ambientale in cui si trova a vivere in solitudine oppure insieme ai suoi simili. Figure stilizzate, uomini-foglia, pugili, pinocchi sono raffigurazioni di uno stare nel mondo, talvolta fragile e in precario equilibrio, in cui ci si può facilmente riconoscere complice l’assenza dei lineamenti, personaggi che prendono forma attraverso un sapiente lavoro con materiali come bronzo, resina bianca e corda annodata o che vengono tratteggiati sulla carta con mano sicura e veloce. «In particolare la tecnica della fusione del bronzo», sottolinea la Curatrice, «costituirà un affascinante tema conduttore tra la creatività del passato e del presente». «L’universo sottile di Alex Pinna», afferma il Curatore Vittorio Schieroni nel testo critico dedicato alla mostra, «è il tempo della contemporaneità in cui siamo immersi. Un periodo storico enigmatico e incerto, eppure non privo di slanci e sempre nuove rinascite. Attraverso uno sguardo curioso, costantemente pervaso di velata ironia, l’artista pone l’osservatore di fronte a se stesso e alla sua natura, così diversa, ma nel contempo tanto affine a quella di ogni altro individuo della sua epoca. Un tempo che si va ad affiancare a tutti quelli che lo hanno preceduto nel lungo cammino dell’umanità, senza demarcazioni o cesure, il frammento di un vivere che accomuna a prescindere da inevitabili differenze legate a secoli, luoghi e culture». L’esposizione fa parte degli Incontri d’arte organizzati dal Museo di Archeologia, che hanno preso il via nel 2018, con il proposito di coinvolgere alcuni artisti in un dialogo con i suggestivi spazi del Museo e con i preziosi reperti custoditi. Il ciclo d’incontri, curato da Anna Letizia Magrassi Matricardi e da Paolo Campiglio, sotto la supervisione del Direttore del Museo, Maurizio Harari, che interverranno al vernissage insieme a Vittorio Schieroni e all’Artista, è un’occasione d’incontro tra l’Università e il mondo della creatività contemporanea. Time sarà presentata al pubblico sabato 7 ottobre alle ore 16 in concomitanza con la Diciannovesima Giornata del Contemporaneo promossa da AMACI - Associazione dei Musei d’Arte Contemporanea Italiani. Mercoledì 4 ottobre alle 18, nel salone dell’antica Biblioteca, da poco ristrutturato e riaperto al pubblico, saranno presentate in anteprima delle opere grafiche dell’artista (disegni e schizzi) che integreranno il percorso tra gli spazi del Museo di Archeologia. La mostra sarà visitabile negli orari di apertura del Museo il lunedì e il mercoledì dalle 14 alle 17, il giovedì dalle 09 alle 12 e il terzo sabato del mese dalle 10 alle 18; le opere esposte in Biblioteca saranno visibili dal lunedì al venerdì dalle 08.30 alle 19. Sabato 18 novembre alle 16 è previsto il finissage della personale di Alex Pinna con presentazione del Catalogo.
 
 a cura di Vittorio Schieroni, Anna Letizia Magrassi Matricardi e Paolo Campiglio
 
 Museo di Archeologia dell'Università Pavia
2. Blu
 
 Press Release Alex Pinna Blu Inaugurazione giovedì 25 maggio h 19.00 25.05. - 08.07.2023 In una delle sue partecipazioni al Festival Internazionale Time in Jazz di Berchidda (Sardegna), Alex Pinna interagiva in tempo reale con la musica che si sviluppava sul palco realizzando disegni di figure “fantastiche e quasi sospese (…) vestendo i volti e i corpi dei musicisti”1. La passione di Pinna per la musica, ed in particolare per il jazz accompagna la sua produzione artistica e ne connota la lettura. Lo stesso artista definisce alcuni dei suoi lavori “sonori”. In questa retrospettiva si presentano una ventina di opere che riassumono i filoni principali della produzione artistica di Alex Pinna degli ultimi anni: quello dei bronzi e dei ferri, con il ciclo Believe me -dove una linea di ferro guizza duplicandosi con la propria ombra in un gioco di moltiplicazione delle curve che disegnano, letteralmente, lo spazio-, le sculture Waiting for -con la figura stilizzata che si affaccia da una sorta di trampolino, come a guardare il mondo da lontano, indecisa se partecipare o meno alla affannosa vita di noi comuni mortali; infine il ciclo delle corde suddiviso tra i “classici” Alias - dove la figura stilizzata -che caratterizza tutti i lavori di Pinna- interagisce soltanto con la sua stessa corda, e gli ultimissimi Mi arrotolo e sparisco - dove la stessa figura sembra comparire da una tela arrotolata. Il titolo della mostra echeggia l’inglese Blue -che nella traduzione italiana rimane un semplice colore, il Blu appunto- ma che nelle parole di Alex Pinna mantiene inalterate le qualità di sensazione visivo-umorale solitamente care al termine inglese: “Blu è il suono del vento tra le cime delle barche a vela d’inverno nei porti (…) gli schizzi delle gocce di pioggia che cadono nelle pozzanghere e sulle ringhiere dei terrazzi (…) Blu è molto Milano, per me.”2 Tornando alla metafora musicale Pinna rivela che “l’idea di Blu ha sicuramente delle eco tra (il sound) di Nina Simone e Miles Davis ma meno tristi”3. La visione di Pinna, infatti, può esser letta sia come meditazione melanconica e introspettiva sia come sguardo ironico e irriverente su una condizione umana sempre in bilico e sospesa nel tempo e nello spazio. Come in una vera composizione jazz dove i musicisti non sanno mai realmente dove la musica li porterà, l’arte di Alex Pinna accoglie nel suo mondo popolato da figure stilizzate che ci guideranno in percorsi emozionali soggettivi tutt’altro che prevedibili. I visitatori troveranno disponibile in galleria la prima monografia dell’artista edita da Allemandi. Alex Pinna (Imperia, 1967. Vive e lavora a Milano) Diplomato all’Accademia di Brera di Milano -dove oggi detiene la cattedra di scultura- , ha fin da subito orientato la sua produzione sulla scultura ricorrendo a materiali eterogenei quali la corda, il vetro, il bronzo, l’alluminio. I suoi lavori sono stati esposti in numerose gallerie italiane e spazi pubblici italiani ed internazionali tra i quali segnaliamo: Palazzo Bentivoglio, Bologna (2022); Palazzo Bevilacqua Ariosti, Bologna (2018); Museo Marca, Catanzaro (2018); MOAH Museum, Los Angeles (2017); Museo Vigado, Budapest (2017); Museo di Arte contemporanea di Cassino (2013); Fondazione Rotella, Catanzaro (2012); Palazzo Collicola, Spoleto (2012); Fondazione Arnaldo Pomodoro, Milano (2010). Nella nostra galleria Alex ha esposto in numerose collettive negli ultimi cinque anni e questa è la sua prima personale nella sede di Milano. Galleria Giovanni Bonelli Via L.P.Lambertenghi 6 | Milano | 0287246945 | info@galleriagiovannibonelli.it | www.galleriagiovannibonelli.com 1 Paolo Fresu, Drawing Jazz Project, Alex Pinna e PAF trio, da Alex Pinna, Uncle Twine, ed. Allemandi, pag. 206 2 Alex Pinna, estratto da una conversazione sulla mostra 3 Ibidem
 
 Galleria Giovanni Bonelli Milano
3. Alex Pinna. Uncle twine Works 2010-2022
 
 Press Release Alex Pinna. Uncle twine Works 2010-2022 Testi di Gaetano Centrone Testi di Vittoria Coen Testi di Paola Stroppiana Testi di Lella Valtorta Contributi di Paolo Fresu Dimensioni 24 x 28 cm Rilegatura Cartonato Pagine 256 Illustrazioni 150 a colori Lingua Inglese e Italiano Anno 2023 ISBN 9788842225625 Prezzo € 60,00 SINOSSI La monografia, riccamente illustrata, documenta l’ultimo decennio di ricerca di Alex Pinna, la sua produzione artistica nel campo della scultura, del design e dei gioielli. Al lavoro dalla metà degli anni novanta e con un ricco itinerario espositivo sulla scena nazionale e internazionale alle spalle, Alex Pinna ha costruito nel tempo un immaginario abitato da figure che rappresentano il mondo e il corpo con lievità e ironia, utilizzando il bronzo, la resina e i metalli preziosi e passando dal formato ambientale a quello incantato del minuscolo. Ispirato dall’universo ludico e immaginifico della cultura infantile, dei fumetti e delle favole, l’artista concepisce la scultura come un modo e una presenza per alleggerire lo spazio. Nelle sue opere si riscopre il piacere dell’eleganza delle figure, nella leggerezza dei contorni come nella essenzialità dei volumi. La pubblicazione ripercorre la cronologia dei suoi cicli di opere recenti, interpretati dalla scrittura e dalle riflessioni di Vittoria Coen, Gaetano Centrone, Paola Stroppiana, Lella Valtorta e da un contributo di Paolo Fresu.
 
 testi di Gaetano Centrone, Vittoria Coen, Paolo Fresu, Paola Stroppiana, Lella Valtorta
 
 Allemandi editore Torino
2022
1. Mirrors
 
 Press Release Mercoledì 9 marzo dalle 18 alle 21 Via di Monserrato 40 Roma ‘Le mie figure sono colte nell’attimo prima che tutto inizi, ma dentro c’è già tutto, probabilmente anche il dopo: come delle bacchette di un direttore d’orchestra prima che inizi il concerto… Né maschi, né femmine, né alti né bassi, né magri né grassi: i miei personaggi sono delle idee, delle idee di una figurazione…perché l’uomo è costretto a raccontare la sua storia.’ Alex Pinna La mostra è il mezzo per far raccontare ad ogni visitatore la sua storia, come se ognuno soffermandosi su una delle opere esposte avesse la possibilità di guardarsi in uno specchio e di ritrovarvi stati d’animo e sentimenti che perdono la connotazione dell’univocità e diventano corali: l’incertezza, la fragilità, l’equilibrio, l’attesa, l’ironia e il coraggio. V ia di Monser rato, 40 – 00186 Roma | tel . + 39 06 39919502 www.saracenoar tgal lery.com - i n fo@saracenoar tgal l e ry.com E così Alex attraverso le sue creazioni da direttore d’orchestra guida con grazia ed eleganza il pubblico in questo processo di osmosi, pochi secondi per vedere scorrere le proprie storie, che sembrano invadere gli spazi da lui intenzionalmente lasciati scegliendo il principio della sottrazione per consentire al pubblico di ‘colmare’ questi vuoti con parti di sé raccontando, ognuno, la propria storia. Le opere in cui ci si può specchiare sono anche un segno di immortalità e di grandezza, di forza, di coraggio, basti pensare alla posizione delle figure poste tutte un po’ in alto ma non per questo altere, anzi infinitamente umane con i loro volti che pur non avendo occhi o labbra ci propongono sentimenti a noi familiari ricordandoci che la vita è si incertezza, fragilità, equilibrio, attesa, solitudine, ma ognuno di questi stati d’animo racchiude la poetica dell’incedere, dell’andare avanti, del reagire, dell’essere uomo fragile ma estremamente determinato. ‘Mirrors’ ha questa finalità ambiziosa di permettere di ritrovarsi, perdersi e ritrovarsi ancora per il tempo della visita per poi tornare fortificati nel rumore, nella fragilità della realtà e dell’umore. Testo a cura di Marilena Saraceno _ Dal 9 marzo al 23 aprile 2022 Dal martedì al sabato 11.00 – 19.30
 
 Saraceno Art Gallery Roma
2021
1. Preziose prospettive
 
 Press Release Preziose Prospettive. Opere e gioielli in dialogo Eleonora Castagnetta | Alex Pinna A cura di Paola Stroppiana 28 ottobre – 10 dicembre 2021 OPENING Giovedì 28 ottobre dalle ore 18.00 Giovedì 28 ottobre, dalle ore 18.00, Kromya Art Gallery Lugano inaugura la mostra “Preziose Prospettive. Opere e gioielli in dialogo” ponendo in relazione i lavori dell’architetto e designer Eleonora Castagnetta con opere in bronzo dell’artista Alex Pinna. Curato da Paola Stroppiana, storica dell’arte e curatrice indipendente, il progetto “Preziose Prospettive” nasce dalla riflessione necessaria di riassegnare al gioiello d’artista un ruolo di primo piano nel contesto contemporaneo. Il gioiello come opera d’arte, perfettamente compiuta, è in grado di esprimere la forza della creatività al pari delle altre discipline, integrando alla peculiare dimensione espressivo-creativa del manufatto artistico la caratteristica dell’indossabilità. Da questa considerazione nascono le nuove prospettive di lettura del lavoro dei due artisti coinvolti: Alex Pinna, scultore, e Eleonora Castagnetta, architetto, declinano il gioiello ognuno secondo il proprio linguaggio espressivo, trovando in esso una mirabile occasione formale e concettuale di trasposizione della propria poetica personale. Eleonora Castagnetta espone alcune opere inedite, ispirate da Le città invisibili di Italo Calvino, trasformando in gioiello quattro delle città utopiche descritte nel volume: Dorotea, Fedora, Sofronia e Tecla. Queste rappresentazioni di città ideali (che molto rispecchiano l’approfondita ricerca di Eleonora in ambito geometrico, volumetrico e cromatico) trovano la loro cristallizzazione in altrettante spille in argento e smalti con dettagli in oro e diamanti, accolte da uno scrigno che ne contestualizza la loro volumetria nello spazio. Il percorso in mostra è arricchito dalla presenza di altri gioielli, precedentemente realizzati, ispirati a grandi maestri dell’architettura e al Bauhaus: l’anello Mognolo (per la realizzazione del quale ha tratto ispirazione dalla Chiesa di San Giovanni Battista a Mogno, in Svizzera, progettata dall’architetto di fama internazionale Mario Botta, con il quale Eleonora ha collaborato per 13 anni); Ziggurat; Omaggio a Le Corbusier e Omaggio al Bauhaus. Alex Pinna, scultore con all’attivo oltre tre decenni di ricerca ed esposizioni internazionali, presenta nelle sale di Kromya il progetto inedito Believe me: un gruppo di sculture a cui l’artista ha lavorato intensamente in questi ultimi cinque anni. I “ferri”, così l’artista definisce le sue opere, sono una naturale evoluzione dei lavori su supporti geometrici, di solito orizzontali, che l’artista utilizza per creare un mondo immaginario e personale dove collocare le sue figure. I ferri nascono da numerosi disegni, realizzati di getto, che l’artista seleziona per alcune possibili trasformazioni tridimensionali: un paesaggio legato ad elementi curvilinei liberamente espansi nello spazio che rimandano ad un mondo biomorfo, non privo di riferimenti anatomici. Un campo di ricerca espressiva che ben si lega, quindi, anche alla riflessione sul gioiello, con il quale Pinna ha scelto di misurarsi in tempi recenti: presenti in mostra le “foglie antropomorfe”, nate dall’osservazione casuale di un albero di magnolia durante un suo soggiorno a Pantelleria, dove l’elemento umano si fonde a quello naturale in una perfetta simbiosi visiva. La figura umana, stilizzata ed elegante, si ritrova nelle dimensioni ridotte del gioiello, mantenendo inalterata la monumentalità della sua scultura: obbiettivo ultimo, la ricerca dell’equilibrio di forme e volumi come metafora dell’equilibrio psicologico a cui aspira l’uomo contemporaneo. Il gioiello, al di là della mera riduzione di scala, si presenta pertanto come una sintesi potente e coerente dell’universo creativo dei due artisti ed oggetto pienamente degno di attenzione individuale, divenendo riflessione audace e originale di un’arte alla ricerca di nuovi spazi in cui essere pienamente accolta. Biografie degli artisti Eleonora Castagnetta (Palermo, 1980) cresce a Palermo, ereditando dalla cultura siciliana la magia delle contaminazioni e la tradizione del gioiello come oggetto di culto e simbolo della famiglia. Dopo la laurea in architettura a Palermo si trasferisce in Svizzera e frequenta l’Accademia di Architettura di Mendrisio, fondata e diretta da Mario Botta. Entra nello studio internazionale Mario Botta Architetti e arricchisce il suo talento per l’architettura, l’arte e il design con l’eccellenza del design svizzero, che completa la sua formazione professionale. Dà vita allo studio “AnD – Arts n Design”, che diventa successivamente il brand AnD, in cui fonde il linguaggio delle geometrie del mestiere di architetto con la sua creatività e sensibilità all’arte e all’artigianalità orafa. Alcune sue creazioni sono state esposte in importanti mostre come Milano Design Week, Artistar Jewels (durante la Milano Jewellery Week) e pubblicate su L’Orafo Italiano, Force One, Canale Arte, DesignBest, Living, Elle Italia e su altre riviste internazionali. Alex Pinna (Imperia) è diplomato al corso di pittura all’Accademia di Belle Arti di Brera. Vive e lavora a Milano. È docente incaricato per la cattedra di scultura in Accademia di Belle Arti e il LAO di Milano. Dal 1994 espone costantemente in mostre personali e collettive; tra le mostre più recenti si ricordano “In a nutshell”, Spazio Dilmos a Milano; “Contaminazioni”, Saraceno Art Gallery, Roma; “Shiny happy details, galleria A’Nica, Milano; “10+1”, galleria Guidi, Genova, “Sali”, città di Tropea, “Trust you”, Giovanni Bonelli, Pietrasanta, “Non c’è più orizzonte” galleria La Giarina, Verona; “Arte e città”, centro storico di Catanzaro; “Oggetti smarriti” gioielli e sculture, BABS Art Gallery, Milano; “Interrogare lo spazio”, Galleria Ferrarin, Legnago, “Twixt land & sea: tales”, Palazzo Bevilacqua, Bologna; “A new space”, NM gallery, Montecarlo, “Italian summer” MOAH Museum Lancaster, Los Angeles. Paola Stroppiana (Torino, 1974) è storica dell’arte, giornalista e curatrice indipendente. Si è laureata con lode in Storia dell’Arte Medioevale presso la Facoltà di Lettere e Filosofia dell’Università di Torino con una tesi sull’oreficeria sacra del XV secolo. Negli ultimi anni ha dedicato gran parte della sua ricerca al gioiello d’artista e alla sua contestualizzazione storica in Italia e sulla scena internazionale dal Secondo Dopoguerra ad oggi. Su questo argomento ha tenuto diverse conferenze e ha curato mostre in ambito pubblico e privato; in ambito museale ha curato la mostra Scultura Aurea. Gioielli d’artista per un Nuovo Rinascimento (Galleria Nazionale delle Marche - Palazzo Ducale di Urbino, maggio – settembre 2019, catalogo Gli Ori), Il Segno e l’Ornamento. I Gioielli di Gio’ Pomodoro, presso il Museo del Gioiello di Vicenza (Basilica del Palladio, marzo-settembre 2018, catalogo Gli Ori), Gioielli Vertiginosi, Ada Minola e le avanguardie artistiche a Torino nel II dopoguerra (Museo Civico di Arte Antica di Torino - Palazzo Madama, maggio-settembre 2016, catalogo Silvana Editoriale). 
 
 con Eleonora Castagnetta Botta a cura di Paola Stroppiana
 
 Kromya Art Gallery Lugano
2020
1. Shiny happy details
 
 Press Release ALEX PINNA Shiny happy details Inaugurazione 29.10.2020 dalle 18.30 dal 30.10 solo su appuntamento gp@anicagallery.com “La vita non conclude. E non sa di nomi, la vita. Quest’albero, respiro tremulo di foglie nuove. Albero, nuvola, domani libro o vento: il libro che leggo, il vento che bevo. Tutto fuori, vagabondo.” Luigi Pirandello I personaggi di Shiny happy details, una, nessuna e centomila figure, colte in un momento. Di riflessione, di sogno, di osservazione e di confronto, in cui l’unico modo per vivere in ogni istante è vivere attimo per attimo la vita. Ad Attilio Rappa, colpevole di questo incontro. A'NICA ART GALLERY 
 
 galleria A’Nica c/o Dilmos Milano
2. Sali
 
 Press Release SALI di Alex Pinna a cura di Emanuele Bertucci Porto di Tropea dall'8 agosto al 20 settembre 2020 SALI di Alex Pinna a cura di Emanuele Bertucci Porto di Tropea Comunicato stampa Dall' 8 agosto al 20 settembre 2020 Tropea ospiterà la mostra "Sali" personale dell’artista Alex Pinna. Curato da Emanuele Bertucci e patrocinato dal Comune di Tropea, l'evento è stato promosso dalla Fondazione Rocco Guglielmo e dalla Società Porto di Tropea S.p.A. e fortemente voluto dal Sindaco Giovanni Macrì che ha inteso inserirlo all'interno di un ricco programma artistico/culturale previsto in città per questa stagione estiva. Per l’occasione sarà realizzato un catalogo edito da Mediano Editore, contenente, tra l’altro, le immagini contestualizzate all’interno del Porto e del centro storico di Tropea. La mostra, che vedrà le opere dell'artista ligure esposte sui pontili del Porto di Tropea con un'appendice nel Centro Storico, apre per la prima volta la perla del Tirreno all'arte contemporanea e si inserisce in un calendario di eventi che la Fondazione Rocco Guglielmo ha programmato per i suoi dieci anni di attività. Importante accordo di comarketing è stato raggiunto tra il direttore della Fondazione, Emanuele Bertucci, e Trenitalia che permetterà alla mostra di avere una visibilità nazionale. L'accordo infatti prevede l'inserimento dell'evento all'interno di tutti i circuiti regionali e nazionali di Trenitalia compreso il sito web del vettore che vanta milioni di visitatori. La conferenza stampa, nella quale saranno presenti l'artista Alex Pinna, il Sindaco di Tropea Giovanni Macrì, l'AD della Porto di Tropea S.p.A., il presidente della Fondazione Rocco Guglielmo, il curatore della mostra Emanuele Bertucci, il Direttore Regionale di Trenitalia Domenico Scida, il Presidente di Confcommercio Calabria Centrale Pietro Falbo e il Direttore di Palazzo Reale di Milano Domenico Piraina, è prevista per sabato 8 agosto alle ore 19.00 al Porto di Tropea. Biografia dell'artista Alex Pinna è nato ad Imperia. Diplomato al corso di pittura all’Accademia di Belle Arti di Brera. Dal 1993 espone costantemente in mostre personali e collettive in Italia e all’estero tra cui: Shanghai, Tel Aviv, Londra, New York, Los Angeles, Montecarlo, Colonia e Lugano. Tra le mostre recenti si ricordano “Trust you” presso la galleria Giovanni Bonelli di Pietrasanta, “Oggetti smarriti” presso la galleria Babs di Milano, “Interrogare lo spazio” galleria Ferrarin di Legnago, “Segrete” palazzo Ducale di Genova, “Stories” galleria Guidi & Schoen di Genova, “Leggero” galleria PRAC di Napoli, “Le latitudini dell’arte” presso il museo Vigado di Budapest, “A new space” NM gallery di Montecarlo, “Italian summer” presso il museo MOAH a Lancaster, Los Angeles “Niente da spiegare” villa Di Donato a Napoli, “Ti guardo, mi guardo” presso la Fondazione Rotella a Catanzaro, “Italian sculpture” Ronchini gallery di Londra, “La scultura italiana del XXI secolo” presso la fondazione Pomodoro di Milano, “Campolungo” complesso del Vittoriano a Roma. È docente incaricato della cattedra di scultura presso l’Accademia di Belle Arti di Catanzaro. Vive e lavora a Milano.
 
 a cura di Emanuele Bertucci
 
 centro storico e porto Tropea (VV)
2019
1. Trust you
 
 Press Release Davide Nido | Alex Pinna Trust you Inaugurazione: venerdì 16 agosto ore 19.00 16 agosto | 8 settembre 2019 Pietrasanta, Via Nazario Sauro 56 La galleria Giovanni Bonelli è lieta di presentare nei propri spazi la mostra “Trust You” con opere pittoriche di Davide Nido (Senago,1966-2014) e sculture di Alex Pinna (Imperia,1967). Pur utilizzando materiali estremamente differenti entrambi condividono una dichiarata predisposizione al gioco e una innata capacità di sintesi, che si rispecchia poi nelle superfici policrome di colle resiniche dei quadri di Nido e nei profili stilizzati delle sculture di Pinna. Trust You è anche il titolo dell’ultimo ciclo di lavori di Alex Pinna, per la prima volta presentato al pubblico, caratterizzato da forme semicircolari generate dall’unione di due delle sue figure stilizzate in un gesto di reciproca tensione ed attrazione. Il verbo inglese evidenzia il senso di fiducia e di confidenza necessari all’avvicinamento. Davide Nido, tra i più famosi allievi di Aldo Mondino, ha ereditato dal maestro l’attenzione ai materiali anche meno pregiati e l’attitudine alla sperimentazione ai fini di una creazione nuova. La sua pittura si esprimeva grazie al singolare uso di colle resiniche ‘sparate’ sulla tela con uno strumento che permette di renderle liquide e di disporle ora a gocce ora in continuità. Nella sua ricerca emergono alcune modalità operative che sono diventate componenti fondamentali della sua poetica: l’uso della forma circolare come elemento di base dell’immagine, la disposizione dei colori per trame, la costruzione modulare, la ripetizione all’infinito. 
 
 con Davide Nido
 
 Galleria Giovanni Bonelli Pietrasanta
2. Oggetti smarriti
 
 babs art gallery MILANO
2018
1. Twixt land & sea: tales
 
 Press Release ALEX PINNA Alex Pinna “TWIXT LAND & SEA: TALES“ A cura di Eli Sassoli de’ Bianchi | Olivia Spatola In mostra dal 01.02 al 04.02 2018 Palazzo Bevilacqua Ariosti Via d’Azeglio 31, Bologna Da giovedì 1 febbraio 2018, Palazzo Bevilacqua Ariosti, in occasione di Arte Fiera, ospiterà due progetti di Alex Pinna a cura di Eli Sassoli de’ Bianchi ed Olivia Spatola. L’esperienza annuale di Palazzo Bevilacqua Ariosti, nei confronti dell’arte contemporanea, si rinnova attraverso due interventi volti a definire una modalità relazionale tra passato e presente, tradizione e innovazione. Entrambi gli artisti invitati rappresentano un’ulteriore soluzione di dialogo e relazione tra gli ambienti storici del Palazzo e le presenze temporanee delle installazioni artistiche. Nel chiostro del Palazzo, Alex Pinna propone “TWIXT LAND & SEA: TALES”, un progetto costituito da due interventi in cui le sue sculture vanno ad occupare sia gli spazi porticati del piano terra che le arcate del primo piano. L’installazione “TWIXT LAND & SEA: TALES” di Alex Pinna, collocata nelle arcate del quadriportico di Palazzo Bevilacqua Ariosti, dialoga con lo spazio in una temporalità rarefatta, dilatata o forse sospesa in un tempo infinito, irreale. Alex Pinna, nell’arco di ormai vent’anni di lavoro, si è guadagnato una riconoscibilità grazie al suo “Homuncolus” inizialmente di corda, ma sempre più spesso realizzato anche in bronzo. Talora funambolo, talora pinocchiesco, l’Homuncolus di Pinna è cifra distintiva del suo lavoro caratterizzato da una vasta produzione scultorea e installativa. Nelle sue opere, la figura umana incarna il malessere esistenziale, la solitudine dell’uomo nella contemporaneità straniante. Nelle ieratiche figure di Pinna il silenzio è alienante e surreale, esse sembrano sospese in un vuoto prossimo all’infinito, avvolte da una malinconia silenziosa. In tale esistenzialismo non c’è dramma, ma piuttosto uno spleen di Baudeleriana memoria; garbo, dignità e ironia avvolgono queste figure nobili, sospese nel vuoto della loro esistenza, in equilibri impossibili, in attese disattese, dialoghi muti, sguardi nel vuoto. Nel lavoro di Pinna sono ricorrenti anche gli sconfinamenti nel pop; prendendo in prestito, Pinocchio o Topolino, con scanzonata ironia, ne ridefinisce fisionomia e posture adattandoli all’universo visionario della sua inesauribile fantasia. Una figura, due, o un gruppo, è il medesimo essere in relazione a se stesso: ogni personaggio è identico all’altro, sono simulacri della propria interiorità, caleidoscopi psichici. Il dialogo è una domanda inespressa tra l’uomo e il suo doppio riflesso. Uomini seduti dallo sguardo basso, sembrano elastici, la gravità ne allunga le gambe. Nel lavoro di Pinna l’anatomia, a volte talmente tesa e allungata che sembra spezzarsi, forzata in equilibri impossibili, segue precise geometrie o linee di forza di cui ne è prosecuzione e parte fondante. Nell’antico Chiostro del Palazzo Bevilacqua gli Homuncoli di Pinna saranno immobili e silenti presenze, sospese tra lo spazio dell’architettura e quello della mente. In questo intervento, storia e tradizione si incontrano come punti di partenza di un linguaggio artistico peculiare, capace di dilatare la percezione dello spazio, per porre l’uomo al centro di un’esperienza che dal piano dell’estetica si allarga ad abbracciare quello dell’esperienza. Alex Pinna A cura di Eli Sassoli de’ Bianchi e Olivia Spatola Palazzo Bevilacqua Ariosti Via D’Azeglio 31, Bologna Durata mostra: 01 febbraio – 04 febbraio 2018 Alex Pinna “TWIXT LAND & SEA: TALES” Chiostro – orari di visibilità: Giov. 01 e Ven. 02: ore 14.30/21.30 Sab. 03: ore 14.30/18.30 – 21.30/24.00 Dom. 04: ore 14.30/21.30 www.palazzobevilacqua.it Info olivia.spatola@gmail.com | eli@sassolidebianchi.com 
 
 a cura di Eli Sassoli de’ Bianchi e Olivia Spatola
 
 Palazzo Bevilacqua Ariosti Bologna
2. Stories
 
 Guidi&Schoen Arte Contemporanea Genova
2017
1. knockout
  
  a cura di Alessandra Redaelli
  
  galleria Punto sull'arte Varese
2016
1. The way to get lost
  
  Galleria Punto sull'arte c/o Artefiera Bologna
2015
1. Leggero
 
 Press Release Alex Pinna “Leggero” Galleria Piero Renna arte contemporanea Dal 9 ottobre al 4 dicembre 2015 via Nuova Pizzofalcone 2 80134 Napoli dal martedi al sabato, dalle 17.00 alle 19.30 e su appuntamento tel +39 081 7640096 mob +39 349 2876951 prac@galleriarenna.com Leggero sì ….. ma non troppo Le opere di Alex Pinna non nascondono l’inquietudine della loro ideazione. La sottigliezza del tratto e la densità dei corpi e dei materiali declinati insieme esprimono la natura complessa del suo talento. E ne costituiscono il fascino. C’è qualcosa nelle opere di Alex che rimanda agli studi sulla struttura dell’immaginario ( Gilbert Durand). Accettare che sia la nostra mente a “deformare” la percezione visiva, dando testimonianza della fisionomia cognitiva di chi racconta, sostiene il senso delle sue originali creazioni. Alex incarna, nei tratti di matita e nei volumi, la sua personale avventura nel mondo, svelandoci come “un io-sognatore” possa tradurre l’esperienza reale in allegorie. Il mondo reale è, dunque, generato proprio dall’immaginazione ed è proprio per questo che ogni sua opera contempera sempre la concretezza dell’oggetto e la volatilità dell’idea. Certo, se ogni idea possiede una realtà sensibile insieme ad una ispirazione simbolica, non stupisce che la poetica di Pinna sveli subito la sua duplicità, senza mascherarne i contrasti con soverchi infingimenti. Essa contempera il tratto gotico della verticalizzazione, delle figure protese al cielo, dilatate, ingrandite nelle proporzioni e nei volumi, con il tratto romantico e lieve dei suoi disegni, con le trasparenze dei colori sulla tela, con la fluidità dell’“oggetto d’arte”. Geniali, ad esempio, le movenze degli omini arrampicati sulle tradizionali lampadine ad incandescenza, l’ironia di quelli “ubriachi” nelle bottiglie di champagne ed anche le sculture-foglia dall’identità così delicatamente femminile. Quella di Alex non è, quindi, una leggerezza per semplice sottrazione, ma è la complessità stessa della sua ideazione a produrre la ricchezza delle prospettive con le quali egli crea le sue opere. In esse sono riconoscibili le sfumature del pensiero che, per Italo Calvino, alludono alla “pensosità”. Alex è capace di porre in essere la “pensosità” in una sintesi vincente che tiene insieme le venature, gli accenni e le ombre dei disegni e degli acquarelli e la portanza materica delle opere in bronzo e delle opere pittoriche a tinte forti ed a colore pieno. La sua immaginazione realizza, quindi, figure suggestive ed inattese che - pur se molto differenti nei tratti e nei materiali, per cui nessuna forma riesce a prevalere sull’altra, annullandola - hanno sempre un’eleganza grafica che rimanda ad una storia unica, o meglio, “alla storia di una persona”. Alex si muove lungo un repertorio fantastico binario, che fissa il suo immaginario in forme inaspettate dove l’identità gotica e quella romantica sono contemporanee e complementari. Non posso dimenticare come esse dialoghino nelle originalissime opere in corda, dove il movimento non perde forza, pur essendo tali “creature” realizzate in un materiale così flessibile e duttile, ma si consolida “annodandosi” in intrecci imprevedibili ed intenzionali. Ed anche come trovino una loro sintesi nella grazia dei disegni su carta arrotolata e nel garbo, espresso nel bronzo, delle movenze femminili delle foglie accartocciate. Della matita sulla carta Se le immagini possono essere comprese solo attraverso associazioni di “fantasticherie”, dice Gaston Bachelard, quelle di Alex sono, allora, delle favole; hanno l’eloquenza del racconto. E’ questo il senso evocato dal tratto della matita sulla carta, dalle figure in negativo e, soprattutto, dai disegni che rinviano ad un immaginario fantastico ed infantile. Un disegno romantico che si intrattiene a conversare con Pinocchio, Felix the Cat e Mickey Mouse. Figurine lievi ed assorte che si stagliano in un paesaggio senza tempo né luogo. In esse c’è tutto l’immaginario infantile che ci rinvia al piacere dei ricordi. Rimandano - questi lavori in particolare - alla nostra esperienza generazionale, costruita in un’epoca per la prima volta pervasa delle immagini della cultura di massa. Niente ci appartiene di più di questi personaggi familiari, frequenti e comuni; nulla corrisponde all’ inventario delle nostre risorse immaginarie che - oggi uomini maturi nel nuovo millennio - abbiamo costituito a partire dagli anni ’60. Nei disegni, nei quadri, nelle carte di riso, Alex fa parlare liberamente la sua memoria generazionale, ma ciò non rende queste opere datate. Sono la testimonianza del permanere in lui ( ed in noi) di un nucleo d’infanzia che merita ancora di essere raccontato. Costituisce un ponte tra le esperienze infantili prodotte dalla civiltà dell’immagine nella quale viviamo ed i miti personali dell’immaginario individuale. Sono la nostra memoria del passato che rivive, grazie ad Alex, “in un’altra pagina”. Non c’è nulla di ingenuo, dunque, né di banale, in queste opere. Lo sforzo di decolorazione delle immagini, l’averle essenzializzate, l’averle immobilizzate in profili atemporali le ha liberate dalle scorie fumettistiche per farne degli archetipi. Ha attribuito ad esse il valore della narrazione, della concatenazione dei ricordi, della traduzione grafica di ogni nostra personalissima ricerca del tempo perduto. Alex ci permette di risarcire il nostro immaginario dall’impoverimento esistenziale che il mondo nel quale viviamo favorisce. Un mondo che sta annullando anche nell’arte i sentimenti. Li traduce in forme di oggettività neutrale ( come nella vittoria dei materiali e dei loro comportamenti plastici, ad esempio, e nella prevalenza della loro “riproducibilità tecnica”) oppure li maschera in forme di astrattismo che affidano il loro significato a sempre più arbitrarie interpretazioni. Nelle sue opere si riscopre il piacere dell’eleganza delle figure – nella leggerezza dei contorni come nella essenzialità dei volumi - in un mondo aggressivo, rumoroso, rampante, spesso sguaiato e sciatto. Così Alex ci accompagna a riconoscere nella dimensione fantastica il potere di crescita del gusto e dell’emozione e afferma quello che Durand chiama “il diritto al lusso della fantasia” al quale nessuno di noi dovrebbe essere costretto a rinunciare. Della corposità Contemporaneamente in Alex è presente la dimensione della corposità. Mentre nei tratti su carta o su tela ci colpisce la capacità di Alex di usare un linguaggio “senza peso” - tanto che solo raramente il colore assume una densità piena e spesso copre solo parzialmente la tela, conservandone sfumature e trasparenze -, nei suoi lavori in bronzo si impone la scelta di usare il linguaggio dei corpi per la loro gravità, ostentando i loro spessori, le potenti dimensioni corporee e le loro inusuali estensioni. Alex combina, sia nelle opere che ho definito “romantiche” che in quelle “gotiche”, le forme di immaginazione “senza corpo” con il movimento espresso in forma “materica” ( l’accartocciarsi delle sue sculture-foglia, ad esempio ). Tuttavia, le sue sculture non configgono con la leggerezza. Esiste una leggerezza della pensosità, riprendendo Calvino, che svela la dimensione grave del riflettere, ed Alex realizza opere inconsuete in bronzo che comunicano la levità non più soltanto attraverso un linguaggio “senza peso”, ma anche grazie alla compattezza, allo spessore ed alla gravità delle sue sculture che “sanno” di occupare un considerevole spazio nel mondo ( in particolare le opere fuori scala delle quali abbiamo un esempio, sia pure misurato, in questa mostra). Sono immagini mentali che Alex sottrae ad ogni “pesantezza e opacità”. Figure pensose ed assorte, colte nel momento della decisione del cammino da intraprendere, del primo passo da compiere. Colte nell’atto di manifestare la loro riflessione, esse esprimono la pensosità riconoscibile nell’attesa, nel ragionamento, nella concentrazione dell’uomo. Con tutta l’inquietudine che questi atti comportano. Nelle figure di Alex - sia disegnate, sia in corda o in bronzo – non vi è mai un uso incontrollato del movimento. Proprio quando la loro pensosità rimane fissata in posizioni che appaiono definitive, per così dire statuarie, il peso realizza a pieno la sua leggerezza ed, in alcuni casi, una sorta di gentilezza. Forme gotiche che, pur denunciando il tributo alla densità del materiale di realizzazione, sembrano appena tracciate, distese, estese, con lunghe gambe, con braccia protese in alto o con teste morbidamente piegate. Soluzioni morfologiche irreali, immaginarie, intense. Dove il corpo è dilatato, sdraiato, adagiato, contratto, ma non diluito né depotenziato. Corpi allungati come pilastri, accostati a setti di muro, voluti a sostenere il fardello della vita. Moderne figure mitologiche che, come Atlante, reggono l’ineluttabile pesantezza della volta celeste senza perdere, nello sforzo, l’eleganza. Le opere in bronzo realizzano, infatti, le potenzialità che Alex ci ha promesso con i suoi disegni. Il tratto con il quale Alex è capace di modellarle celebra un’”idea del mondo come costruito da atomi senza peso, che ci colpisce proprio perché abbiamo esperienza del peso delle cose” (Italo Calvino). patrizia de mennato napoli, ottobre 2015 Alex Pinna (www.alexpinna.org) nasce ad Imperia. Dopo essersi diplomato in pittura all’Accademia di Belle Arti di Brera, espone continuamente dal 1994 in mostre personali e collettive in Italia e all’estero Patrizia de Mennato vive a Napoli. è professore ordinario di Pedagogia alla Facoltà di Medicina dell'Università di Firenze. Si occupa da tempo dell'utilizzo delle Medical Humanities e di arte e e cinema nella formazione . 
 
 testo di Patrizia de Mennato
 
 Galleria Piero Renna arte contemporanea Napoli
2. think thin
 
 Press Release a cura di Alessandra Redaelli Inaugurazione: sabato 21 marzo 2015, dalle 18.00 alle 21.00 Periodo: 22 marzo – 2 maggio 2015 Luogo: PUNTO SULL’ARTE, Viale Sant’Antonio 59/61, Varese 0332 320990 I info@puntosullarte.it I www.puntosullarte.it Orari: Martedì - Venerdì: h 15-19 Sabato: h 10-13 e 15-19 Apertura Domeniche: 22 e 29 marzo: h 15-19 Catalogo: testi critici di Alessandra Redaelli; Edizioni PUNTO SULL’ARTE Una grande personale – la prima per la galleria di Varese, che fin dalla nascita, tre anni fa, ha sempre caratterizzato la sua programmazione con mostre a tre – è l’appuntamento centrale della primavera di PUNTO SULL’ARTE. Inaugura il 21 marzo, per concludersi i primi di maggio, la mostra di ALEX PINNA. Le sue tipiche figure aeree, leggerissime, in bronzo, corda e anche vetro, prenderanno possesso dell’intero spazio della galleria. Caratterizzati dal fisico esile e dalle gambe lunghissime, i personaggi protagonisti dei lavori di Pinna hanno una sorta di malinconico sorriso, uno sguardo tra l’ingenuo e il disincantato sulla realtà. Innamorato dei fumetti e di tutti i linguaggi capaci di parlare immediatamente al cuore della gente, l’artista riesce nella difficile impresa di comunicare emozioni, sentimenti, tratti psicologici senza il bisogno delle espressioni del volto (i visi dei suoi personaggi sono risolti in pochi tratti: la fronte e la linea del naso) ma con il solo incurvarsi pensoso di una schiena, o con l’inclinarsi del corpo in precarie situazioni di disequilibrio, lasciando nello spettatore un sottile senso di instabilità esistenziale. “Penso che i miei lavori siano più delle domande che delle risposte”, dice Alex Pinna. E con la sua sfida forte e lieve al tempo stesso invita lo spettatore a ritrovare il suo lato ludico. Perché nella purezza del gioco, nella sua bellezza senza un fine specifico, c’è il senso reale della vita. ALEX PINNA nasce a Imperia. Frequenta i corsi di pittura all’Accademia di Belle Arti di Brera e dal 1993 espone in mostre personali e collettive in tutta Italia. Tra le ultime è da ricordare la mostra allestita presso le sale della Fondazione Mimmo Rotella a Catanzaro (2012). All’estero il suo lavoro è stato presentato a Shanghai, Tel Aviv, Londra, New York e Lugano. Dal 1997 è quasi sempre presente alle edizioni di Arte Fiera Bologna e MIART. Vive e lavora a Milano. 
 
 a cura di Alessandra Redaelli
 
 galleria Punto sull'arte Varese
2014
1. il gatto in sala, il topo in cucina
  
  Il Truciolo Altedo - Bologna
2012
1. Ti guardo, mi guardo
 
 Press Release La nuova mostra della Fondazione Rocco Guglielmo coinvolge fisicamente anche la città, perché Alex Pinna ha disseminato quattro grandi sculture in punti strategici di Catanzaro, lungo il corso principale, nel cortile d’onore del Palazzo della Regione, nel chiostro del palazzo comunale e presso il complesso Monumentale del San Giovanni. I cittadini vedranno così un equilibrista che cammina su un filo – si tratta di Alias, del 2000 - teso sopra il flusso delle auto, oppure un altissimo ed esile personaggio che si appoggia a una palma – Heroes, del 2007 -, o ancora due personaggi che si sostengono a vicenda in un precario equilibrio fatto di tensioni muscolari (2con, 2006). Tutto conduce alle sale della Fondazione Mimmo Rotella, che raccolgono circa venti sculture dell’artista ligure, trapiantato a Milano, oltre a un buon numero di opere su carta: una piccola ma selezionatissima antologica del lavoro degli ultimi cinque anni dell’artista, che negli ultimi tempi sembra aver accentuato quel senso di indicibile malinconia che promana dalle sue figure dagli arti tipicamente allungati. Delle sculture, tre sono inedite, realizzate per l’occasione e presentate per la prima volta: una specie di interazione tra arte e design, tra altissimo artigianato e creazione artistica, perché su di un bulbo funzionante di lampadina – pensato per la scultura – “vivono” alcuni caratteristici personaggi di Pinna, realizzati anch’essi in vetro. Un catalogo con un saggio di Marco Meneguzzo, edito da Prearo Editore accompagna la mostra. CV con selezione di mostre e immagini delle sculture nei file allegati. ALEX PINNA Ti guardo, mi guardo a cura di Marco Meneguzzo Inaugurazione sabato 17 Dicembre 2011 18 Dicembre / 25 Febbraio 2012 Catanzaro, Casa della Memoria. Fondazione Mimmo Rotella, Vico delle Onde, 7 Orari: dal martedì alla domenica 9.30-13.00/16.30-20.00 Ingresso gratuito La mostra è un progetto della Fondazione Rocco Guglielmo In collaborazione con Fondazione Mimmo Rotella, Catanzaro. Nuovo sito: www.fondazioneroccoguglielmo.it Facebook: Fondazione Rocco Guglielmo e-mail: info@fondazioneroccoguglielmo.it informazioni e materiale fotografico Fondazione Rocco Guglielmo Tel. 328 124 33 33 
 
 curated byi Marco Meneguzzo
 
 Fondazione Rocco Guglielmo, Catanzaro Catanzaro
2. Niente da spiegare
 
 Press Release COMUNICATO STAMPA Artista Alex Pinna Titolo niente da spiegare PERIODO DAL 10/05/2012 AL 10/06/2012 Sede Villa Di Donato Indirizzo Piazza S. Eframo Vecchio Napoli Telefono 081 660216 Email segreteria@art1307.com Web www.art1307.com www.alexpinna.org Curatore Cynthia Penna Vernissage Giovedì 10 Maggio 2012 dalle 19 alle 23 Ingresso su appuntamento Testo Alex Pinna: tra mitologia e fumetto - (Cynthia Penna) Ufficio stampa ART1307 - Valeria Valerio Recapiti +393382886924 - vlr.ufficiostampa@gmail.com Ritorna a Napoli dopo 6 anni Alex Pinna e la sua variegata umanità di personaggi giocosi, silenti e meditabondi. Con la metafora del gioco Pinna ci pone di fronte ai grandi interrogativi irrisolti; ma non importa! perché c’è sempre l’ironia, il gioco, l’innocenza infantile ad aiutarci nel cammino. I suoi Eroi asessuati si muovono sulla scena del mondo e della vita con la pesantezza della leggerezza anzi dell’evanescenza! combattono una guerra con l’ironia del fumetto e la tragicità della scarnificazione della figura che tira dritta all’essenza interiore. Sembra di essere innanzi ad un Eroe della mitologia greca, un nuovo Ercole dalle innumerevoli fatiche. A ben vedere in realtà i fumetti sono la nostra nuova mitologia: Pinna ricrea la metafora mitologica con una parola attuale: i suoi omini non sono altro che gli eroi di un tempo e paradossalmente parlano la medesima lingua, soffrono le medesime pene e godono delle medesime gioie. L’artista coglie, descrive e tramuta la condizione esistenziale in gioco, anzi adopera la metafora del gioco per dichiarare la tragicità di una condizione. Un “disegnatore” di fumetti che oscilla tra ironia e dramma. Paradossi e opposti si unificano nell’arte del “racconto”, dell’affabulazione . Nascono così “i Teatrini”, le nuove opere di Pinna, che accentuano la metafora attraverso l’uso di un mezzo inedito: una moleskine® aperta a libro che contiene i personaggi e un intero mondo. In queste ultime opere il mezzo usato è un oggetto adoperato per decenni come “registratore” di esperienze di viaggio: la Moleskine® appunto; un diario dove appuntare sensazioni, eventi, incontri, relazioni, notizie : una sorta di “giornale” personale e universale al tempo stesso; un diario in cui l’umanità si riconosce per intero e che, una volta aperto, racconta “storie” : TEATRI appunto. La “moleskine®” perciò diventa al contempo “teatro” e libro; nella forma di un libro si schiude un teatro, un pezzo di vita, un istante o un’eternità del vivere. Una sorta di scenografia teatrale del vivere collettivo e individuale. E così l’arte di Pinna si dipana e si completa in un unico, grande racconto,una lunga affabulazione, una sottile narrazione fatta da figure silenti. La parola “muta” vale molto più di tanto, inutile parlare. I suoi silenzi comunicano molto di più di tanto “chiacchiericcio” urlato; il fumetto, il mito, la conversazione , il teatro, il disegno : tutto è racconto e tutto serve per raccontare, per parlare di noi, di TUTTI noi, per porci domande, per porci interrogativi che rimarranno invariabilmente senza risposta, ma che ci serviranno sempre, sostanzialmente, per continuare a vivere. 
 
 curata da Cynthia Penna
 
 Associazione ART 1307 Napoli
2011
1. Waiting for
 
 Press Release WAITING FOR Inaugurazione mercoledì 18 maggio ore 18.30. Nove sculture e due tele in cui il tema della figura umana viene “fotografato” non durante l’azione, ma nell’istante precedente o in quello subito seguente. Come in altre occasioni, Alex non ci racconta una storia: a noi il compito e il piacere di farlo. L’artista ci suggerisce solamente l’inizio o la fine del racconto, grazie allo stretto rapporto psicologico che si crea con i suoi lavori. Tra le opere in mostra sette trampolini in ferro, che fuoriescono dalle pareti, diventano così sette palcoscenici per sette monologhi interpretati dalle esili figure in bronzo caratteristiche dell’artista. Una scultura in bronzo, quasi in scala umana, ci guarda pensierosa con la testa appoggiata al muro, mentre ascolta cosa si dice (di lei?) nella stanza accanto. Nelle due tele (una di grandi e una di medie dimensioni), trattate con colori molto rarefatti e liquidi che producono un delicatissimo effetto quasi di nebbia, le figure ci conducono in un altro universo, dove diverse lune colorate si mostrano all’orizzonte. Al centro della sala due sedie scultura in ferro e bronzo ci aspettano e ci danno la possibilità di fermarci per iniziare o ricominciare a dialogare tra noi. Con il passare degli anni (quattordici dalla sua prima personale milanese presso lo spazio Viafarini), Alex Pinna prosegue e approfondisce, attraverso una decisa maturazione stilistica, il processo di sottrazione alla ricerca del punto di rottura: ecco la sfida lanciata dall’artista al nostro essere sempre più distratti. I motivi della leggerezza, dell’equilibrio e dell’ironia si traducono in questo caso in un fare spazio, in un aprire altre porte (tra artista, opere e spettatori), in un’attesa: Waiting for. ARTISTA ALEX PINNA …Così immagino il modus operandi di Alex Pinna. Altrimenti non saprei spiegarmi quel suo continuo esplorare le capacità dei diversi materiali né quell’ostinato impegno nel rieditare i suoi eroi filiformi nei contesti e nelle forme più paradossali. Ecco, tutto ciò credo abbia molto a che fare con la capacità di percepire l’invisibile delle cose, di andar oltre la scorza. E chi avesse pensato all’invenzione come strumento di evasione o di mero diversivo forse dovrebbe riconsiderare la cosa alla luce della “fedeltà” di Pinna al suo modello. La sua è una cosmogonia dell’immaginifico più che la rivelazione metafisica nel dato reale. La differenza non è da poco, considerando la realtà come punto di partenza anziché di arrivo. La questione di fondo è non solo, o non tanto, il limitedell’esperienza sensibile ma piuttosto dove questo limite sia posto. In Pinna tale limite viene dato come premessa, cosicché conoscenza estetica e sensibilefiniscono per assimilarsi… Alfredo Sigolo, 2009
 
 Ermanno Tedeschi Gallery Milano
2. Alex Pinna - Riccardo Gusmaroli
 
 Press Release ALEX PINNA The motives in Pinna's art of lightness, balance and irony translate into space with a sense of waiting and anticipation. The figures in Pinna's art are almost humanesque, full of thoughts of what people might say about their fragileness across the room. His work appears significatly autonomous, original, clearly outside the logic of “trends”. Born in 1967 in Imperia (Italy). He lives and works in Milan.
 
 Ermanno Tedeschi Gallery Tel Aviv, Israel
3. Blind
 
 Press Release Alex Pinna, nato a Imperia nel 1967, vive e lavora a Milano. Diplomatosi all’Accademia di Belle Arti di Brera, è protagonista attivo dell’arte contemporanea da quasi vent’anni. Dopo un primo periodo “concettuale” la ricerca di Pinna si modifica per poter ripartire dalle cose a lui più care, prelevate dal mondo della cultura infantile e dalle iconografie immediatamente riconoscibili dal grande pubblico, che hanno costituito le immagini con cui è cresciuta tutta la sua generazione. Prioritario nel suo lavoro è infatti instaurare un dialogo interlocutorio, attraverso metafore capaci di rappresentare il mondo in modo leggero e ironico, ma mai banale o scontato. Ispirato dall’universo ludico e immaginifico dei cartoon, Pinna lo utilizza come ponte iconografico per il raggiungimento di una ricerca plastica più consapevole ed evocativa. Il suo lavoro parte dal disegno per poi trasformarsi in sculture o istallazioni. La scultura diventa, per l’artista, un modo per alleggerire lo spazio, come se l’opera assorbisse materia anziché emanarla, ecco che i suoi caratteristici uomini stilizzati e dai lunghi arti, in bronzo, piombo o corda annodata, si protendono nello spazio senza invaderlo o appesantirlo. La leggerezza, diventata un valore predominante nella ricerca dell’artista, viene paradossalmente perseguita tramite elementi scultorei. Tutti i suoi lavori tendono verso questa sottrazione di peso affrontando lo spazio con figure sospese in equilibri funambolici, ma ben saldi o con esili uomini stilizzati che portano all’estremo l’alleggerimento dei propri volumi. Sono figure sintetiche, che evocano, suggeriscono, senza mai imporsi con pesanti formalismi né indiscutibili concetti. La ritualità gestuale e quasi atavica proposta nelle opere in corda annodata, rivela una grande attenzione verso le proprietà dei materiali che consentono alle sculture di interagire liberamente con ciò che le circonda. L’impatto fisico dei lavori di Pinna convive con l’opposta sensazione di levità che essi intendono suggerire. Persino durante i primi anni della sua carriera, nei quali il riferimento all’aspetto ludico e popolare era iconograficamente più evidente, le opere di Alex permettevano l’incontro tra la leggerezza delle immagini, la forza del loro effetto formale e la prepotenza del loro indicare modelli culturali alternativi aperti a molteplici chiavi di lettura. Le opere, ricche di importanti rimandi intellettuali alla storia dell’arte e alla letteratura, si caratterizzano come un insieme di forze contraddittorie che convivono pacificamente. Accanto alla dialettica e agli inediti equilibri formali, i lavori presentano proficui contrasti concettuali che pongono lo spettatore di fronte a interrogativi e sensazioni stimolate da un’estetica dirompente e al contempo discreta. Attualmente impegnato in una serie di mostre collettive, Alex Pinna ha partecipato a numerose esposizioni in Italia e all’estero. Su di lui hanno scritto, tra i tanti, Vittoria Coen, Luca Beatrice e Andrea Bellini. Nella mostra Blind, Alex Pinna propone una serie di sculture in bronzo e in corda annodata che trasformeranno le sale di Torre Bruciata creando nuove e affascinanti dimensioni. All’ingresso della torre l’artista presenta un’installazione composta da tappeti, scale e altri elementi, rispondente a un immaginario esotico letterario attraverso il senso di leggerezza tipico della sua ricerca. Lo spettatore verrà, così, condotto in una dimensione altra, parallela alla propria, lontana dal suo abituale raggio d’azione. Le esili sculture di Pinna, in cui i contrari dialogano tra loro e si armonizzano vicendevolmente, occuperanno lo spazio delle sale medievali teramane spingendosi ad esplorarne i luoghi più reconditi, muovendosi giocando con sé stesse, i propri materiali e la percezione dello spettatore. 
 
 curated by Chiara Natali
 
 Torre bruciata Teramo
2010
1. Compilation
 
 Press Release ALEX PINNA “COMPILATION” A Torino dal dal 17 marzo al 6 maggio 2010 Inaugurazione: mercoledì 17 marzo dalle ore 18.30 Per questa sua terza personale presso l’Ermanno Tedeschi Gallery, Alex Pinna si presenta con una serie di nuove opere realizzate appositamente per lo spazio. In mostra una selezione dei suoi lavori più recenti, scelti spaziando tra i vari materiali utilizzati dall'artista: disegni, bronzi e corde annodate, da qui il titolo della mostra stessa. Grazie alla contiguità dei diversi linguaggi si dispiegano con chiarezza i tratti poetici che caratterizzano l’opera di Pinna, si segue il viaggio epico dei suoi personaggi che sfidano la tensione dei materiali, il limite del tangibile per continuare la loro ricerca dell’equilibrio attraverso un gioco infinito. Alex Pinna è nato ad Imperia nel 1967, diplomato in Pittura presso l’Accademia di Belle Arti di Brera, vive e lavora a Milano. Attivo da più di un decennio con mostre in gallerie private e spazi pubblici, l'artista ligure è oramai considerato una delle figure di riferimento dell'arte contemporanea italiana soprattutto per quanto riguarda il linguaggio scultoreo. ERMANNO TEDESCHI GALLERY Via C.I.Giulio 6 - 10122 Torino, 011.4369917, HYPERLINK info.to@etgallery.it da mart. a ven. 11-13 e 15-19, sabato e domenica su appuntamento. www.etgallery.it
 
 Ermanno Tedeschi gallery Torino
2. 7 sculture
 
 Press Release Presenta Alex Pinna “7 sculture” Milano 15 ottobre 2010 dalle ore 18.00 fino alle 22 - In occasione di Brera EXTRAOrdinaria, Mazen presenterà la mostra “7 sculture”, aprendo per una notte le porte di uno dei palazzi più ricchi di storia di Milano, all’arte contemporanea, allestendo le opere di Alex Pinna all’interno dei prestigiosi cortili di Palazzo Clerici. Unicamente per la serata, l’artista creerà un percorso che gioca tra presenza e contesto, nascondendo e allo stesso tempo rivelando le figure affusolate delle sue creazioni tra gli alberi del “giardino segreto”, piccolo polmone verde avvolto tra i seicenteschi marmi rimasti immutati nel tempo. La serata, che sarà accompagnata dalle musiche di Massimo Spinosa, poliedrico compositore contemporaneo, nasce per stimolare il confronto e il dibattito sul tema dell’arte e del suo contesto. L’evento si inserisce nel contesto del Milano Design Weekend (14 – 17 ottobre) appuntamento che animerà le strade della città con incontri legati al mondo del design dell’architettura e dell’arte. A partire dalle ore 18.00 fino alle 22 del 15 ottobre,lo storico Palazzo milanese si aprirà eccezionalmente di notte, per rendere possibile ad un vasto pubblico l’esperienza preziosa di un vernissage a cielo aperto in un luogo consacrato all' arte dai bellissimi affreschi di Gianbattista Tiepolo. www.alexpinna.org Courtesy Ermanno Tedeschi Gallery Milano / Torino 
 
 curated by Mazen
 
 Palazzo Clerici Milano
2009
1. Nella mia matita c’è un foglio
 
 Press Release Alex Pinna Nella mia matita c'è un foglio 06-02-2009 06-03-2009 Guidi&Schoen Arte Contemporanea è lieta di annunciare la mostra personale di Alex Pinna Nella mia matita c’è un foglio. Per la sua seconda personale genovese (l’artista aveva già esposto da Guidi&Schoen nel 2005) Pinna presenta 12 nuovi lavori eseguiti come di consueto, utilizzando svariati materiali: bronzo, ceramica, feltro, ferro. Attraverso queste nuove opere l’artista prosegue la propria ricerca, che, come dice il curatore nell’introduzione al catalogo va nella direzione “…di percepire l’invisibile delle cose, di andar oltre la scorza.” “…A Pinna sono stati avvicinati in passato artisti come Giacometti e Paladino. Nel caso presente il tributo è verso l’opera informale del conterraneo Emilio Scanavino, con il quale condivide la pratica del nodo e la passione per il segno, evidenziate nella scelta di limitare la scelta cromatica al bianco e nero. Di fatto però il suo percorso mostra derivazioni ben più allargate, dalla metafisica come dalla classicità greca e romana, dalla scultura votiva etrusca fino all’immaginario medievale, vero regno dell’intangibile. Un segno di continuità che dovrebbe far ripensare dove siano rintracciabili le vere radici della nostra cultura.” Alex Pinna è nato ad Imperia nel 1967. Vive e lavora a Milano
 
 curated by Alfredo Sigolo
 
 galleria Guidi& Schoen arte contemporanea Genova
2. Big Pinocchio
 
 Press Release COMUNE DI TORTOLI’ Assessorato alla cultura Museo d'Arte Contemporanea Su Logu De S'iscultura Associazione Ogliastra Arte Alex Pinna “Big Pinocchio” Testo di Vittoria Coen Comunicato stampa Vernice: sabato 4 luglio 2009, dalle ore 19.30 inaugurazione scultura permanente, dalle 20.30 inaugurazione mostra Luoghi: Scultura permanente: via Pirastu; Mostra: Ex Blocchiera, via Eleonora d’Arborea, Tortolì (Og) Durata: dal 5 luglio al 15 agosto 2009 Testo introduttivo: Vittoria Coen Orari: 21 – 23 escluso lunedì Ingresso: gratuito Info: tel. 3209010999 ; E mail: museotortoli@tiscali.it Il giorno 4 luglio si inaugurano la scultura permanente “Big Pinocchio” e la mostra personale di Alex Pinna (www.alexpinna.org) che sintetizza alcune tappe dell’opera dell’artista. L’evento, promosso dall’Assessorato alla Cultura e dall’Associazione Ogliastra Arte, è curato dal direttore del Museo, Edoardo Manzoni. La grande scultura lunga 16 metri e alta 4 in ferro verniciato è stata realizzata da Pinna espressamente per questa occasione e verrà collocata in esposizione permanente nel parco delle sculture del Museo, che già accoglie, tra le altre, le opere di Staccioli, Pirri, Campus, Jevolella, Nagasawa, Renda, Pardi, Kaufmann, Coletta. “…Ad accompagnare gli eroici personaggi di Alex Pinna sospesi tra corde o arrampicati alla maniera di antichi stiliti oggi appare un amico di infanzia di tre o quattro generazioni fa, il burattino Pinocchio…, realizzato con vernici epossidiche su ferro zincato. Non sappiamo se questa creatura inaffidabile diventerà bambino per un consolatorio lieto fine..”, scrive Vittoria Coen nel testo introduttivo. Gioco e ironia sono sempre protagonisti delle operazioni di Alex Pinna, dagli indimenticabili Bee-Bep a Felix il gatto, da Gatto Silvestro all’omino baffuto della Bialetti fino alle sculture realizzate in corda, bronzo e ceramica. Ed anche questo gigantesco Pinocchio occupa il parco delle sculture con la consueta disinvoltura che l’artista è capace di infondergli. Il burattino non incarna l’inseguimento verso le più moderne tecnologie. Non è questo un tratto distintivo del suo creatore. Plasticità e linearità si fondono nella struttura, creando un effetto, quindi, una suggestione, di umanità, in un personaggio della nostra letteratura così familiare. Il Museo d’Arte Contemporanea, fondato nel 1995, é situato nel centro di Tortolì, dispone di due aree espositive, una interna dedicata a mostre temporanee, l’altra all’aperto, che ripercorre le vie del paese e del territorio circostante. Esso rappresenta una delle più interessanti realtà legate alle ricerche artistiche attuali, soprattutto per quanto riguarda l’ esposizione permanente di grandi sculture che si inseriscono perfettamente nell’ambiente. Ufficio Stampa: Maria Grazia Vernuccio – Grace Comunicazione d’Autore Tel. 335.1282864 – email: mg_vernuccio@libero.it 
 
 collezione permanente, curated by Edoardo Manzoni and Vittoria Coen
 
 Museo di Arte Contemporanea Su logu de s’iscultura Tortolì (OG)
3. Tumbleweeds
 
 Press Release ALEX PINNA “Tumbleweeds” 14 novembre - 20 febbraio 2010 inaugurazione sabato 14 novembre ore 17.30 solo project 03 Sabato 14 novembre la galleria SANSALVATORE ARTPROJECT di Modena inaugura Tumbleweeds: una mostra che propone tutto l’universo artistico di Alex Pinna raccontato attraverso tutta la sua gamma linguistica. L’attitudine e la capacità di esplorare le possibilità espressive dei diversi materiali, è testimoniata dalla presenza di bronzi, ceramiche,disegni, grafiche, lastre. Grazie alla contiguità dei diversi linguaggi si dispiegano con chiarezza i tratti poetici che caratterizzano l’opera di Pinna, si segue il viaggio epico dei suoi eroi fragili che sfidano la tensione dei materiali, il limite del tangibile per continuare la loro ricerca ossessiva dell’equilibrio. Tutta l’ironia, il disagio, il gioco e la grazia che sono espresse nell’automatismo del disegno , si sostanziano nella scultura e si espandono nell’installazione, in un gioco di specchi che offre al pubblico un momento di poesia silenziosa. In questa occasione verrà presentata in anteprima la cartella di dodici incisioni “Anno” edita da Lo Sciamano editore di Milano info: 3395053473 – 3339403158 www.galleriasansalvatore.it SANSALVATORE ARTPROJECT Via Canalino 31, Modena Orari mar/mer/ven 16:30-19:30 sab 10:30-12:30 16-19:30 
 
 galleria San Salvatore Art Project Modena
2008
1. Upstairs heroes
 
 Press Release ALEX PINNA www.alexpinna.org UPSTAIRS HEROES A TORINO DAL 5 MARZO AL 29 APRILE 2008 A MILANO DAL 6 MARZO AL 29 APRILE 2008 Per questa sua seconda personale presso l’Ermanno Tedeschi Gallery, Alex Pinna si presenta con una serie di nuove opere realizzate appositamente e visibili nelle due sedi di Torino e Milano. “Il rigore e l’essenzialità sono le due prime caratteristiche che si leggono immediatamente nella pittura, nella scultura e nel disegno di Alex Pinna. In queste dimensioni si muovono una linearità e una plasticità che vogliono orgogliosamente dichiararsi autonome eppure complementari. Nella varietà stessa dei materiali ai quali l’artista ha affidato le diverse soluzioni stilistiche del suo lavoro, Pinna ha sempre voluto difendere la sua libertà di esploratore culturale, di osservatore delle tracce e dei riscontri di ciò che intanto accade nel mondo che si muove, mentre motivazioni e spinte diverse, spesso contraddittorie, si manifestano affollando un palcoscenico che è sempre, a quanto pare, in bilico sul tapis roulant dello spettacolo contemporaneo.” (dal testo di Vittoria Coen in catalogo) In mostra i suoi omini stilizzati arrampicati e abbarbicati fra corde o seduti su un’alta colonnina di metallo con fili di lana o più comodamente seduti su una sorta di ziggurrath… o, ancora, seduti su una brillante scala in ceramica che forse….non porta da nessuna parte, tanto che viene da chiedersi se ai suoi Heroes sarà mai possibile ridiscendere sulla terra con le loro forze. 
 
 curated by Vittoria Coen
 
 Ermanno Tedeschi gallery Milano e Torino
2007
1. Heroes
 
 Press Release Sede: SANSALVATORE ARTPROJECT Via Canalino 31 Modena M.338 5053472 info@galleriasansalvatore.it www.galleriasansalvatore.it a cura di: Marco Senaldi opening: 21/04/07 ore 18 periodo: 21 aprile - 26 maggio orari:me-ve 17.00/19.30, sa 15.30/19.30 info e appuntamenti 338 5053472 333 9403158 Heroes Per la mostra HEROES, Alex Pinna ha realizzato nuove sculture in corda, in bronzo ed installazioni site-specific. “…In queste nuove opere, scultura, tempo e movimento procedono dandosi la mano, e i medesimi personaggi ritornano per lʼennesima volta, impegnati in avventure sempre nuove e sempre fallimentari. Pinna ha la capacità di immaginare una serie di sketch visivi (lʼomino di corda che sale la scaletta e si ritrova al punto di partenza…Heroes, 2006) e di tradurli in installazioni di istantanea presa narrativa. Si potrebbe parlare di “scultura sketch “ dando a sketch tutto il suo valore semantico di gag comica cinematografica, abbozzo, schizzo visivo. Sono sculture che perdono in solennità, ma che guadagnano in immediatezza; profondamente instabili (troppo sottili, troppo delicate, sul punto di cadere – come il bronzo appoggiato a parete Heroes, 2007) restano indelebilmente impresse nel cuore. (…) Marco Senaldi
 
 curated by Marco Senaldi
 
 galleria San Salvatore Art Project Modena
2. Io sono te
 
 Press Release Alex Pinna “IOSONOTE” 15 dicembre 2007 - 30 gennaio 2007 GALLERIA RONCHINI ARTE CONTEMPORANEA Inaugurazione sabato 15 dicembre 2007, ore 17.30 La Galleria Ronchini Arte Contemporanea ha il piacere di annunciare la terza mostra di Alex Pinna a distanza di tre anni dalla sua seconda esposizione del 2004. La rassegna, intitolata “IoSonoTe”, raccoglie due gruppi di lavori realizzati nel 2007. In primo luogo, una scultura in bronzo e un trittico di disegni che, sotto il medesimo titolo della personale, sono esemplari della riflessione che l’artista conduce da alcuni anni sull’identità. In particolare, in queste opere è la questione del rapporto fra sé e altro, non necessariamente fra due persone distinte, a costituire il perno concettuale e figurativo delle opere stesse. Il secondo nucleo di lavori è invece realizzato coniugando la dimensione scultorea con quella pittorica e meta-pittorica. Si tratta di sei pitto-sculture che fanno interagire una delle cifre stilistiche di Alex Pinna - le ormai celeberrime figure tridimensionali in corda - con la pittura. O, meglio, con il supporto stesso della pittura, ossia con il telaio e con la tela. Ne scaturisce una inter-attività letteralmente intesa fra due e tre dimensioni, che arricchisce da un lato la qualità scultorea dei lavori, dall’altro la riflessione su un medium, quello pittorico, che Pinna non ha mai totalmente abbandonato e che, in questi ultimi mesi, sta tornando con nuovo vigore nel suo operato. In occasione della mostra verrà presentato il libro - Alex Pinna “Ogni cane è il mio cane” - pubblicato da GLI ORI di Prato, con testi di Marco Giacomelli, Marco Senaldi e Andrea Bellini che racchiude la produzione dell’artista dal 2004 al 2007. Alex Pinna è nato ad Imperia nel 1967, diplomato in Pittura presso l’Accademia di Belle Arti Brera in Milano, vive e lavora a Milano. Ronchini Arte Contemporanea – P.zza Duomo 3 – 05100 TERNI – Tel 0744.364254 Fax 0744.58816 www.ronchiniarte.com - info@ronchiniarte.com
 
 galleria Ronchini arte contemporanea Terni
2006
1. A volte penso cose che non capisco
 
 Press Release “A volte penso cose che non capisco” Giovedì 11 maggio la galleria Ciocca inaugurerà una nuova mostra personale dell’artista Alex Pinna dal titolo “A volte penso cose che non capisco” Ad accogliere lo spettatore una moltitudine di fili colorati sospesi fra cielo e terra da cui discendono centocinquanta sculture in ceramica bianca. Piccole figure dalla sottile eleganza, sospese fra i colori dell’arcobaleno rapiscono lo spettatore attraverso un gioco di sguardi e gesti invitandolo a cercare un personale raggio con cui librarsi nel meraviglioso mondo delle emozioni. E’ come un piccolo mondo fantastico, vivo di emozioni e di affetti, ove rifugiarsi ogni qual volta ci si perde nel reale e guidati dall’unico desiderio possibile ci lasciamo trasportare dallo spirito vitale di quest’immenso Cuore.. Polmoni è la seconda opera presentata; due poltrone rubate all’inconfondibile stile della classica seduta firmata, si animano e prendono coscienza di loro. Sono due unità inseparabili cui l’artista dona la facoltà di vedere, o meglio, di guardarsi, in un rapporto unidirezionale che non lascia spazio ad altri interlocutori. E’ l’eccezionalità di questa relazione e indivisibilità che ci permette di vivere, come se ad ogni loro sguardo corrispondesse un nostro respiro. Collocato nello spazio esterno della galleria Fegato chiude questa personale di Alex Pinna. Molti cappotti avvolgono l’esile figura, che come strati di pelle, lo separano e lo proteggono dalla vita ma è solo attraverso il fegato che percepiamo la fisicità di un dolore, altrimenti puramente emotivo ed è così che solitudine e distacco penetrano dentro di noi in una contemplazione degli abissi della realtà. Cuore, Polmoni e Fegato sono tre opere diverse ma complementari, un insieme di organi vitali che vanno a formare un unico corpo, perché nella vita l’uomo è il risultato di una molteplicità di esperienze che accrescono la sua coscienza. 
 
 galleria Ciocca arte contemporanea Milano
2. Io sono te
 
 curated by Giulio Ciavoliello
 
 galleria del Liceo Artistico Treviso
3. Mari
 
 Press Release “MARI” alex pinna Giovedì 23 novembre 2006 alle ore 19.00 negli spazi della galleria Mimmoscognamiglio arte contemporanea, in via Mariano d’Ayala 6 Napoli, si inaugura la personale di Alex Pinna. Sarà presente l’artista. La mostra si compone di tre opere scultoree ispirate al mare da cui il titolo “mari”: un’installazione di corde sospese al soffitto simili ad alberi di una nave sono lo sfondo in cui si muovono figure affaccendate tra equilibri e carichi sospesi; una figura filiforme in bronzo che scruta l’orizzonte, e infine l’opera omaggio all’artista pugliese Pino Pascali in cui pinna riconosce una sorta di nume tutelare. Alex Pinna da un lato si dedica alla ricerca sulle proprietà dei materiali indagando svariati linguaggi espressivi e dall’altro insegue il rapporto con lo spazio in una continua ricerca di materiali, forme, proporzioni che di volta in volta arricchiscono il suo lavoro di nuove istanze ora drammatiche ora poetiche. è il caso di quei piccoli, solitari personaggi che proiettano ombre lunghe e affusolate nell’etere bianco, quasi fossero dilatazioni di una coscienza elastica, di un sogno che fuoriesce dalla dimensione ristretta dell’individuo per occupare quella più ampia di un tempo in divenire, sospeso sul pericoloso crinale tra il presente e il futuro. Ombre ed equilibrio, diventano le tappe di un percorso che descrive la parabola esistenziale di ogni uomo, quel breve arco di tempo in cui, tra perdite annunciate e inaspettate vittorie, in compagnia o in solitudine, talvolta afferriamo un temporaneo equilibrio. Disegno, pittura, installazione… il lavoro di Pinna è sottoposto a continue verifiche e sperimentazioni che gli impediscono di ricalcare troppo a lungo uno schema; nel caso della scultura ad esempio - racconta Pinna – mi sono accorto di quanto con la scultura fosse possibile barare e di come ci si potesse nascondere dietro il preziosismo dei materiali e della forma plastica, allora ho cercato un modo di fare che fosse più sincero possibile. volevo ricominciare da zero e, come il bambino che impara l’alfabeto, ho imparato ad annodare….mi piaceva questo processo, questo stato mentale “puro” e il fatto di diventare abile piano piano, col tempo, per costruire io un linguaggio e un modo di lavorare che sarebbe diventato importante anche per i lavori successivi.mentre scolpivo gli alias ero impressionato dal fatto che con un nodo riuscivo a rendere un particolare anatomico come un bicipite, un malleolo, un gomito”.
 
 galleria Mimmo Scognamiglio artecontemporanea Napoli
2005
1. 2con
 
 Press Release Comunicato stampa ALEX PINNA 2CON Mostra: Alex Pinna Luogo: Guidi&Schoen - Arte Contemporanea Città: Genova, Centro Storico Indirizzo: Vico Casana 31r Info: Tel. 0102530557 – mail info@guidieschoen.com Web: www.guidieschoen.com Data di apertura: Sabato 5 febbraio – h 18’00 Durata: Dal 5 febbraio al 5 marzo 2005 Orari d’apertura Lunedì pomeriggio/Sabato 9’30/12’30 – 16’00/19’30 Catalogo: Silvana editoriale Testi: Luca Beatrice, Giannella Demuro, Ivan Quaroni, Maurizio Sciaccaluga Primo appuntamento dell’anno per la Galleria Genovese Guidi&Schoen. Si inaugura Sabato 5 Febbraio alle ore 18’00 la personale di Alex Pinna “2Con”. In mostra dieci lavori, corde, resine, bronzi, ceramiche. Personaggi, esili figure, come abituale nei lavori recenti dell’artista, ma complicati questa volta dalla presenza del doppio, dell’altro. Gioco di coppie dunque, di relazioni, figure che si allontanano, che si sostengono, che si fondono fino a diventare un tutto unico. Pinna riesce a trovare, attraverso uno studio formale raffinatissimo un equilibrio concettuale che porta il suo lavoro al di fuori delle secche nelle quali rischia di impantanarsi molta scultura contemporanea. Alex Pinna è nato a Imperia nel 1967. Vive e lavora a Torino.
 
 galleria Guidi& Schoen arte contemporanea Genova
2. Equilibri
 
 Press Release ALEX PINNA EQUILIBRI ERMANNO TEDESCHI GALLERY DAL 16 MARZO AL 24 APRILE 2005 INAUGURAZIONE MERCOLEDI’ 16 DALLE ORE 19 La Ermanno Tedeschi Gallery inaugura mercoledì 16 marzo la personale di Alex Pinna EQUILIBRI atto conclusivo della trilogia composta da Hombre e 2con: una serie di opere che raccontano le tappe di un percorso, quello che descrive la parabola esistenziale di ogni uomo, un movimento ciclico in cui, tra perdite annunciate e inaspettate vittorie, in compagnia o in solitudine, talvolta afferriamo un temporaneo equilibrio, come gli omini di Pinna. In mostra sculture in corda, funamboli ed equilibristi in bilico sul filo della vita, resine che si sostengo a vicenda in una perfetta e temporanea fusione, bronzi e ceramiche. Alex Pinna è nato ad Imperia nel 1967, diplomato in Pittura presso l’Accademia di Belle Arti di Brera a Milano; vive e lavora tra Milano e Torino. Principali mostre personali: 2005, “2con”, Genova, Guidi&Schoen; 2004 “Hombre”, Terni, Galleria Ronchini Arte Contemporanea; 2004 “Cose” Modena, Galleria San Salvatore; 2002 “Contasudime” Milano, Galleria Ciocca arte contemporanea; “Alex Pinna” Rocca di Bertinoro, Cesena; 2001 “Muovi bene il tuo pensiero” Terni, Galleria Ronchini Arte Contemporanea; “Via vai” Roma, Casa delle Letterature; 2000 Dagli corda” Monza, ridotto del teatro Manzoni; “Liberitutti” Milano, galleria Ciocca arte contemporanea 1999 “Ancora?”, Trieste, spazio Juliet; “Quella nuvola sembra un gelato” Roma, galleria De Crescenzo & Viesti 1998 “Certo che ti desidero” Padova, galleria Perugi; “Panting painting” Prato, galleria Sergio Tossi 1997 “Sgrunt!” Torino, galleria Caterina Fossati; “L’uomo nero” Milano, galleria Ciocca arte contemporanea; “Mi è sembrato di vedere un gatto” Milano, Viafarini; Catalogo: Silvana Editoriale. Testi di: Luca Beatrice, Giannella Depuro, Ivan Quadroni, Maurizio Sciaccaluga ERMANNO TEDESCHI GALLERY Via C.I.Giulio 6 10122 Torino tel.011.4369917 fax 011.4357632 email: info@etgallery.it da martedì a sabato dalle 11 alle 13 e dalle 16 alle 20 o su appuntamento www.etgallery.it 
 
 Ermanno Tedeschi gallery Torino
2004
1. Cose
 
 curated by Norma Mangione, Ivan Quaroni and Alberto Zanchetta
 
 galleria San Salvatore Art Project Modena
2. Hombre
 
 Press Release Alex Pinna “Hombre” 4 dicembre 2004 - 30 gennaio 2005 GALLERIA RONCHINI ARTE CONTEMPORANEA Inaugurazione sabato 4 dicembre 2004, ore 17.30 La Galleria Ronchini Arte Contemporanea ha il piacere di annunciare la seconda mostra di Alex Pinna a distanza di tre anni dalla sua prima esposizione del 2001. La mostra, dal titolo “Hombre”, è incentrata sull’'idea di associare ad ogni scultura la propria ombra generata da sagome di piombo ritagliate dall’artista per enfatizzare il corpo posto in primo piano, queste però non seguono le normali regole luminose, ma pare vogliano contrastare o aiutare l’azione dei protagonisti. Il tema dell’ombra, già presente su molti disegni pubblicati nel catalogo della prima mostra di Terni, è definitivamente affrontato dall’artista che sceglie di invadere lo spazio non solo con le proprie figure, in corda o in resina, ma con le stesse ombre che queste figure proiettano. Ma l’opera di Pinna è l’oggetto posto in primo piano o la sua ombra in quanto “ombra”? Oppure anche Pinna è alla ricerca della propria ombra? Egli è come Peter Pan che non accetta di crescere e rifiuta il tempo che passa oppure è Capitan Uncino, chiamato a rappresentare il mondo degli adulti con le sue regole e le sue restrizioni? Pinna con il suo lavoro racchiude la fantasia indomita, la freschezza e la sfrontatezza dell’infanzia….. ed oggi ha smarrito la sua ombra!? In occasione della mostra verrà presentato il libro “alexpinna lavori 1998-2004” pubblicato da Edizioni Silvana di Milano, con testi di Luca Beatrice, Giannella de Muro, Maurizio Sciaccaluga e Ivan Quaroni. Alex Pinna è nato ad Imperia nel 1967, diplomato in Pittura presso l’Accademia di Belle Arti Brera in Milano, vive e lavora tra Milano e Torino. Principali mostre personali: 2004 “Cose” Modena, galleria San Salvatore 2002 “Contasudime” Milano, galleria Ciocca arte contemporanea; “Alex Pinna” Rocca di Bertinoro, Cesena 2001 “Muovi bene il tuo pensiero” Terni, galleria Ronchini arte contemporanea;“Via vai” Roma, Casa delle Letterature 2000 “Dagli corda” Monza, ridotto del teatro Manzoni; “Liberitutti” Milano, galleria Ciocca arte contemporanea 1999 “Ancora?”, Trieste, spazio Juliet; “Quella nuvola sembra un gelato” Roma, galleria De Crescenzo & Viesti 1998 “Certo che ti desidero” Padova, galleria Perugi; “Panting painting” Prato, galleria Sergio Tossi 1997 “Sgrunt!” Torino, galleria Caterina Fossati; “L’uomo nero” Milano, galleria Ciocca arte contemporanea; “Mi è sembrato di vedere un gatto” Milano, Viafarini Si prega di contattare la Galleria per ulteriori informazioni e per le immagini delle opere: info@ronchiniarte.com Ronchini Arte Contemporanea - P.zza Duomo 3 05100 Terni - www.ronchiniarte.com 
 
 galleria Ronchini arte contemporanea Terni
2003
1. Disegni
  
  galleria San Salvatore Art Project Modena
2002
1. Alex Pinna
 
 Press Release Sotto l’Alto Patronato del Presidente della Repubblica Con il Patrocinio del Ministero per i Beni e le Attività Culturali Regione Emilia Romagna Province di Bologna Forlì-Cesena Ravenna Comuni di Castrocaro Forlimpopoli Imola Riolo Terme Bertinoro ROCCHE & SCULTORI CONTEMPORANEI progetto in rete 2002 memorie alchemiche Luoghi: CASTROCARO TERME – Fortezza Medievale: 11 maggio / 13 ottobre LUIGI MAINOLFI - testo di Alberto Fiz FORLIMPOPOLI - Rocca Albornoziana: 25 giugno / 29 settembre GLORIA ARGELES - testo di Marco Di Capua IMOLA - Rocca Sforzesca: 7 giugno / 29 settembre GIUSEPPE MARANIELLO - testo di Lea Vergine BERTINORO - Rocca Vescovile: 23 giugno / 29 settembre ALEX PINNA - testo di Andrea Bellini RIOLO TERME - Rocca Sforzesca: 29 giugno / 22 ottobre ANTONIO VIOLETTA - testo di Claudio Spadoni Enti Promotori: Assessorati alla Cultura e al Turismo della REGIONE EMILIA-ROMAGNA, delle Province di Forlì-Cesena,Bologna, Ravenna, dei Comuni di Castrocaro Terme e Terra del Sole, Forlimpopoli, Imola, Bertinoro, Riolo Terme Curatore: Marisa Zattini Allestimento: Augusto Pompili Cataloghi: Il Vicolo - Divisione Libri (Editore) È un progetto: IL VICOLO - Sezione Arte Via Carbonari, 16 - 47023 Cesena - Tel. 0547 21386 e-mail: ilvicolo@tin.it http://www.ilvicolo.com Comunicato Stampa ROCCHE & SCULTORI CONTEMPORANEI è un progetto pluriennale turistico-culturale «in rete», avviato lo scorso anno, che è nato in un’ottica di attenta e determinata volontà di valorizzazione del patrimonio storico-artistico regionale. Cinque le Rocche prescelte: la Fortezza Medievale di Castrocaro Terme e Terra del Sole, la Rocca Albornoziana di Forlimpopoli, la Rocca Sforzesca di Imola, la Rocca Vescovile di Bertinoro e la Rocca Sforzesca di Riolo Terme. Tutte le rassegne sono promosse dagli Assessorati alla Cultura e al Turismo della Regione Emilia Romagna, dalle Province di Forlì-Cesena, Bologna, Ravenna e dai Comuni di Castrocaro Terme e Terra del Sole, Forlimpopoli, Imola, Bertinoro e Riolo Terme. Le Rocche rappresentano un patrimonio storico-architettonico denso di memoria storica, e si inseriscono come gangli fondamentali nel tessuto urbano delle nostre città, connotandole in modo straordinario. L’abbinamento antico-moderno pone l’attenzione sull’importanza di far rivivere luoghi storici quali le rocche attraverso esperienze del nostro tempo, che ci appartengono, trasformando così l’ambiente, stringendo nuove relazioni e stimolando più ampie riflessioni. La rivisitazione e la rivitalizzazione di questi spazi attraverso le opere di scultori contemporanei quali LUIGI MAINOLFI, GLORIA ARGELES, GIUSEPPE MARANIELLO, ALEX PINNA e ANTONIO VIOLETTA offre l’opportunità di riscoprire le antiche corti, i camminamenti, i torrioni, gli spalti e gli ambienti suggestivi che li contraddistinguono in modo nuovo e coinvolgente. Un itinerario turistico e artistico fuori dai luoghi deputati in un’operazione di de-museificazione di forte valenza culturale. Un’opportunità per un «viaggiatore curioso» attraverso la Romagna delle Rocche, per un approfondimento della scultura contemporanea. Memorie alchemiche, si delinea in un percorso lungo l’asse della via Emilia, che presenta complessivamente oltre 100 opere tridimensionali. Questo secondo ciclo espositivo vuole ricollegarsi idealmente al tema del tempo ed aprirsi alle suggestioni della memoria attraverso l’alchimia delle opere di cinque artisti diversi nel loro linguaggio plastico ma proprio per questa loro diversità e per la validità delle loro poetiche proposti «in contemporanea» per sondare i confini di ognuno di loro, nelle differenze. Una campionatura, quindi, che propone momenti diversi, espressioni personalissime, in una complessità che rende il confronto ricco e fervidamente molteplice nei suoi risultati e nei suoi aspetti. Luigi Mainolfi (Rotondi di Valle Caudina (AV) 1948), artista poliedrico e di spessore internazionale debutta con una prima personale a Napoli nel 1972. Da allora espone, con mostre personali e collettive, in Italia e all’estero: Francia, Germania, Grecia, Inghilterra, Stati Uniti, Canada, Giappone, Taiwan, Argentina, Colombia. In questa mostra viene proposto attraverso la lettura di opere che vanno dal 1978 ad inediti del 2002, fra cui: Alatini (1978), L’isola (1983), Grande Sole con nacchere (1991), Narval (1996), Il gioco delle palle e Colonne di maggio (2002). Vive e lavora a Torino. Gloria Argeles (Cordoba, Argentina 1940), si trasferisce definitivamente a Roma nel 1973. Dopo la prima personale alla Galleria Lirolay di Buenos Aires (1968), espone con regolarità in Italia e all’estero. Del 2001 è l’ultima esposizione, dal titolo h-ombre, al Palazzo delle Esposizioni di Roma. Scultrice figurativa dissacratoria, interessata all’identità dell’uomo, al senso della «fragilità», ha lavorato per lungo tempo con legno di cirmolo e con il bronzo. Eccellente disegnatrice, si esprime oggi, per contrasto, attraverso la leggerezza della rete metallica. Giuseppe Maraniello (Napoli 1945), frequenta, a Napoli, l’Istituto d’Arte e, in seguito, l’Accademia di Belle Arti. Nel 1971 si trasferisce a Milano, dove, nel 1989, gli viene assegnata la cattedra di Pittura all’Accademia di Belle Arti di Brera. Artista noto a livello internazionale, opera nel segno dell’ibridazione fra scultura e pittura attraverso un linguaggio personalissimo. Nella mostra di Imola sono state selezionate oltre venti opere che rispecchiano l’interpretazione del mondo attraverso il mito e il vissuto, attraverso l’immaginario. Alex Pinna (Imperia 1967), si forma a Milano, nella prestigiosa Accademia di Brera, ed esordisce nel 1995 alla «Biennale dei giovani artisti dell’Europa e del Mediterraneo» a Rijeka, in Croazia. Le sue originalissime sculture prendono a pretesto il «gioco» come racconto dell’io. I personaggi storici dei fumetti (Fucked Bird, Bee-Beep, Tom e Jerry, Mickey Mouse) o di altre figure legate al mondo delle favole, come Pinocchio, diventano l’occasione per reinterpretare in modo scanzonato e dolce, le contraddizioni del mondo contemporaneo. Antonio Violetta (Crotone 1953), inizia la sua attività nel 1976 con una personale alla Galleria Ferrari di Verona, città in cui ha esposto nuovamente nel 1999, a Palazzo Forti, con un’importante rassegna di opere. Ha partecipato alle più importanti esposizioni internazionali, da Documenta Kassel (1982) alla Biennale di Venezia (1986), solo per ricordarne alcune. È testimone di una riflessione scultorea che trascrive le infinite frazioni della grande realtà, quale può essere quella rappresentata dal corpo umano. Luigi Mainolfi (Rotondi di Valle Caudina (AV) 1948), artista poliedrico e di spessore internazionale debutta con una prima personale a Napoli nel 1972. Da allora espone, con mostre personali e collettive, in Italia e all’estero: Francia, Germania, Grecia, Inghilterra, Stati Uniti, Canada, Giappone, Taiwan, Argentina, Colombia. In questa mostra viene proposto attraverso la lettura di opere che vanno dal 1978 ad inediti del 2002, fra cui: Alatini (1978), L’isola (1983), Grande Sole con nacchere (1991), Narval (1996), Il gioco delle palle e Colonne di maggio (2002). Vive e lavora a Torino. Gloria Argeles (Cordoba, Argentina 1940), si trasferisce definitivamente a Roma nel 1973. Dopo la prima personale alla Galleria Lirolay di Buenos Aires (1968), espone con regolarità in Italia e all’estero. Del 2001 è l’ultima esposizione, dal titolo h-ombre, al Palazzo delle Esposizioni di Roma. Scultrice figurativa dissacratoria, interessata all’identità dell’uomo, al senso della «fragilità», ha lavorato per lungo tempo con legno di cirmolo e con il bronzo. Eccellente disegnatrice, si esprime oggi, per contrasto, attraverso la leggerezza della rete metallica. Giuseppe Maraniello (Napoli 1945), frequenta, a Napoli, l’Istituto d’Arte e, in seguito, l’Accademia di Belle Arti. Nel 1971 si trasferisce a Milano, dove, nel 1989, gli viene assegnata la cattedra di Pittura all’Accademia di Belle Arti di Brera. Artista noto a livello internazionale, opera nel segno dell’ibridazione fra scultura e pittura attraverso un linguaggio personalissimo. Nella mostra di Imola sono state selezionate oltre venti opere che rispecchiano l’interpretazione del mondo attraverso il mito e il vissuto, attraverso l’immaginario. Alex Pinna (Imperia 1967), si forma a Milano, nella prestigiosa Accademia di Brera, ed esordisce nel 1995 alla «Biennale dei giovani artisti dell’Europa e del Mediterraneo» a Rijeka, in Croazia. Le sue originalissime sculture prendono a pretesto il «gioco» come racconto dell’io. I personaggi storici dei fumetti (Fucked Bird, Bee-Beep, Tom e Jerry, Mickey Mouse) o di altre figure legate al mondo delle favole, come Pinocchio, diventano l’occasione per reinterpretare in modo scanzonato e dolce, le contraddizioni del mondo contemporaneo. Antonio Violetta (Crotone 1953), inizia la sua attività nel 1976 con una personale alla Galleria Ferrari di Verona, città in cui ha esposto nuovamente nel 1999, a Palazzo Forti, con un’importante rassegna di opere. Ha partecipato alle più importanti esposizioni internazionali, da Documenta Kassel (1982) alla Biennale di Venezia (1986), solo per ricordarne alcune. È testimone di una riflessione scultorea che trascrive le infinite frazioni della grande realtà, quale può essere quella rappresentata dal corpo umano. Alex Pinna – BERTINORO Luogo Bertinoro - Rocca Vescovile Via Frangipane Enti Promotori Regione Emilia Romagna Provincia di Forlì-Cesena Comune di Bertinoro - Assessorato alla Cultura Tel. 0543 469217 - Fax 0543 444486 e-mail: municipio@comune.bertinoro.fo.it In collaborazione con CE.U.B. Ingresso i 2,50 - ridotto - i 2 Durata dal 23 giugno al 29 settembre 2002 Orario 17 - 21 venerdì e sabato 10 - 13,30 / 17 - 21 domenica e festivi per gli altri giorni solo su prenotazione Inaugurazione domenica 23 giugno 2002 - ore 18 Curatore Marisa Zattini Allestimento Augusto Pompili Catalogo Il Vicolo - Divisione Libri (Editore) Testo critico Andrea Bellini Sponsor Fondazione Cassa dei Risparmi di Forlì Romagna Acque S.p.A. Unica S.p.A. Rocca Vescovile di Bertinoro (sec. X - XI) - Della Rocca, che domina il colle di Bertinoro, si hanno notizie già nel 1006. Sede dei signori della città, ospitò personaggi illustri, fra i quali ricordiamo l’Imperatore Federico Barbarossa, che nel 1177 vi dimorò con la sua corte e le sue milizie. Fu sede anche dei Rettori di Romagna e, come castello dei Malatesta, ospitò un’officina libraria di Novello Malatesta. Fu anche dimora degli Sforza e dei Borgia e, dal 1584, divenne residenza vescovile. Da quel momento la Rocca subì numerosi ampliamenti e rifacimenti. Adibita a Centro Residenziale Universitario in collegamento con l’Università di Bologna. Ufficio Stampa REGIONE EMILIA ROMAGNA Cinzia Leoni Tel. 051 6395692 e-mail: cleoni@regione.emilia-romagna.it PRIMA PAGINA Via Sacchi, 31 - 47023 Cesena Tel. 0547 26664 e-mail: info@agenziaprimapagina.it 
 
 curated by Marisa Zattini and Andrea Bellini
 
 Rocca di Bertinoro Bertinoro, Cesena
2. Contasudime
 
 Press Release Alex Pinna Contasudime Dal 12 dicembre al 15 febbraio 2003 Dal 12 dicembre al 15 febbraio la galleria Ciocca presenterà per la terza volta una personale dell’artista Alex Pinna, dal titolo “Contasudime”. In questo nuovo progetto l’artista si è insinuato tra le pieghe del tempo per mostrarci la sua personale riflessione sul viaggio all’interno del regno di Crono. Il titolo della mostra è preso a prestito da un’installazione che illustra, con un’efficace metafora, l’inutile tentativo di fuggire dal crudele dio del tempo. Un’esile figura antropomorfa gioca serafica a nascondino, mentre i numeri della sua conta pervadono le pareti della stanza come note da una sinfonia di Rachmaninov, aumentando così l’ansia di nasconderci. Un omino rannicchiato dentro ad una clessidra medita sull’inesorabilità dello scorrere dei secondi, mentre ne viene sommerso; un altro guarda ossessionatamente una pallina che gira su di una roulette, sperando invano che il caso giochi a suo favore. Ma i forzati del tempo hanno una speranza, piccola ed evanescente, il caso. Ed è sul caso che gli uomini ripongono le speranze, ma l’impotenza di fronte al fato ci permette soltanto di abbandonarci ad un intenso tango, sperando che l’orchestra non smetta mai di suonare. L’ironia e il gioco passano in secondo piano, lasciando parlare l’artista attraverso immagini più dirette ed incisive, come nei due grandi quadri rossi in cui novelle Parche ci porgono i dadi con cui scommettere sul nostro destino. Approfondendo sempre di più il lato intimista nelle sue ultime opere Alex ci trascina nell’instabile vortice della creazione mostrandoci opere che diventano sempre più schiette ed afferrabili, per condurci senza inganni, e sempre più profondamente, nella zona oscura della sua fantasia, sorprendentemente la più lirica. Alex Pinna, nato ad Imperia nel 1967, vive e lavora a Torino Per informazioni: marco@rossanaciocca.it Ciocca Arte Contemporanea via Del Lauro 8 20121 Milano tel. 02.86.46.31.67 Inaugurazione giovedì 12 dicembre ore 18.30 orario: 14.00 - 19.30 chiuso domenica e lunedì 
 
 galleria Ciocca arte contemporanea Milano
2001
1. Via vai
 
 Press Release ALEX PINNA “Via vai” 2000 Courtesy Ciocca Artecontemporanea, Milano Entrare questa volta nel chiostro della casa delle letterature significherà per un momento abbandonare la percezione del tempo e dello spazio borrominiano o meglio, avvertire come questo si tinga dei toni carichi delle trame arabeggianti, come la sua dimensione venga stravolta dai riflessi di allucinatorie visioni da mille e una notte. Alex Pinna ha voluto interagire con il luogo immaginandolo un po' come il cortile di un caravanserraglio, presso il quale il corpo (all'ombra degli aranci) e la mente (nell'illusione del volo) possano trovare ricovero. I tappeti volanti che stazionano nel giardino, come in un primordiale "otogar", attendono sospesi i loro prossimi passeggeri. La sfida ironica dell'artista verso il suo spettatore è posta sul piano del confronto tra questo e la possibilità che egli è lì a fornirgli: la fuga, la libertà, l'illusione di intraprendere un volo con destinazione ignota. Il desiderio, spesso denunciato dall'uomo, di riuscire ad assecondare i propri sogni, di prendere distacco dalla realtà contingente, quotidiana, di trasferirsi in terre lontane, ha qui la rappresentazione del suo possibile appagamento (la lampada di Aladino è lì in attesa che qualcuno la sfreghi, le scale di corda un incoraggiante sollecito a salire a bordo e partire). L'insofferenza umana pur trovando nell'opera un chiaro invito ad esaurirsi, come spesso accade, tenderà a mantenere il suo paradossale equilibrio. E quella opportunità, proprio perché offerta inaspettatamente, perché porta come un dono disinteressato, non troverà facilmente qualcuno pronto a coglierla, qualcuno che abbia il coraggio di lasciarsi andare alla prospettiva di un viaggio senza certezze. Emanuela Nobile Mino 
 
 curated by Emanuela Nobile Mino
 
 Casa delle Letterature Roma
2. Muovi bene il tuo pensiero
 
 Press Release Ronchini Arte Contemporanea, Terni presenta MUOVI BENE IL TUO PENSIERO una personale di Alex Pinna inaugurazione sabato 8 dicembre dalle 17,30 fino al 10 febbraio 2002 Potrete illudervi di aver raggiunto l’assenza di gravità, di colore, di peso, di materia. La galleria si presenta come un luogo sospeso nel bianco, la zona x di un film di fantascienza in cui gli ‘alieni’ sono come noi ma più piccoli, estensibili, sospesi. Sarà necessario abituare lo sguardo ad una sofisticata lettura di chiaro nel chiaro, di volume nel nulla, di ombre nella luce. E se nel cielo ci fossero mille lune? Le opere di Alex Pinna (classe ’67 vive a Milano) si chiudono tutte dolcemente in cerchi. Pianeti lontani, vicini, in successioni sempre dispari. Pianeti che fanno strane coreografie tra loro a incantare non soltanto i numerosi, ‘stralunati’ abitanti ma anche voi, che sotto un cielo invisibile potrete visitare un nuovo planetario fatto di quadri, disegni e sculture. In occasione della mostra verrà presentato il volume “Alex Pinna, disegni 1998-2001” a cura di Alessandra Galletta. Fotocolor disponibili in galleria Ronchini Arte Contemporanea, Piazza del Duomo n. 3 05100 Terni, Italy Telfax 0744.423656 orario: dal lunedì al sabato 17-20. Domenica 11-13. website:www.ronchiniarte.com e-mail:info@ronchiniarte.com. 
 
 curated by Alessandra Galletta
 
 galleria Ronchini arte contemporanea Terni
2000
1. Liberitutti
 
 Press Release Alex Pinna Dal 20 Gennaio al 11 Marzo 2000 Ecco un'altra avventura di Alex Pinna (classe 1967); chiacchierava con Enzo Cucchi e Jeff Koons (La casa©, MagazzinoArte Contemporanea, Roma); in TV, Terry Gilliam dialogava assorto tenendo tra le mani una sua scultura (Onda anomala, Rai 3). Ha fatto di una galleria un teatrino, dove recitavano dei suoi feti-burattini in legno (Certo che ti desidero, galleria Perugi, Padova); ci ha svelato l’enigma della mamma di pinocchio (Quella nuvola sembra un gelato, galleria De Crescenzo&Viesti, Roma). Qualcuno dice che pochi giorni fa, un suo grande equilibrista in corda camminava tra i tetti della capitale (Note a margine, Roma). Ora presenta la sua terza personale milanese: liberitutti. liberitutti, personaggi nelle loro fragili esibizioni: talvolta sono sculture nello spazio della galleria, talvolta figure che affiorano dalla tridimensionalità della tela. liberitutti i disegni preparatori dei lavori in mostra che vengono esposti, al pari dei loro ‘fratelli maggiori’. liberitutti di essere figurativi ma non per questo ‘facili’. liberitutti dal pudore dei mille riferimenti di queste figure ai loro padri (Gino De Dominicis, Alberto Giacometti o Tiramolla). Dopo le tele Panting Painting del 98, che annunciavano una corporeità libera da vincoli anatomici e gravitazionali, questo nuovo ciclo di quadri, intitolato Sonnambula, richiama allo stato di trance prodotto dal gesto che si ripete: disegnare, dipingere per velature bianco su bianco, annodare. Come in un mantra il lavoro di Alex Pinna è l’evocazione di un’entità. Entità che assomigliano a qualcosa che ci sembra di riconoscere, ma non ne siamo certi: non a caso Alias è il nome che Pinna ha scelto per le sue sculture in corda annodata con pazienza maniacale. liberitutti gli spettatori, di immaginarsi in queste acrobazie e di emozionarsi per la loro verità, come sotto il telone di un circo, a fiato sospeso. Inaugurazione giovedì 20 gennaio 2000 ore 18.30 Su richiesta sono disponibili fotocolor Orario d’apertura: dal martedì al sabato 14.00-19.30giovedì 14.00-22.00 
 
 galleria Ciocca arte contemporanea Milano
2. Dagli corda
 
 Press Release Alex Pinna “ dagli corda ” Dal 19 Novembre 2000 al 10 Gennaio 2001 Per il secondo appuntamento della rassegna dedicata agli artisti contemporanei, lo SpazioArte presenta al Ridotto del Teatro Manzoni di Monza l'artista milanese Alex Pinna (classe 1967) che ha realizzato per l'occasione due nuovi lavori di notevoli dimensioni dal titolo " alias ". L'artista utilizza delle corde annodate infinite volte con un procedimento creativo fortemente manuale il cui lento, paziente e faticoso sviluppo esecutivo diventa occasione per una riflessione sulla realtà vista da quell'osservatorio privilegiato costituito dal “limbo” della fantasia. Due sculture in corda dunque. E mentre nella prima opera una figura è intenta alla realizzazione di un suo habitat (spazio fisico ma soprattutto mentale) nel quale rifugiarsi, a voler sottolineare una volontà di volersi negare ai nostri occhi ed alla confusione del reale; nella seconda grande installazione, uno schieramento sospeso di lampade di Aladino e di tappeti volanti, da cui scendono scale di corda intrecciata, incombe sul visitatore. Gli occupanti di queste antiche astronavi si aggirano invisibili all'interno del teatro. . . A cura di Giorgio Viganò In collaborazione con la galleria Ciocca arte contemporanea di Milano Inaugurazione domenica 19 novembre ore 11.30 – 13.30 Su richiesta sono disponibili fotocolor Orario d’apertura: dal lunedì al sabato 9.00 - 20.00 
 
 curated by Giorgio Viganò
 
 ridotto del teatro Manzoni Monza
1999
1. Alex Pinna
 
 Galleria Dina Carola Napoli
2. Quella nuvola sembra un gelato
 
 Press Release ALEX PINNA Quella nuvola sembra un gelato Website INAUGURAZIONE MARTEDì 16 MARZO 1999 ORE 19. Si inaugura alla Galleria d’Arte Contemporanea DE CRESCENZO & VIESTI, la personale di Alex Pinna dal titolo “Quella nuvola sembra un gelato”. Tutto il lavoro di Alex Pinna si basa sull’immediatezza di comunicazione e sulla semplicità del fare. I suoi quadri, sculture, installazioni, disegni conservano sempre questa volontà di raggiungere subito chi guarda: sono come quell’ossessione ripetitiva tipica dei bambini che amano farsi raccontare tante volte la stessa storia, e attraverso le favole dell’infanzia, i personaggi e i sogni che tutti abbiamo avuto, Pinna dice dell’essere semplice, del non legarsi mai troppo alle cose, che siamo in una fase di passaggio, inevitabilmente. E’ quella di Pinna una poetica semplice e leggera che sottintende altrettante ossessioni. In mostra oltre ad una grande scultura che rappresenta la mamma di Pinocchio vi saranno alcuni quadri ad olio, dei lavori in corda ed una piccola scultura in resina installata al centro di una stanza riempita di borotalco. Guardare le nuvole e cercare di riconoscere le forme "quella nuvola sembra un gelato", no un orco, no un gigante o forse un pianeta. Intrecciare tra le dita una corda, in certi punti più spessa, in altri più sottile finchè viene fuori una sagoma, una figura, un personaggio. Disegnare e disegnare per ore ed ore, con un tratto veloce, immediato ma che si fissa bene nella memoria, disegnare per ore ed ore fino a battere il record del mondo del disegno in apnea. Piegare la carta come un origami e da questa carta leggera ecco spuntare una barchetta, un cavallo con le ali, un cavallo incatenato. Riempire una stanza di chili e chili di borotalco che se entri verrai assalito dal suo odore come al reparto maternità e lì in mezzo, piccolo piccolo il feto topolino che congiunge le manine, forse ti osserva. Sfidare le leggi della materia, fare delle gambe lunghe lunghe e sottili sottili che solo a guardarle sembra si spezzino e invece sono lì, solide e sicure. E poi cento pinocchi, duemila occhietti di plastica, un fantastiliardo di piume gialle. Tutto il lavoro di Alex Pinna si basa sull'immediatezza di comunicazione e sulla semplicità del fare. I suoi quadri, sculture, installazioni, disegni conservano sempre questa volontà di raggiungere subito chi guarda: sono come quell'ossessione ripetitiva tipica dei bambini che amano farsi raccontare tante volte la stessa storia, e attraverso le favole dell'infanzia, i personaggi e i sogni che tutti abbiamo avuto, Pinna dice dell'essere semplice, del non legarsi mai troppo alle cose, che siano in una fase di passaggio, inevitabilmente. E' quella di Pinna una poetica semplice e leggera che sottintende altrettante ossessioni. Più lo osservo e più mi rendo conto di quanto il suo lavoro sia profondamente in linea con un certo percorso dell'arte italiana. L'elencazione di dati e nomi: le "Sicilie" di Salvo, gli arazzi e i mille fiumi più lunghi del mondo di Boetti, perchè solo partendo dal normale dato si può cominciare a catturare l'universo, prendere immagini della vita e riportarle dentro la sfera dell'arte lavorando con materiali poveri e con gesti minimi. Ciò su cui opera da quindici anni Stefano Arienti. In questa linea Pinna ci sta benissimo con la differenza che lui preferisce dedicarsi soprattutto alla memoria e alla materia, perchè ha la necessità di fissare un'immagine subito riconoscibile e di manipolare qualsiasi mezzo, anzi meno nobile appare all'inizio tanto più si trasformerà in qualcosa di magico. Prende una cosa piccola, ci lavora per ore, giorni e questa cosa diventa sempre più grande e noi tutti, alla fine, diremo un sacco di oooh di meraviglia. Pinna è semplice: gli piacciono le storie semplici, quelle perbambini e per adulti, adora le cose non finite, lasciate stare per un'altra volta, lo attraggono i materiali con poco colore, li recupera dal dimenticatoio se sono sciatti o da buttare. Pinna è un piccolo inventore dell'arte: ha inventato la mamma di Pinocchio che prima non c'era. Pinna è un grande perchè riesce sempre a sorprendermi su qualcosa che proprio non ci avrei mai pensato. Testo di Luca Beatrice.
 
 curated by Luca Beatrice
 
 galleria De Crescenzo & Viesti Roma
3. Ancora?
 
 curated by Roberto Vidali
 
 spazio Juliet Trieste
1998
1. Doppia-mente
 
 Press Release 5 ottobre, Doppia-mente (Alex Pinna, Sabrina Sabato) h 20.30 Le mostre nelle case fanno spesso discutere, ma alla fine piacciono. Mi sembra sempre che ci vada un sacco di gente. Non ho mai capito se è vero oppure se sono gli spazi domestici a dare l'impressione di tutto esaurito. Le persone si aggirano per un po' di tempo in silenzio, con circospezione, poi si ambientano. Io parlo un po' con tutti e mi scrivo alcune frasi dei dialoghi che sento oppure chiedo direttamente le impressioni a caldo sulla mostra. Molti sono favorevolmente sorpresi dal lavoro di Sabrina, in effetti tutti quegli oggetti "fuori-asse" colpiscono anche me e appena la vedo un po' da sola glielo dico e le faccio i complimenti. Guardo la stanza di Alex e mi chiedo come mai quando vedo le sue installazioni mi viene sempre voglia di camminarci in mezzo, mentre nessuno lo fa. Allora glielo dico e mi risponde "Entra pure!", sì, ma così non c'è più gusto! Un signore ruba un suo lavoro e io gli dico anche questo, lui non fa una piega nemmeno questa volta "È un vecchio debito morale!!" dice. Mentre il sugo bolle in cucina, in salotto si parla, due persone citano mille riferimenti degli anni '60, raccontano di Fontana e delle stanze blu, poi chiedono agli artisti "Insomma qual'è il problema?". Molti tra il pubblico li attaccano, gli artisti rispondono e io mi domando: ma perché ci deve essere un problema, perché non si possono vivere le situazioni piacevoli senza chiedersi se sono surreali o metafisiche, razionali o irrazionali, nuove o vecchie? Francesca Alessandrini 
 
 curated by No Admittance
 
 casa Saibene Milano
2. Panting painting (with Andrea di Marco)
 
 galleria Sergio Tossi Prato
3. Certo che ti desidero
 
 galleria Perugi artecontemporanea Padova
1997
1. Mi è sembrato di vedere un gatto
 
 Press Release Alessandra Galletta “Mi è sembrato di vedere un gatto”, Viafarini, Milano, 1997 Alex Pinna Le storie animate - pensiamo a quelle della Warner o Hanna & Barbera raramente prevedono una "correttezza politica": piuttosto il mondo che propongono si divide inequivocabilmente in furbi e fessi. I primi mettono conlinuamente a punto tecniche che mettono in evidenza la pochezza intellettuale e di sense of humour dei secondi, che infatti si attirano l'antipatia del grande pubblico televisivo. Jerry la fa sempre franca con Tom, Popeye ha la meglio su Bluto, mentre nulla può Duffy Duck contro l'ironia e il disinteressato senso dell'assurdo di Bugs Bunny. Similmente a quelli che gravitano nel mondo dell'arte, questi eroi di cartone sono personaggi liberi e pieni di iniziativa. Hanno uno spirito nomade e sono nullatenenti, senza fissa dimora e questo fa di loro esseri sinceri, incapaci di piegarsi all'autorità. Ma il disegno artistico può più di un disegno animato: qucllo che nei comics è uno scontro duro, divertente, vitale può infatti, se trasposto nel territorio altrettanto libero dell'arte, raggiungere estremi inammissibili alle dure leggi del ripetitivo mercato dei cartoni. Alex Pinna, già eroe in carne ed ossa per aver messo la parola fine allo scontro epocale tra l'odioso Beep Beep e il disperato Willy il Coyote grazie ad una pesante incudine sul corpo finalmente senza vita dello struzzo, prosegue con "mi è sembrato di vedere un gatto" la sua azione di giustiziere dell'immaginario collettivo. Sylvester, ospite da sempre in una casa di umani da cui può essere cacciato in ogni momento, ha finalmente la meglio sull'adorato Tweety, con innegabile soddisfazione degli astanti, i quali possono addirittura tornarsene a casa con in tasca qualche piuma dell'ormai straziato canarino. Il mondo dei cartoni animati ha già da tempo, e a pieno titolo, fatto il suo ingresso in quello dell'arte e, di contaminazione in contaminazione, un feto umano porta sguardi da pelouche, orecchie da Topolino o una coda di pesce. Qui continua il divertente e interminabile gioco delle parti televisivo, anzi, Pinna ce ne propone addirittura uno nuovo. Chi avrà la meglio tra le sue occhiute matite incapaci di smettere di disegnare e le ostinate gomme che non chiedono altro che praticare il loro ruolo censorio, cancellatorio, eliminatorio? Chi è il furbo e chi il fesso? Forse alla prossima puntata. Per ora "That's all, Folks!". 
 
 spazio Viafarini Milano
2. L’uomo nero
 
 Press Release Luca Beatrice “Alex Pinna, l’uomo nero”, Ciocca artecontemporanea, Milano, 1997 Alex Pinna L’infanzia non è soltanto il periodo più felice e spensierato della vita, non è vero che tutto funziona sempre per il meglio. Certe volte basta un niente perché il mondo ti cada addosso, oppure ti sembra di aver subito una terribile ingiustizia, tipo se la mamma t'ordina di stare dalla parte della strada e non all’interno del marciapiede quando accompagni il fratellino a scuola, così se una macchina vi investe prende prima te e poi lui, come racconta Francesco Piccolo nel suo “Storie di primogeniti e figli unici”. E non è vero che gli eroi dell’infanzia sono quelli che ha stabilito per te il mondo degli adulti: Peter Pan ad esempio, quell’insignificante folletto con le scarpe a punta, cosa volete abbia da spartire con il vecchio Capitan Uncino, un pirata grande come Francis Drake, raffinato e crudele, un avventuriero che ha visto il mondo, mentre l’altro appunto sta in un’isola che manco c’è. E lo struzzo Bip Bip, solo capace di correre e di suonare il clacson, il petulante Titti protetto da quell’insopportabile vecchiaccia, il grillo parlante saccentone che non si è mai divertito in vita sua, l’avaraccio Zio Paperone, il classico capitalista di merda! Non è vero che da piccoli non si sa scegliere: io sono sempre stato dalla parte di Wile E. Coyote, di Silvestro, di Lucignolo, di Rockerduk, dalla parte dei nevrotici, di chi si fa venire l’ulcera pur di non mollare. E mi piaceva molto Macchia Nera, il nemico pubblico numero uno di Topolino, che però sui giornalini compariva solo ogni tanto, per non turbare la vita piccolo borghese del topo più autoritario che si ricordi. Sono quindi piuttosto contento che il nostro Alex Pinna abbia pensato a lui, al mitico Macchia Nera, forse la figura più astratta del fumetto disneyano, per questa sua nuova opera. Macchia Nera è uguale all’Uomo Nero, altro inquietante abitatore dell’infanzia, evocato dalle mamme più sadiche se il bimbo non fa la nanna, se fa i capricci, se è troppo vivace, se fa troppe domande. Il vecchio Alex allora ci fa questo Macchia Nera/Uomo Nero bello grande e con la testa a pera, dopo aver ucciso lo struzzo e titti, dopo i feti, i pinocchietti i lettini che sono tutto tranne che carini. E ora stai attento, sennò dopo viene Macchia Nera e ti porta via! 
 
 curated by Luca Beatrice
 
 galleria Ciocca arte contemporanea Milano
3. Sgrunt!
 
 curated by Luca Beatrice
 
 galleria Caterina Fossati Torino

Selected group exhibition

2024
1. BABS Art Gallery: Sei anni come editore di gioielli d’artista
 
 Press Release BABS Art Gallery e Barbara Lo Bianco sono lieti di invitarla all'opening cocktail e alla preview della mostra “BABS Art Gallery: Sei anni come editore di gioielli d’artista”, che si terrà giovedì 12 Settembre 2024, dalle ore 19.00. In una location esclusiva che abbiamo scelto appositamente per la mostra, situata in via Carducci 25, BABS Art Gallery offrirà al pubblico un viaggio attraverso le opere d’arte e i gioielli realizzati dagli artisti contemporanei che la galleria ha seguito e sostenuto nei primi sei anni della sua attività. La mostra rappresenta un’occasione per scoprire ed esplorare il rapporto tra arte e gioielleria, mostrando come BABS Art Gallery sia riuscita in questi anni a svolgere un ruolo cruciale nella trasformazione di idee artistiche in pezzi tangibili e indossabili, fondendo arte e oreficeria in modo innovativo e unico. In mostra opere e gioielli di Paolo Amico, Elizabeth Aro, Orna Ben-Ami, Davide Bramante, Alessandro Busci, Jessica Carroll, Loris Cecchini, Chiara Dynys, Riccardo Gusmaroli, Emilio Isgrò, Ugo Nespolo, Daniele Papuli, Antonio Paradiso, Alex Pinna, Tania Pistone, Alfredo Rapetti Mogol, Roberta Verteramo, e una selezione di gioielli realizzati dagli orafi e designer Matteo Bonafede, Maurizio Fusari, GianCarlo Montebello ed Alberto Zorzi
 
 BABS Art Gallery Milano
2. Biennale latitudini VI edizione
 
 Press Release COMUNICATO STAMPA BIENNALE LATITUDINI VI edizione SVIZZERA/ITALIA MARE. PARADIGMA LIQUIDO Visioni del mondo tra Analogico e Numerico a cura di Virginia Monteverde presentazione critica di Viana Conti GALATA MUSEO DEL MARE GENOVA 2 agosto/8 settembre 2024 Opening 1° agosto 2024 Dal primo di agosto all’8 settembre, il Galata Museo del Mare di Genova ospita la VI edizione della Biennale internazionale d’arte contemporanea Le Latitudini dell’Arte, organizzata da Art Commission in collaborazione con Galata Museo del Mare e MAIIIM. La mostra, che si è consolidata nel tempo come un apprezzato appuntamento dell'arte contemporanea a livello internazionale, si pone come catalizzatore di scambi artistici e culturali tra l'Italia e gli altri Paesi europei, fungendo da ponte per costruttivi dialoghi e confronti creativi. Nel corso degli anni, la Biennale ha saputo tessere una rete di collaborazioni e connessioni tra artisti e curatori, coinvolgendo Paesi quali Finlandia, Ungheria, Germania, Paesi Bassi e Svezia. Quest’anno è la Svizzera il Paese protagonista dell’operazione di scambio artistico-culturale, il tema è Mare. Paradigma liquido. Visioni del mondo tra Analogico e Numerico “Per l'edizione 2024 - spiega Virginia Monteverde ideatrice e curatrice della mostra - abbiamo scelto il mare come tema portante, un elemento che non solo dialoga con la città ospitante ma che apre a riflessioni profonde sull'ambiente, sull'umanità e sulla nostra interconnessione con la natura”. In mostra i lavori di 20 artisti, equamente divisi tra Italia e Svizzera. Come tradizione della Biennale, la selezione esprime la diversità e la ricchezza dell'arte contemporanea dei rispettivi Paesi, offrendo al pubblico un panorama vasto e variegato, capace di stimolare riflessioni e dialoghi sul tema proposto. Per la Svizzera: Peter Aerschmann, Roberto de Luca, Pier Giorgio De Pinto, Franziska Greber, Susanne Hofer, Georgette Maag, Silvano Repetto, Yoshi + Moshi, Dominik Stauch, Alessandro Rolandi. Per l’Italia: Carla Bedini, Federico Bonelli, Francesco Candeloro, Costantino Ciervo, Carla Crosio, Vanni Cuoghi, Pierluigi Fresia, Armida Gandini, Alex Pinna, Georgia Fambris. Gallerie: Etherea Art Gallery, Genova, Galleria Ca’ di Fra’, Milano, Raucci/Santamaria Studio Project, Milano, Galleria Giuseppe Pero, Milano, VisionQuesT 4rosso, Genova, Breed Art Studios, Amsterdam, De Primi Fine Art Gallery, Lugano … È percepibile nella VI edizione della Biennale Latitudini Svizzera-Italia un intento di mediterraneizzare il pensiero e l’immaginario per dischiuderli a un paradigma liquido delle frontiere, a uno scenario condiviso in cui le onde danzino arrivi e partenze tra litorali costieri e mare aperto. (Viana Conti, dalla presentazione del catalogo) La Biennale Le Latitudini dell’Arte, quest’anno si arricchisce di altre tre mostre realizzate in sinergia con altre realtà museali e istituzionali della città: al Museo d’arte Contemporanea di Villa Croce, la mostra Presenze dell’arte svizzera nella collezione del Museo d’arte contemporanea di Villa Croce; al MEI Museo Nazionale dell’Emigrazione Italiana, la mostra Limiti, Confini e Soglie; alla Biblioteca Universitaria di Genova, la mostra Display del progetto Mosaic on paper.
 
 a cura di Virginia Monteverde presentazione critica di Viana Conti
 
 GALATA Museo del mare Genova
3. Per grazia ricevuta
 
 Press Release Per Grazia Ricevuta A cura di Alberto Mattia Martini 23.05 - .07.2024 Inaugurazione giovedì 23 maggio h19 La Galleria Giovanni Bonelli è lieta di presentare la mostra Per Grazia Ricevuta, curata da Alberto Mattia Martini. Una mostra collettiva che si propone di esplorare e reinterpretare il tema degli ex voto in un contesto contemporaneo: una correlazione tra storia e presente, mettendo in relazione tradizione e contemporaneità Gli ex voto, ci ricorda Didi-Huberman, sono oggetti misteriosi ed affascinanti, che potrebbero essere associati a fantasmi; essi sono intrisi di storia e spiritualità, fungono da testimoni tangibili delle esperienze umane di gratitudine, protezione, miracolo e sopravvivenza. Gli artisti presenti alla mostra, tramite i loro personali stili e linguaggi spaziando dalla pittura alla scultura offrono una prospettiva unica e personale, a contributo di una narrazione collettiva che mira a stimolare la discussione e l'interazione attraverso l'eredità insita negli ex voto. La mostra si configura come una riflessione sulla relazione tra tradizione e innovazione, tra sacro e profano, tra il tangibile e il trascendente. Gli ex voto contemporanei, pur mantenendo il loro valore simbolico, si muovono dalle radici puramente religiose per abbracciare una prospettiva più laica e universale. Come afferma il curatore Alberto Mattia Martini: "Nella mostra la tradizione antica si è fusa con nuovi linguaggi e forme di riflessione ed espressione artistica contemporanea, consentendo la creazione di opere ispirate non solo al concetto di devozione, ma esplorando tematiche più ampie, quali l'identità, la politica, la società e l'ambiente. L'oggetto votivo da materia, si fa emblema del rapporto con altre dimensioni ed affronta questioni articolate e delicate come la vita, malattia, la morte o la rinascita, sia dal punto di vista universale che individuale: un simbolo che diviene mezzo per esprimere emozioni universali o narrazioni individuali. La mostra Per grazia ricevuta nella sua "rivelazione" contemporanea rappresenta un ponte tra il passato e il presente, tra tradizione e innovazione; essa interpreta un'espressione simbolica che è la manifestazione della nostra continua e costante ricerca di riuscire a dare un significato e quindi una speranza all'esistere.” Per sottolineare il concetto diventa cruciale la cornice allestitiva, che evoca il tradizionale modo in cui gli ex voto vengono solitamente collocati: una composizione suggestiva, che richiama l'atmosfera delle chiese, dove "i manufatti allegorici" creano una sorta di accumulazione organica, una stratificazione temporale tipica dei luoghi di culto, dove gli elementi votivi di ringraziamento e di devozione si sovrappongono creando un rapporto di dialogo complesso e profondo. Il visitatore si ritrova così immerso in un'esperienza che invita alla riflessione ed alla contemplazione. In questo contesto, l'ex voto diventa un mezzo attraverso il quale gli artisti ci esortano a esplorare le relazioni con il sacro, la fortuna e il destino, offrendo una riflessione profonda sulla condizione umana e sulla ricerca di conforto e speranza. Opere di: Guido Airoldi, Maddalena Ambrosio, Stefano Arienti, Gabriele Arruzzo, Yuval Avital, Mattia Barbieri, Mirko Baricchi, Matteo Basilè, Matteo Bergamasco, Alessandro Bergonzoni, Thomas Berra, Bertozzi&Casoni, Andrea Bianconi, Lorenzo Brivio, Nicolò Bruno, Michele Bubacco, Luca Caccioni, Chiara Calore, Anna Capolupo, Nicola Caredda, Linda Carrara, Valeria Carrieri, Antonio Catelani, Andrea Chiesi, Marco Cingolani, Gianluigi Colin, Giacomo Cossio, Fabrizio Cotognini, Rudy Cremonini, Vanni Cuoghi, Sabrina D'Alessandro, Aldo Damioli, Alberto De Braud, Leonida De Filippi, Francesco De Grandi, Francesco De Molfetta, Silvano De Pietri, Marta Dell'Angelo, Aron Demetz, Marco Demis, Pino Deodato, Nicola Di Caprio, Fulvio Di Piazza, Roberto Dolzanelli, Tamara Ferioli, Enzo Fiore, Sergio Fiorentino, Francesco Fossati, Giovanni Frangi, Maurizio Galimberti, Michelangelo Galliani, Omar Galliani, Daniele Galliano, Laura Giardino Robert Gligorov, Giuseppe Gonella, Domenico Grenci, Ester Grossi, Franco Guerzoni, Agnese Guido, Audrey Guttmann, Silvia Inselvini, Filippo La Vaccara, Franceso Lauretta, Giovanni Manfredini, Lorenzo Mariani, Bruno Marrapodi, Franco Marrocco, Luciano Massari, Andrea Mastrovito, Marco Mazzoni, Paolo Migliazza, Enrico Minguzzi, Kazumasa Mizokami, Concetta Modica, Elena Modorati, Tomoko Nagao, Silvia Negrini, Marco Pace, Silvia Paci, Mimmo Paladino, Robert Pan, Alessandro Papetti, Paola Pezzi, Paolo Pibi, Alex Pinna, Michelangelo Pistoletto, Luigi Presicce, Massimo Pulini, Pierluigi Pusole, Gherardo Quadrio Curzio, Alfredo Rapetti, Alberto Rastelli, Giotto Riva, Brigitta Rossetti, Elisa Rossi, Laboratorio Saccaccardi, Nicola Samorì, Davide Serpetti, Marta Sesana, Giuseppe Stampone, Ema Stokholma, Luca Trevisani, Wainer Vaccari, Vedovamazzei, Nicola Verlato, Flaminia Veronesi, Dany Vescovi, Fabio Viale, Velasco Vitali
 
 A cura di Alberto Mattia Martini
 
 Galleria Giovanni Bonelli Milano
4. Legacy
 
 Press Release Da collezionista a… collezionista: la collezione Art Hotel Gran Paradiso di Sorrento ospita per l’intera stagione 2024 la collezione Penna. Una storia di amicizia, stima e passione per l’arte. Il piacere della condivisione, ha spinto Mario Colonna, proprietario dell'albergo Art Hotel Gran Paradiso e noto collezionista di arte contemporanea, a dedicare a Cynthia e Renato Penna la mostra di una piccola parte della loro collezione che sarà allestista nelle sale dell’albergo per tutta la stagione 2024. Gli ospiti dell’albergo si troveranno di fronte pitture, sculture, installazioni e fotografie che allieteranno il loro soggiorno con quel tocco in più di riflessione che non guasta neanche in vacanza. In mostra opere di circa 70 artisti internazionali che hanno accompagnato i Penna in un percorso ventennale di amore per l’arte e di impegno attraverso l’attività della loro istituzione culturale ART1307, che ha creato ponti culturali di conoscenza e condivisione tra realtà di tanti paesi del mondo e ha visto scorrere nelle sale di tanti musei e gallerie opere di grande spessore concettuale e potenza ideativa. "Legacy" si configura, dunque, come un itinerario artistico gioioso e multisfacettato costituito non solo di opere ma soprattutto di sguardi, esperienze e rappresentazioni. La volontà collezionistica di Mario Colonna e di Cynthia e Renato Penna, si incontra nel profondo amore per l’arte qui intesa come tramite privilegiato per incontrare l’alterità e, in un costante rimando tra interno ed esterno, anche noi stessi.
 
 a cura di Gabriella Esposito
 
 Art Hotel Gran Paradiso Sorrento
5. Estetica e ricerca nel gioiello d’artista
 
 a cura di Christine Enrile
 
 Museo Dabroi palazzo Tagliafierro Andora (SV)
2023
1. tell me something...
 
 galleria Giovanni Bonelli Milano
2. Corpi, segni, storie
 
 BABS Art Gallery Milano
3. Postcards - Art Stays,21 Festival Internazionale di Arti Contemporanee
 
 a cura di Jernej Forbici e Marika Vicari
 
 Galerija FO.VI Strnišče, Slovenia
4. Preziose prospettive
 
 Press Release PREZIOSE PROSPETTIVE SCULTURE E GIOIELLI IN DIALOGO Elizabeth Aro - Eleonora Castagnetta - Alex Pinna A cura di Paola Stroppiana 18 febbraio - 31 marzo 2023 Opening Sabato 18 febbraio, ore 17.00 Kromya Art Gallery è lieta di presentare un progetto espositivo che pone in dialogo la scultura e il design con l’universo del gioiello e della progettazione orafa: gli artisti invitati, noti nei loro rispettivi campi, sono stati chiamati ad esporre alcune tra le opere più significative e le hanno poste in relazione con l’ornamento prezioso, sul quale hanno declinato in modi diversi alcuni aspetti cardine della loro poetica. Prospettive “preziose” dunque, non solo per il materiale, ma anche per le potenzialità interpretative offerte. Il gioiello d’artista, opera d’arte perfettamente compiuta, si presenta come sintesi potente e coerente dell’universo creativo dell’artista, una riflessione audace e originale in dialogo non solo con lo spazio ma anche con il territorio “corpo” grazie alla possibilità di “indossare” l’opera d’arte.
 
 a cura di Paola Stroppiana
 
 Kromya Art Gallery Verona
2022
1. 8 minuti dal sole
 
 Press Release Il 9 luglio alle ore 18:00 si terrà a Gerace presso la Chiesa di San Francesco d’Assisi la conferenza stampa di apertura della prima edizione di Art Rizoma, la rassegna dedicata all’arte contemporanea che si svolge in 3 località sul territorio calabrese, Gerace, Roccella Ionica e Santa Caterina dello Ionio. Arman, Christian Balzano, Bankeri, Roberto Barni, Cesare Berlingeri, Bertozzi & Casoni, Sandro Chia, Vittorio Corsini, Wim Delvoye, Pino Deodato, Chiara Dynys, Brice Esso, Nicola Evangelisti, Roberto Fanari, Giovanni Longo, Gonçalo Mabunda, Masbedo, Gianfranco Meggiato, Veronica Montanino, Gian Marco Montesano, Alexey Morozov, Luigi Ontani, David Paolinetti, Massimiliano Pelletti, Pino Pinelli, Alex Pinna, Michelangelo Pistoletto, Antonio Pujia Veneziano, Turi Simeti, Massimo Sirelli, Antonio Tropiano, Giuseppe Uncini, Zeroottouno. L’iniziativa promossa dalla Fondazione Rocco Guglielmo di Catanzaro in collaborazione con le amministrazioni comunali di Gerace, Roccella Ionica e Santa Caterina dello Ionio, con la partecipazione di Civita Mostre e Musei, è concepita come un vero e proprio festival dell’arte contemporanea che coinvolge artisti internazionali per ribadire la fede nella creatività come volano di sviluppo culturale, economico e di coesione sociale e identitaria. Art Rizoma nasce come evento annuale, che nell’edizione 2022 curata da Alessandro Romanini e Arman, Christian Balzano, Bankeri, Roberto Barni, Cesare Berlingeri, Bertozzi & Casoni, Sandro Chia, Vittorio Corsini, Wim Delvoye, Pino Deodato, Chiara Dynys, Brice Esso, Nicola Evangelisti, Roberto Fanari, Giovanni Longo, Gonçalo Mabunda, Masbedo, Gianfranco Meggiato, Veronica Montanino, Gian Marco Montesano, Alexey Morozov, Luigi Ontani, David Paolinetti, Massimiliano Pelletti, Pino Pinelli, Alex Pinna, Michelangelo Pistoletto, Antonio Pujia Veneziano, Turi Simeti, Massimo Sirelli, Antonio Tropiano, Giuseppe Uncini, Zeroottouno. da Rocco Guglielmo prende il titolo “8 Minuti dal Sole” - il tempo che la luce del sole impiega a raggiungere la terra - ed intende rispondere ad una serie di esigenze impellenti manifestatesi nel corso dell’ultimo periodo nel panorama artistico-culturale e socio-politico. La congiuntura pandemica, con il connesso “social distancing” e le sue derive tecnologiche, abbinate agli eventi bellici e al diffuso clima di “cancel culture”, hanno creato una distanza macroscopica fra pubblico, opera d’arte e artisti, imponendo l’urgenza di una riscrittura dei canoni della fruizione dell’arte e della cultura, che ha colpito soprattutto i musei, le gallerie e i luoghi deputati alla conservazione e promozione dell’arte. L’iniziativa, che prende il nome (Rizoma) da un fenomeno botanico, che vede le piante svilupparsi in condizioni sfavorevoli, proliferando e dando vita a nuovi nodi in maniera autonoma dal nucleo centrale, intende mettere in evidenza la resilienza dell’arte e la sua capacità di produrre relazioni sociali, stimolare pensiero e creare senso d’identità e coesione sociale, soprattutto nelle congiunture storiche complesse. Invertendo le dinamiche sono il museo e l’arte che vanno incontro al pubblico, portando opere d’arte di artisti internazionali delle varie generazioni e stili in luoghi non deputati ma dall’alto valore testimoniale, storico-artistico e di memoria dei territori, estendendo le attività peculiari dell’istituzione museale in una dimensione territorialmente estesa e socialmente inclusiva La luce, intesa nelle sue varie declinazioni, è il tema di questa edizione 2022 e assume valenze simboliche rilevanti nei luoghi di culto di Gerace o nel Palazzo del Principe di Roccella Ionica, o nel Palazzo di Francia a Santa Caterina dello Ionio, dove la luce del sole inonda i siti e offre una visione senza ostacoli sulla costa e sul mediterraneo, “il mare nostrum” culla delle culture d’Europa e d’Africa. In Calabria, dove l’eco della Magna Grecia e della sua cultura “Ab Homero Principium” riecheggia in ogni luogo, gli artisti convergono entusiasti, interagendo con la ricca storia locale. L’evento diffuso sul territorio, che si protrarrà fino al 20 settembre 2022 si pone come obiettivo quello di incoraggiare il pubblico a un percorso di scoperta congiunta, di singolari opere d’arte contemporanea e della storia e del genius loci che caratterizza i luoghi calabresi che le ospitano, mettendo in sinergia arte, turismo culturale e promozione territoriale, guidati dalla collaborazione fra istituzioni pubbliche e private. Un’iniziativa che viene sostenuta dall’incrollabile fede, nella “Bellezza che continuerà a salvare il mondo” parafrasando Dostoevskij…anche se oggi l’autore russo risulta inviso all’intellighenzia culturale. Luoghi: Gerace (Basilica, Chiesa di San Francesco d’Assisi, Chiesa di Santa Caterina, Chiesa dell’Annunziatella, Chiesa di San Martino, Chiesa di San Michele de’ Latinis); Roccella Ionica (Castello Carafa); Santa Caterina dello Ionio (Palazzo di Francia).
 
 a cura di Alessandro Romanini e Rocco Guglielmo,
 
 chiesa di San Francesco da Assisi Gerace (RC)
2. Carte riunite
 
 Press Release Siamo lieti di annunciare la nostra nuova mostra collettiva “Carte Riunite”. Opening 16 giugno 2022, dalle 18.00 alle 20.30. Ventidue artisti che hanno collaborato negli anni passati per progetti Intragallery o Prac, hanno risposto al nostro invito di proporre un loro lavoro su carta, che rappresentasse un tema della propria ricerca. - We are glad to announce our new exhibition, a group show titled "Carte Riunite". Opening 16 June 2022, h. 6.30-8.30 PM. Twenty-two artists who have collaborated in the past years with Intragallery or Prac, have responded to our invitation to propose their work on paper, which represents a theme of his research.
 
 gallerie Riunite Napoli
3. POSTRODUCTION II
 
 20th Art Stays Contemporary Art Festival
 
 Dominikanski samostan Ptuj Ptuj, Slovenia
4. Oro & blu
 
 a cura di Vittoria Coen
 
 Nuova Galleria Morone Milano
2021
1. In a nutshell
 
 Press Release ‘’9 am'' e ''2 pm’’ Il nuovo progetto realizzato in collaborazione con lo scultore Alex Pinna. Due consolle di forma piramidale si trasformano grazie a esili figure umane un po’ timide, un po’ appartate, in ‘oggetti narrativi’. Le sottili sagome di Pinna, seppur inespressive nel volto, riescono ad interagire con la quotidianità, muovendosi in un frammento spaziotemporale circoscritto. L’incontro tra Alex Pinna e Dilmos ha inizio tre anni fa con la produzione di una serie di lampade composte da piccole figure abbracciate a delle lampadine. In questo nuovo progetto, come in tutte le opere dello scultore, si riscopre il piacere dell’eleganza delle figure – nella leggerezza dei contorni come nella essenzialità dei volumi. Pinna ci accompagna a riconoscere nella dimensione fantastica il potere di crescita del gusto e dell’emozione e afferma quello che Durand chiama “il diritto al lusso della fantasia”, al quale nessuno di noi dovrebbe essere costretto a rinunciare. 
 
 Dilmos Milano
2. It's up to you
 
 Galleria Giovanni Bonelli Pietrasanta
3. Contaminazioni
 
 Press Release Giovedì 27 maggio ore 15 – 21 Via di Monserrato 40 Roma L’artificio di fondere elementi di diversa provenienza ricomponendoli in un unicum che porti ad annullare le specificità e diversità iniziali è l’obiettivo di questa collettiva. La mostra ‘contaminazioni’ è realizzata mettendo a confronto artisti con percorsi e cifre stilistiche diversi in modo che i sensi degli spettatori possano essere contaminati nella loro percezione. Le opere esposte fungono da stimolatori sensoriali ognuna per le sue caratteristiche specifiche; la contaminazione finale sarà il risultato di quello che di singolare e univoco viene percepito dallo spettatore in grado di ricondurre in autonomia le opere esposte a quell’evento eccezionale, per l’appunto unico, che è l’arte in cui i singoli contributi si ricompongono. E così le contaminazioni ci portano: dall’immediatezza del mondo pop e giocoso di Peppe e Lucio Perone che traspongono fedelmente nella loro arte il loro quotidiano … …ai lavori archetipi, rigorosi, eterni di Antonella Zazzera che, con pazienza, tesse le sue opere e sembra tessere il tempo… … dalle sculture ‘silenziose, indistruttibili ed effimere, fragili e dubbiose’ di Alex Pinna nelle quali possiamo identificarci un po' tutti… … ai dinosauri trafitti di Matteo Peretti che simboleggiano la fine di un mito con cui quotidianamente dobbiamo confrontarci quando i precedenti modelli vengono a mancare… … dai carri armati coloratissimi di Paolo Ceribelli che suggeriscono allo spettatore di cercare una seconda possibilità andando al di là del limite … … al neon di Alessandro Valeri che con la parola ‘ancora’ ripetuta più volte sugella la bulimia di cui siamo tutti vittime e con il colore rosso, gas primario esistente in natura, evoca passioni che forse dovrebbero continuare a bruciare alimentandoci. E alla fine in questo caleidoscopio di esperienze, di messaggi, di vissuti diversi, lo spettatore può e deve lasciarsi contaminare fino a riconoscersi e a trovare la sua traccia, il ‘suo sempre nel mai’. Dal 27 maggio al 27 luglio 2021 Lunedì 15.30 – 19.30 Dal martedì al sabato 11.30 – 19.30
 
 Saraceno art gallery Roma
4. Materia e materiali
 
 Press Release MATERIA E MATERIALI 8 MAGGIO – 15 SETTEMBRE 2021 (da confermare causa COVID) RossovermiglioArte dopo aver chiuso la mostra “Altri Mondi – Giulio Turcato / Ale Guzzetti”, vuole ripartire nella stagione primaverile con una mostra collettiva di oggetti-sculture ponendo il focus su ciò che è l’origine e il mezzo delle opere d’arte stesse, la MATERIA e i MATERIALI. Ferro, cemento, legno, carta, cera, vetro, terracotta, ceramica, marmo, corde, filati, Materia e materiali “inerti” nelle mani di grandi Maestri prendono forma, vita, acquisiscono anima e personalità propria veicolando messaggi, sensazioni, emozioni. All’interno dell’esposizione saranno presenti: Nunzio con i suoi legni combusti ed il piombo, Lucio Fontana e le sue ceramiche barocche, Stefano Arienti e le sue turbine realizzate con i fumetti, Giuseppe Uncini e i suoi ferro cementi, Giuseppe Spagnulo maestro nel conferire plasticità ad un materiale difficile come il ferro. Luigi Mainolfi e le sue terracotte, Mauro Staccioli e le sue forme leggere ed eteree. Alex Pinna ed i suoi personaggi “alieni” che sembrano provenire da un’altra dimensione. Paolo Icaro e la sua poesia trasmessa plasmando gesso,vetro, sampietrini. Arcangelo Sassolino artista che dialoga continuamente con il materiale stesso, portandolo allo stremo, in un concentrato di forze contrapposte ed energia. Alberto Garutti che con la sue opere riesce sempre a farci riflettere sul ruolo del rapporto tra l’artista e la committenza. La giovane Anne Cecile Surga ed i suoi contrasti, la solidità del marmo e la violenza del gesto contrapposti alla leggerezza delle sue sculture, mani che affondano nella materia come se fosse burro. In occasione della mostra verranno presentati il catalogo “MATERIA E MATERIALI - Viaggio 16” che raccoglierà le opere esposte. L’introduzione del catalogo e la presentazione della mostra saranno affidate al critico Nicola Galvan. MOSTRA: “Materia e Materiali” APERTURA: Sabato 8 maggio (da confermare causa COVID) PRESENTAZIONE MOSTRA E CATALOGO: Sabato 8 maggio 2021 dalle 16.00 PERIODO ESPOSITIVO: 8 maggio 2021 – 15 settembre 2021 “RossovermiglioArte” ORARI: Martedi a Venerdì 10.00 – 12.30 16.00 – 19.00 Altri giorni o orari su appuntamento. SEDI: RossovermiglioArte Via Palestro 4/e Padova 
 
 a cura di Nicola Galvan
 
 galleria Rossovermiglio Arte Padova
5. Indizi contemporanei
 
 Press Release Kromya Art Gallery (Verona). L’esposizione ruota attorno ad una selezione di artisti nati negli anni Sessanta e Settanta, conosciuti ed apprezzati nel panorama italiano, ai quali si aggiungono le ricerche di due artisti della luce: Fabrizio Corneli e Paolo Scirpa. In esposizione, le sculture in bronzo patinato di Alex Pinna, gli orditi di Emanuela Fiorelli che sondano e scandiscono gli spazi, le strutture essenziali e pulsanti di Paola Pezzi, le estroflessioni di Paolo Radi, i colori del mondo di Marco Casentini ed il prototipo di un progetto di Federico Ferrarini (realizzato in collaborazione con la scultrice italo americana Cristina Carusi) che segna l’inizio di un nuovo percorso attraverso la sperimentazione e la lavorazione del marmo. Luci ed ombre sono, infine, protagoniste nelle installazioni di Fabrizio Corneli, che nascono da uno studio approfondito dell’ottica e della geometria, e nelle vibrazioni luminose di Paolo Scirpa, che ha fatto della luce la materia prima della sua ricerca. Per informazioni e appuntamenti: 045 9788842, info@kromyartgallery.com
 
 Kromya art gallery Verona
2020
1. 10 più uno
  
  testo in catalogo di Luciano Caprile
  
  Galleria Guidi Genova
2. Non c’è più orizzonte
  
  a cura di Luigi Meneghelli
  
  Galleria La Giarina Verona
2019
1. LOOK AT THIS. LO SGUARDO DEGLI ARTISTI
 
 Press Release La galleria Giovanni Bonelli è lieta di presentare nei propri spazi la mostra Look at This dedicata alla capacità degli artisti di produrre significato e di trasformare elementi umili in opere sublimi capaci di generare interesse, far nascere domande, voglie, sogni. L’opera di Giulio Turcato del 1969 appartenente alla serie “Superfici lunari” si presta perfettamente a questa lettura: l’artista ha utilizzato la gommapiuma (allora considerata un materiale “nuovo” e già oggetto di sperimentazioni da parte di altri) come base per la sua pittura ed è intervenuto bucandola funzionalmente per rendere l’irregolarità dei crateri lunari. La fotografia del brasiliano Vik Muniz partecipa -seppur in un livello differente- di questo stesso tipo di scarto tra immagine percepita e materiale che la costituisce: da lontano l’immagine ritrae una stilizzazione del celebre Saturno che divora uno dei suoi figli di Francisco Goya (Museo del Prado, Madrid). Avvicinandosi diventa evidente che gli elementi che compongono l’immagine sono in realtà un insieme eterogeneo di oggetti abbandonati e che la fotografia ritrae una discarica/robivecchi vista dall’alto. Stesso discorso si applica -specularmente rovesciato- all’opera dell’artista belga Wim Delvoye: una imponente scultura realizzata in legno intarsiato riproduce in scala 1:1 una betoniera. La bellezza e preziosità della lavorazione artigianale prende il sopravvento e muta completamente la percezione normalmente associata a questa tipologia di oggetto. In questa stessa direzione possono esser lette le raffinate ceramiche del duo Bertozzi&Casoni che riproducono oggetti quotidiani come cestini di immondizie o pile di piatti sparecchiati dopo un ipotetico pranzo luculliano. Fonte di curiosità e meraviglia sono anche i misteriosi dipinti di Pizzi Cannella popolati di metonimiche figure su fondo monocromatico -in mostra uno dei celebri “vestiti”- che riverberano sensazioni, passioni, sogni. Tutte le opere in mostra partecipano, con esiti differenti, della capacità visionaria che contraddistingue lo sguardo dell’artista e che consente allo spettatore di uscire dalla quotidianità ed immergersi in un’altra dimensione, seppur per un breve momento. Opere di: Adami, Bertozzi&Casoni, Cingolani, Damioli, Delvoye, Muniz, Novelli, Nunzio, Ontani, Pace, Pinna, Pizzi Cannella, Salvo, Schifano, Spoerri, Turcato.
 
 Galleria Giovanni Bonelli MILANO
2. Arte e città
 
 Catanzaro
3. Opere Grandi Formati
 
 Press Release Opere Grandi Formati da collezione privata Inaugurazione: sabato 8 giugno 2019, ore 18.00 8 giugno | 9 novembre 2019 Galleria Giovanni Bonelli, sede di Canneto sull’Oglio (MN), Via Cavour 29 Dopo un attento lavoro ridefinizione degli spazi interni, sabato 8 giugno 2019, la sede storica della Galleria Giovanni Bonelli di Canneto sull’Oglio (MN) riapre al pubblico dell’arte contemporanea con una proposta di mostre scandita da due esposizioni all’anno. Il programma è aperto dalla collettiva Opere Grandi Formati che, fino al 9 novembre, presenta i lavori di artisti quali Vik Muniz, Wim Delvoye, Marco Cingolani, Flavio Favelli, Hiroyuki Masuyama, Luigi Ontani, Gianni Pettena, Kim Dorland, e altri, che si sono confrontati con la grande dimensione. I 1500mq della galleria di Canneto sull’Oglio - che occupa la sede della ex-fabbrica di bambole Furga famosa a livello internazionale fino alla seconda metà degli anni ’90 – accoglieranno infatti creazioni caratterizzate da formati importanti. Il percorso espositivo presenta, tra le altre opere, un tappeto di tre metri per quattro di Flavio Favelli, un lightbox di dieci metri di Hiroyuki Masuyama, un dipinto di quasi sei metri di Kim Dorland, una grande fotografia del brasiliano Vik Muniz. Questa nuova iniziativa della Galleria Giovanni Bonelli ha il preciso intento di connotare in maniera sempre più precisa le programmazioni dei diversi spazi (Milano, Pietrasanta, Canneto) e rivalutare al meglio il potenziale della sede storica per progetti site specific di particolare interesse culturale. In mostra opere di: Aricò, Alighiero Boetti, Marco Cingolani, Berlinde de Bruicker, Wim Delvoye, Oliver Dorfer, Kim Dorland, Flavio Favelli, Diango Hernandez, Sven Kroner, Francesco Lauretta, Hiroyuki Masuyama, Marcello Morandini, Vik Muniz, Luigi Ontani, Marco Pace, Gianni Pettena, Alex Pinna.
 
 Galleria Giovanni Bonelli Canneto sull’Oglio (MN)
4. Quadrilegio
 
 spazio Manfredi Parma
5. Figure e immagini
 
 Press Release Sabato 18 maggio (ore 17) verrà inaugurata alla Rocca di Umbertide la mostra FIGURE E IMMAGINI, curata dal critico Giorgio Bonomi e organizzata da FerrarinArte, con artisti cosiddetti “figurativi” cioè le cui immagini sono facilmente riconoscibili, a differenza dell’arte astratta che si basa su costruzioni geometriche e su colori puri senza un immediato riferimento alla realtà. Così, negli affascinanti spazi della Rocca medioevale, saranno esposti artisti tra i principali nel nostro panorama artistico, di diverse generazioni e poetiche: Franco Beraldo, Alexandra Bolgova, Sergio Cavallerin, Mark Kostabi, Gian Marco Montesano, Ugo Nespolo, Alex Pinna, Tino Stefanoni, Marcello Scuffi. Ogni artista, con il proprio stile, rappresenta aspetti della realtà e della fantasia, dalle nature morte ai paesaggi, dalle immagini fantascientifiche alle creazioni fantasiose; si ha un panorama, certamente non esaustivo ma sicuramente significativo, delle varie possibilità espressive delle emozioni umane come l’ironia, la nostalgia, il ricordo, la serenità e così via. La Rocca di Umbertide ancora una volta dimostra la sua capacità di offrire al pubblico un’esposizione di alto livello, proseguendo la sua più che trentennale attività nel campo dell’arte contemporanea italiana e internazionale. 
 
 a cura di Giorgio Bonomi
 
 Rocca di Umbertide Umbertide PG
6. 38th
 
 Press Release 38TH Collettiva dal 6 al 14 aprile 2019 dalle 10 alle 20. Dilmos Milano Piazza San Marco 1 20121 Milano Italia Dilmos, storica galleria di design, protagonista e arteﬁce del fuori salone, è il luogo dove si creano le tendenze. Dall’inizio della sua attività si è subito distinta per la predilezione dell’oggetto narrante che non è mai solo puramente funzionale, ma forma che esprime un pensiero, un’idea. Dilmos ha sempre condiviso queste scelte con autori quali Maurizio Cattelan, Ettore Sottsass, Alessandro Mendini, Andrea Branzi, Paolo Deganello, Ugo Marano, Bertozzi e Dal Monte Casoni, Ron Arad, Nendo, Formafantasma, Francesca Fabbri, Studio Jobs, Danny Lane, Pieke Bergmans, Kiki Van Eijk, Ron Gilad, Andrea Salvetti, Alessandro Ciffo, Gianni Osgnach, Karen Chekerdjian, che attraverso il loro lavoro esprimono la ricerca di un signiﬁcato più profondo che travalica la pura funzione per arricchire lo spazio abitato. Titolo della mostra del Fuori Salone 2019 è 38th , numero che celebra gli anni di partecipazione alla Milano Design Week. La mostra, coinvolgendo artisti e designer di varia provenienza, accomuna i molteplici linguaggi degli autori, poiché molteplici sono le gestualità ed i pensieri di ciascuno. È in questa logica che Dilmos lavora proprio sull’intenzione di rendere tra loro comunicabili linguaggi e poetiche. UMBERTO DATTOLA Città Invisibili, contenitore in legno Parte esterna rivestita in foglia oro, ferro ossidato o ottone acidato. Il mobile è sorretto da un ramo di legno di frassino raccolto nei boschi che circondano l’atelier. Dimensioni: le misure variano in larghezza da cm 50 ﬁno a 205 ad altezza da cm 190 ﬁno a 225 Le Città Invisibili, o città interiori. Collegando con un ﬁlo invisibile i luoghi urbani alle proprie emozioni, si disvelano le “città” ideali che ognuno custodisce nel proprio animo. Così le casette delle “Città Invisibili” di Umberto Dattola diventano un luogo d’elezione per chi vorrà farne la propria dimora interiore, porta dopo porta, casa dopo casa. Una narrazione che si dipana dal rapporto più intimo con la propria anima. NADA DEBS Tavolo tondo MarquetryMania Legno laccato opaco colore rosa con strisce di intarsi in legno riﬁnite con laccatura opaca Dimensioni: cm Ø120 x H75 Tavolo ovale MarquetryMania Legno laccato opaco colore nero con strisce di intarsi in legno riﬁnite con laccatura opaca Dimensioni: cm L280 x P110 x H75 Due tavoli caratterizzati da morbide forme in legno laccato opaco a colori vivaci, avvolti da strisce ad intarsio in legno. Un’antica tradizione libanese diviene così linguaggio attuale e da’ forma a manufatti pregiati. Ciò che caratterizza il lavoro di Nada Debs è la propria capacità di distillare cultura e artigianato per creare pezzi di risonanza emotiva. KATA MATOGA Tavolo Border Piano in legno toulipier laccato nero opaco, parte intagliata laccata giallo trafﬁco Dimensioni: cm L202 x P90 x H74 Visual awareness, è la consapevolezza visiva dei segni urbani che appartengono al nostro quotidiano, presenze percepite ma non notate. Kata Matoga si appropria di questi segni e li riconduce ad elementi decorativi, applicandoli ad oggetti familiari. Così la linea gialla di orientamento LOGES, che tutti i giorni vediamo nelle stazioni dei treni, diventa un motivo di decorazione, intagliato su una banda di legno, che continua e si trasforma in elemento strutturale e di sostegno del tavolo stesso, andando a formare una delle gambe. Un’intuizione semplice e immediata, che rafforza il legame tra il contesto urbano e la nostra quotidianità. JULIAN MAYOR Poltrona Organic Loop Acciaio inossidabile lucidato a specchio Edizione 5 esemplari Organic loop chair è il risultato di un processo creativo sul tema della percezione. L’occhio umano è in grado di tradurre informazioni visive, anche parziali, in oggetti tridimensionali, un’elaborazione simile ai disegni in wire-frame per sviluppare oggetti tridimensionali. Guardando frontalmente la Organic loop chair le superﬁci appaiono curve mentre, in realtà, sono segmenti dritti e piatti. La poltrona è stata sviluppata al computer con modelli in scala mentre la realizzazione è stata fatta a mano, contribuendo ulteriormente ad una dialettica tra tecnologia e lavoro manuale. ANNIBALE OSTE Collezione Annist Divano Fluente Fusione a terra di alluminio patinato e seduta rivestita in tessuto Dimensioni: cm L140 x P60 x H94 Poltrona Fluente Fusione a terra di alluminio patinato e seduta rivestita in tessuto Dimensioni: cm L62 x P52 x H9 Specchio CerchioPerfetto19 Fusione a terra di alluminio patinato e specchio Dimensioni: cm L163 x H189 LungaLineaBlu19 Oggetto con duplice fruizione: godimento visivo e funzionale (appendiabiti) Fusione a terra di alluminio patinato blu Dimensioni: cm L210 x P5 x H394 La collezione Annist è dedicata ad Annibale Oste, scultore designer napoletano di grande fama, precursore dell’arte-design. La ricerca materica è parte fondante di questo progetto, che scava nella propria anima per creare oggetti dall’uso quotidiano e dalla vita eterna. I pezzi della collezione sono realizzati in fusione a terra di alluminio patinato, che riproduce con precisione l’attimo interrotto, la sospensione spazio-temporale che si crea quando si compie un gesto, anche un gesto semplice come una pennellata. Il ricordo di Annibale Oste vive dunque nella materia viva, nella sua capacità di ricreare la quotidianità elevata a gesto primordiale. DANIELE PAPULI Dendrici concavità lamellari composte da strisce di cartoncino selezionate per colore e grammatura e carta a mano Colori: nero, giallo solare, bianco. Dimensioni: cm L36 x P42 x H12 Dendrici è un nuovo episodio di CARTODENDROMETRIA, un progetto del 2010 sulla materia cartacea e i suoi molteplici usi. Le strisce di cartoncino sono afﬁancate per formare anelli, che vengono poi tagliati manualmente per comporre forme uniche che danno vita a un Dendrico, una creazione in carta dai proﬁli rugosi e colorati, dove le sezioni di accrescimento sono messe in evidenza per sottolinearne l’evoluzione, come nella sezione arborea. I Dendrici sono fatti a mano, ognuno con una forma unica e compiuta, ognuno differente dall’altro, come ogni albero è diverso dall’altro. ALEX PINNA Lucignolo Fusione a cera di alluminio, lampada led 60W E27 Dimensioni: cm 8 x 7 x H22 circa Turchina Fusione a cera di alluminio, tessuto e lampada led 60W E27 Dimensioni: cm 16 x 7 x 37H circa Due Fusione a cera di alluminio e lampade led 60W E27 Dimensioni: cm 38 x 10 x H30 circa La prima idea di queste lampade, nel 2000, è stata di rendere visibili gli abitanti di quel piccolo mondo luminoso che circonda ogni lampadina. Ho immaginato che Lucignolo dopo esser scomparso dalla favola si sia rifugiato qui e vi abbia incontrato Turchina, va da sé che col tempo sarà destino che tra loro nasca qualcosa più di un’ amicizia e forse per questo ragazzino ribelle e introspettivo la leggerezza e la spensieratezza di lei sarà una bella magia. Il portalampada e il ﬁlo sono volutamente scarni come spesso li ho visti in qualche stanza nelle case dei miei coetanei: anni fa ci chiamavano la generazione Peter Pan, speriamo di non essere cresciuti troppo nel frattempo e di aver mantenuto la voglia di immaginare cose in fondo anche non troppo spiegabili. Dilmos ospiterà la collezione di gioielli Oggetti Smarriti di Alex Pinna realizzata per la Galleria BABS Art Gallery. MAHMOUD SALEH MOHAMMADI Golden Line Opera realizzata con tappeto persiano e antico tavolo italiano con intervento in foglia oro Dimensioni: cm L109 x P7 x H400 “Dobbiamo riscoprire le parole dei maestri dell’arte nel saper ricomporre la bellezza con un concetto umano. L’oro nelle mie opere rappresenta il sacro, il materiale mistificato dell’umanità, è la vera vita di cui stiamo perdendo il significato, il significato dei sensi”. 
 
 Dilmos Milano
2018
1. Carte d'Identità
 
 Press Release Carte d'Identità è il titolo della mostra che Guidi&Schoen inaugurerà negli spazi di Piazza dei Garibaldi 18r, a Genova, Venerdì 30 Novembre 2018. Quattordici artisti, alcuni storicamente rappresentati dalla Galleria, altri alla loro prima apparizione genovese, ai quali è stato chiesto di presentare lavori di piccole dimensioni realizzati utilizzando la carta. Per ciascuno di noi, artisti e no, le prime esperienze creative sono legate a un foglio di carta. Non esiste individuo che non abbia pasticciato con matite e pastelli, a volte ancora prima di imparare a comporre delle frasi compiute. Il motivo è semplice e molto banale: in ogni casa si può trovare un foglio bianco con cui sperimentare e giocare. Se il risultato non ci soddisfa basta gettarlo e ricominciare. Crescendo quelli che hanno sentito l'esigenza di continuare a comunicare visivamente sono diventati artisti, i progetti sono cresciuti con loro attraverso l'utilizzo di materiali e tecniche più complessi e costosi. La carta rimane il supporto su cui provare le prime idee, quelle che diventeranno opere compiute e quelle che invece rimarranno chiuse in un cassetto. Carte d'Identità nasce dalla volontà di aprire quel cassetto cercando di far uscire la parte più nascosta e intima di ciascuno degli artisti. Non le opere più ambiziose e forse neanche le più importanti, ma quelle che raccontano in maniera più diretta e sincera la personalità e l'identità di ogni autore. Il risultato è una mostra eterogenea e sorprendente che avvicina lavori realizzati con tecniche inconsuete ad altri più tradizionali, ma non per questo meno interessanti. 2501 è nato a Milano nel 1981. Ha realizzato murales e installazioni in tutto il Mondo. Karin Andersen digital artist, videomaker e pittrice è nata in Germania nel 1966. Vive e lavora a Bologna. Andrea Chiesi è nato a Modena, dove vive e lavora, nel 1966. Dipinge paesaggi urbani e spazi industriali abbandonati, utilizzando l'olio con estrema lentezza e precisione. Vania Comoretti è nata nel 1976 a Udine, dove vive e lavora. I suoi disegni a china e acquerello indagano la superfcie del corpo umano come fosse una mappa emotiva dell'inconscio. Giacomo Costa è nato nel 1970 a Firenze dove vive e lavora. Crea paesaggi digitali che si interrogano sul rapporto tra l'uomo e l'ambiente. Fausto Gilberti è pittore, disegnatore e illustratore. Vive e lavora a Brescia dove è nato nel 1970. Davide La Rocca è nato a Catania, dove vive e lavora, nel 1970. La sua ricerca pittorica è infuenzata dalla flologia della visione. Alice Padovani è nata nel 1979 a Modena, dove vive e lavora. Realizza installazioni vegetali, assemblaggi entomologici e performance con insetti vivi. Alessandro Papetti è nato nel 1958 a Milano dove vive e lavora. Attraverso il gesto pittorico crea dinamici e imponenti paesaggi urbani. Alex Pinna è nato a Loano nel 1967. Vive e lavora a Milano. La corda, il bronzo, il marmo, la resina, il piombo sono alcuni dei materiali che utilizza per le sue opere. Nicola Toffolini artista, performer e designer è nato a Udine nel 1975. Vive e lavora tra Firenze e Udine. Alberto Zamboni è nato a Bologna, dove vive e lavora, nel 1971. Utilizza la pittura come strumento per una ricerca atmosferica. Corrado Zeni è nato nel 1967 a Genova, dove vive e lavora. Uomini e donne persi in ambienti indefniti sono al centro della sua ricerca pittorica.
 
 Guidi&Schoen Arte Contemporanea Genova
2. Ceramica contemporanea
 
 a cura di Federica Sala, Andrea Barillaro e Alessandro Mescoli
 
 Castello di Levizzano Rangone Levizzano Rangone, Castelvetro di Modena
3. Miscellanea
 
 P | ART Gallery Ibiza
4. Ceilings
 
 Press Release CEILINGS. Musei in rete a cura di Simona Caramia ALEX PINNA: ALIAS NESSUNO MARCA, Museo delle Arti di Catanzaro 4 aprile, ore 18.00 Procede il ricco programma di valorizzazione della rete museale promosso da Ceilings, a cura di Simona Caramia, con la presentazione ufficiale di Alias Nessuno, intervento permanente di Alex Pinna, già visibile presso il Museo MARCA. Levità e sottigliezza caratterizzano tutta la ricerca dell'artista, i cui personaggi ed in particolare quelli realizzati in corda, parlano di una umanità in bilico, alla ricerca di un punto di equilibrio. Sono figure esili, fragili, ma anche eleganti nel loro equilibrio precario, che attraverso le spalle curve - per lo sforzo - o le lunghe gambe salde raccontano i drammi dell'esistenza. Seppur sintetizzati nelle loro forme minimali, gli uomini di Pinna comunicano con lo spettatore direttamente, per prossimità e immediatezza visiva; raccontano le ansie ed il peso delle problematiche quotidiane. Alias Nessuno si staglia come una linea retta contro il soffitto della prima sala del Museo MARCA, ribaltando il senso dello spazio: la testa leggermente inclinata in avanti, le braccia e le gambe in trazione, il corpo longilineo teso, ma morbido, modificano la percezione e la fruizione del luogo. L'opera diventa infatti il perno di tutto lo spazio, in dialogo con le sculture ottocentesche di Francesco Jerace, che la guardano e contemplano, in un gioco di sguardi e di rimandi tra di loro ed il pubblico. Alla fine, tutto convoglia verso l'alto, verso Alias Nessuno, che immobile, imperituro, teso in direzione dell'altezza massima - the ceiling, per l'appunto -, oltrepassa ogni limite fisico e visivo, riuscendo a far vibrare le corde emotive del pubblico e l'ambiente circostante. Ceilings è promosso dall'Accademia di Belle Arti di Catanzaro, finanziato dalla Regione Calabria e vanta un accordo di valorizzazione con il Polo Museale della Calabria - con il Museo Archeologico Nazionale della Sibaritide di Sibari, il Museo Archeologico Nazionale di Vibo Valentia, il Museo Archeologico Nazionale di Monasterace - ed il patrocinio di Provincia di Catanzaro, Comune di Catanzaro – Assessorato alla Cultura di Catanzaro, Fondazione Rocco Guglielmo di Catanzaro, Museo MARCA di Catanzaro, Di.Co. - Servizi Museali MARCA di Catanzaro, Comune di Cropani, Comune di Tiriolo, Comune di Cosenza, Museo dei Brettii e degli Enotri di Cosenza, Cooperativa ViviKaulon di Monasterace. E difatti il ricco numero di partner testimonia la volontà di far convergere in un'unica rete, progressivamente, i musei calabresi. Nel mese di marzo sono già state avviate molteplici attività nei sette musei partner (Museo MARCA di Catanzaro, Museo dei Brettii e degli Enotri di Cosenza, Museo Nazionale Archeologico della Sibaritide di Sibari, Museo Nazionale Archeologico di Vibo Valentia, Museo Archeologico dell'Antica Kaulon Monasterace, Antiquarium di Cropani, Antiquarium di Tiriolo). Un simile potenziamento della rete museale è auspicabile per gestire e rilanciare l’offerta culturale; per collocare la Calabria tra gli itinerari turistici nazionali ed internazionali, per rendere produttivo un importante settore della cultura locale, attraverso un piano economico che valorizzi i numerosi musei in un valido e ragionato piano che preveda interventi a beneficio del territorio, in campo economico e socio-culturale.
 
 a cura di Simona Caramia
 
 museo MARCA Catanzaro
2017
1. a new space is born
 
 nm＞contemporary Monaco
2. Magna carta
 
 Press Release MAGNA CARTA MAGNA CARTA, una mostra interamente dedicata alle opere realizzate su supporto cartaceo aprirà la stagione espositiva 2017/18 della Galleria PUNTO SULL'ARTE a Varese – Casbeno. VERNISSAGE SABATO 9 SETTEMBRE h 18-21. 11 Artisti della galleria, pittori e scultori, italiani e stranieri, presentano per l'occasione opere realizzate su carta, un materiale tanto delicato e semplice quanto affascinante per la sua straordinaria versatilità. Diverse le tecniche e gli approcci dei singoli artisti. Dai dipinti realizzati con colori ad acrilico e olio, a quelli con gli smalti; dalle biro colorate agli acquerelli, fino alle varie tecniche di incisione e alla creazione di sculture in cartapesta. I soggetti sono quelli caratteristici degli artisti protagonisti della mostra: paesaggi di campagna perduti che ci raccontano la bellezza del mondo e la sua distruzione per mano dell'essere umano; animali stilizzati immortalati nelle più assurde situazioni e messi in relazione con oggetti quotidiani su fondali monocromatici; metropoli moderne costruite su un mirabile gioco di equilibri formali; immagini di paesaggi urbani attraversati da surreali figure di struzzi colorati; raffigurazioni di paesaggi boschivi autunnali e invernali dominati dal silenzio, raffinati e malinconici.
 
 galleria Punto sull'arte Varese
3. Biennale le latitudini dell’arte
 
 a cura di Virginia Monteverde
 
 museo Vigado Concert Hall Budapest
4. WelcHome
 
 Press Release In occasione dei 15 anni di attività nella città di Genova, Guidi&Schoen si trasferisce in una nuova e più ampia sede nella centralissima Piazza dei Garibaldi (a pochi passi da vico Casana e da via XXV Aprile): 200 mq di spazio espositivo sviluppato su diversi livelli, in cui sarà possibile proporre più eventi contemporaneamente. La nuova galleria verrà inaugurata sabato 13 maggio 2017 alle ore 17.30 con la mostra WelcHome - Una collettiva sull’arte italiana per la nostra nuova casa, che riunisce artisti storicizzati e nomi più contemporanei, con opere dagli anni ’60 ad oggi, passando attraverso l’Arte Povera, la Transavanguardia e la Nuova Scuola Romana. La collettiva, a cura di Luca Beatrice e Chico Schoen, presenta opere di Carla Accardi, Domenico Bianchi, Alighiero Boetti, Enzo Cacciola, Pier Paolo Calzolari, Bruno Ceccobelli, Mario Ceroli, Gianni Dessì, Marco Gastini, Luigi Ontani, Mimmo Paladino, Michelangelo Pistoletto, Piero Pizzi Cannella, Salvo, Marco Tirelli, Giuseppe Uncini e Gilberto Zorio. Tra i nomi in mostra anche Olivo Barbieri, Matteo Basilé, Andrea Chiesi, Giacomo Costa, Alessandro Lupi, Alex Pinna e Massimo Vitali, dei quali Guidi&Schoen accompagna il percorso artistico da anni. Con una personale di Costa, in particolare, si aprirà in autunno la nuova stagione espositiva. WelcHome si propone come un nuovo punto di partenza della programmazione della galleria che, con un occhio sempre attento al panorama italiano, muovendo dalle ultime generazioni di artisti intende allargarsi ora anche a nomi già consolidati nel mercato internazionale.
 
 a cura di Luca Beatrice
 
 Guidi&Schoen Arte Contemporanea Genova
5. l'immagine del Sacro
 
 Press Release 8 aprile 2017 – 14 maggio 2017 L’IMMAGINE DEL SACRO Davide Bonaldo, Giovanni Bonaldi, Giovanni Bonardi, Adriano Campisi, Mario Fallini, Mirco Marchelli, Antonio Pesce, Alex Pinna, Anna Santinello, Giovanni Tamburelli. a cura di Carlo Pesce Inaugurazione 8 aprile 2017, ore 17 presso la Sacrestia Monumentale della Cattedrale di Sant’Evasio Molti artisti contemporanei, forse condizionati inconsciamente, hanno prodotto opere dal chiaro carattere sacro. Alcuni lavori lo sono in modo palese, altri invece sfruttano l’analogia, il carattere evocativo che un determinato segno lascia nella memoria di ciascuno di noi. Il lato religioso dell’arte contemporanea è stato trattato in maniera approfondita. Degni di menzione sarebbero moltissimi artisti che, considerando “contemporaneo” tutto il Novecento, hanno prodotto opere che palesano un suggestivo senso religioso. Come tutte le epoche, e come tutti i singoli orientamenti che cercano di assicurarsi modelli, esempi paragonabili e elementi di connessione con la storia, di trarre impulsi e di riconiarli e in generale, la contemporeità estrapola dalle epoche passate taluni aspetti, ricavando modelli carichi di significati. Anche per questo, l’arte religiosa contemporanea ottiene sicuramente un giusto riconoscimento estetico da parte del pubblico colto e anche da una vasta parte del clero. È ovvio che per chi è abituato a identificare i contenuti della religione con la semplificane iconografica creata ad hoc per il compiacimento delle masse prive di cultura, le prove artistiche più complesse basate sull’analogia evocativa, sul recupero di materiali “poveri”, sull’esasperazione espressiva e materica, susciatano sempre delle perplessità. Su questo punto si dividono sovente le opinioni, in quanto, persino gli entusiasti a volte non riescono a celare la propria incomprensione. Info: da martedì a venerdì ore 9:00 – 13:00 al 0142452219; cell. Museo 3314396643 www.diocesicasale.it Facebook : Ufficio Beni Culturali Diocesi di Casale Monferrato www.cittaecattedrali.it La mostra è aperta: venerdì 15:00 – 18:00 sabato 9:00 – 12:00; 15:00 – 18:00 domenica 15:00 – 18:00 
 
 a cura di Carlo Pesce
 
 Cattedrale di Sant’Evasio – Percorso Archeologico dei sottotetti Casale Monferrato (AL)
6. Estate Italiana
 
 Press Release ESTATE ITALIANA mostra collettiva di Marco Casentini, Max Coppeta, Nicola Evangelisti, Carlo Marcucci, Antonella Masetti, Alex Pinna e Carla Viparelli a cura di Cynthia Penna MOAH – Museum of Art and History di Lancaster openning Sabato 26 agosto 2017, ore 16.00 dal 26 agosto al 22 ottobre 2016 Inaugura Sabato 26 agosto “Estate Italiana”, la collettiva che omaggia un'Italia senza tempo riunendo, con gli astrattismi geometrici di Marco Casentini, le opere di Max Coppeta, Nicola Evangelisti, Carlo Marcucci, Antonella Masetti, Alex Pinna e Carla Viparelli. La mostra, ospitata negli ampi spazi del Museo MOAH – Museum of Art and History di Lancaster fino al 22 ottobre 2017, si inserisce in un progetto di intensa collaborazione fra l'Istituzione Internazionale Art1307 e il museo stesso, grazie al lavoro di Andy Campognone, direttrice del MOAH, e di Cynthia Penna, direttrice scientifica di Art1307 e curatrice della mostra. Cynthia Penna, curatrice della mostra a proposito delle suggestioni che hanno ispirato la mostra, racconta: “Estate Italiana: sembra il titolo di un film e la memoria corre ineluttabilmente a “Vacanze Romane” dove in una primavera dei mitici anni’50 Gregory Peck e Audrey Hepburn scorazzavano per una Roma calda, accogliente e sognante a bordo della altrettanto mitica Vespa. La mente ritorna al concetto di “godersi la vita” che tutto il mondo ci invidia, magistralemente rappresentato, ad esempio, dal bagno nella Fontana di Trevi di una stupenda Anita Ekberg sotto lo sguardo incredulo e rapito di Mastroianni nella “Dolce Vita” di Fellini. Uno stile di vita che, sebbene i tempi siano cambiati, continua ad affascinare l’America e non solo. È il mito dell’Italia che insieme ai Michelangelo, ai Leonardo, alle rovine di Pompei, ai Raffaello continua a vivere nell’immaginario collettivo mondiale. Un’epoca lontana ma che ha lasciato un segno indelebile nelle nostre abitudini, così come l'arte classica continua a vivere nell’arte italiana contemporanea.” Il Museo di Arte e Storia della città di Lancaster ha voluto rendere omaggio alla grande tradizione artistica Italiana invitando 7 artisti contemporanei a rappresentarla e a parlarci del nuovo, del contemporaneo, e dell’attuale ricerca nel campo delle arti visive. “Esiste una sorta di binario parallelo tra la vocazione quasi naturale e ineludibile per le arti, determinata da un DNA forgiato nei secoli e strutturato all’interno della “bellezza” (perché di vera bellezza si tratta) e nel contempo, un pesante fardello con cui confrontarsi costantemente che a volte irrigidisce, se non ingessa, la libertà di ricerca in sé, continua Cynthia Penna. Chi non conosce nel mondo le magnificenze dei grandi artisti italiani rinascimentali? Ma poi se il discorso cade su tempi più recenti o sul contemporaneo, le conoscenze e le cognizioni dei più iniziano decisamente a vacillare e viene a tal punto da chiedersi: e l’oggi? Il contemporaneo? Come si presenta attualmente l’arte italiana? L’Italia di oggi è molto più nota per il Design, la Moda e le automobili: ma quanto si conosce veramente dell’Arte Italiana contemporanea? E anzi come si presenta quest’arte nel panorama dell’arte mondiale? Occorre premettere che negli anni ’50 del secolo scorso, l’Italia ha subito l’influsso della rivoluzione stilistica che ha denotato e marcato tutta la produzione di arte a livello mondiale; gli artisti italiani si sono misurati con la sperimentazione di nuovi materiali introducendo e facendo assurgere al rango di arte, materiali di uso domestico/quotidiano e dando origine al grande movimento dell’Arte Povera. Grazie a queste sperimentazioni, all’epoca avveniristiche, abbiamo avuto in Italia la nascita e lo sviluppo di un movimento che, insieme a quello dell’Arte Informale, ha proiettato l’Italia nel panorama mondiale dell’arte del ‘900. Le attuali ricerche in campo stilistico si orientano su strade diversissime tra loro: alcuni artisti lavorano sulla “memoria”, riscontrabile o rapportabile talvolta al segno grafico arcaico e primitivo: questo consente agli artisti di recuperare un rapporto più diretto ed immediato con un passato lontanissimo andando alle radici arcaiche della forma, scevra dalle superfetazioni dei secoli successivi. Altri artisti si confrontano, coraggiosamente direi, con l’arte figurativa cercando di trovare una strada personale che non cada nella brutta e banale copia della tradizione pittorica figurativa nazionale. La presente esposizione è volta, anche se non esaustivamente, a fare il punto sulla produzione di arte in Italia negli ultimi decenni, vale a dire tra la fine del 20° e gli albori del 21° secolo. La scelta degli artisti, pertanto, è stata determinata piuttosto dalla diversità stilistica e dalla diversità di materiali adoperati, proprio al fine di fornire un ventaglio visuale alquanto poliedrico in termini di ricerca. È una piccola porzione di un tutto fatta di stili, tecniche, invenzioni, materiali, tutti diversissimi tra loro che però servono ad accostare il pubblico a un nuovo immaginario nazionale rappresentato da cultura, capacità di sentire, espressività e tanto altro”. Gli artisti: MARCO CASENTINI - Nato a La Spezia nel 1961. Vive e lavora tra Milano e Hermosa Beach, California. Ha vinto nel 2010 il Premio PEA di Lerici e nel 2005 il premio Pollock-Krasner Foundation Grant, a New York. Ha esposto in tutto il mondo in mostre personali e collettive, in gallerie, musei e fondazioni. Nei suoi lavori pittorici le suggestioni tratte da diverse percezioni del paesaggio urbano si trasformano in un’espressione artistica in bilico tra la tradizione post-modernista e l’astrattismo di Mondrian, ma completamente nuova. La sua è una realtà è ridotta all’essenziale, ma arricchita di valori umani, emozioni, percezioni di attimi, scorci lirici che riemergono dall’assemblaggio delle forme geometriche e dai colori brillanti. ALEX PINNA - Nato ad Imperia, è uno scultore. La plasticità delle opere scultore di Pinna è data dall’essenzialità di poche forme lineari e minimali. Pinna assume tutta l’essenzialità della scarnificazione della figura giacomettiana espungendone però il senso di tragicità presente in Giacometti e la sostituisce piuttosto con un senso di “complessità” interiore di accento manifestamente psicoanalitico. Pinna affronta il tema della condizione umana nella sua globalità di azione, riflessione, meditazione e solitudine. Il tracciato di una “condizione” esistenziale; la finalità di Pinna non è il corpo, ma la condizione esistenziale dell’uomo. MAX COPPETA - Nato a Sarno nel 1980, ha esposto a Houston, Los Angeles, Singapore, Tokyo, Napoli, Milano, Torino, Venezia. Nella ricerca artistica di Max Coppeta sono riconoscibili alcuni aspetti fondamentali: le molteplici possibilità di visione che l’opera offre allo spettatore; la necessaria e ineludibile partecipazione dello spettatore alla fruizione dell’opera quasi di stampo cinetico; la compresenza e l’attrazione dello stesso spettatore all’interno dell’opera; la distorsione della percezione visiva e infine la trasformazione di un elemento naturale come la pioggia in altrettante gocce di materiale sintetico che ricordano le molteplici interferenze e trasformazioni che l’uomo ha operato sulla Natura. Lavora prevalentemente con vetro, materiali plastici quali PVC e resine sintetiche. La ricerca di Max Coppeta si incentra inoltre sugli effetti ottico/visivi che la luce crea quando viene riflessa da superfici specchianti come il vetro o il PVC. La sensazione di abbagliamento data dal riflesso di un raggio di luce su una superficie specchiante destabilizza totalmente la visione, mentre questa viene, di converso, come “accolta” dal riflesso della luce, assorbita da una superficie totalmente nera o da un materiale morbido e riflettente come la resina. NICOLA EVANGELISTI - Nato a Bologna nel 1972 si è diplomato in scultura presso l'Accademia di Belle Arti della sua città. Dal 1995 ad oggi svolge una ricerca artistica sperimentale, che, spaziando dall’installazione al light-box, dalla fotografia al video, mostra la sua coerenza di fondo nella costante attenzione al tema della luce. Compreso fra il 1999 e il 2001 è il ciclo dei “crilex”, introflessioni su materiale plastico realizzate tramite combustione che generano linee luminose avvicinabili alle forme della grafica frattale, evocanti esplosioni cosmiche. L’esecuzione di questo ciclo di lavori, insieme con le relative diramazioni teoriche, coincide con i primi riconoscimenti, e in particolare con il Premio internazionale “Guglielmo Marconi”, nel cui ambito Evangelisti scrive la Proposta per un nuovo manifesto spaziale, simbolico omaggio al suo maestro ideale. A partire dal 2001, egli individua lo specchio quale medium privilegiato per i suoi segni luminosi, inaugurando un filone di ricerca che prosegue a tutt’oggi con molteplici variazioni e sviluppi. Opere appartenenti a questo ambito di ricerca saranno esposte al Chelsea Art Museum di New York, Centre for Contemporary Art “Ujazdowski Castle” di Varsavia, MAK di Vienna, MUAR a Mosca. Dal 2004 Comincia ad accostarsi esplicitamente alle istanze della Light Art, corrente che va delineandosi in quegli anni a livello internazionale. Nel 2008 viene invitato a Bruxelles, insieme con Giulio Paolini, Michelangelo Pistoletto, Dan Graham e altri maestri internazionali, alla rassegna “De Narcisse a Alice, miroirs et refletes en question” evanto organizzato dall’ISELP (Institut Supérieur pour l’Etude du Langage Plastique). Nel 2010 è invitato a Luminale, la Biennale della Luce di Francoforte. ANTONELLA MASETTI LUCARELLA - Nata a Taranto, vive e lavora a Milano. Con le sue opere pittoriche ha partecipato a rassegne (personali e collettive) in mesei, gallerie, centri culturali e art fair. Vi è nell’universo pittorico dell’artista un fil rouge con la tradizione pittorica italiana che va dai leonardeschi sfondi paesaggistici appena accennati ,fino ai volumi dei corpi che alludono più che alla potenza della massa corporea di un Michelangelo, al sofisticato intellettualismo di un Piero della Francesca o di un Bronzino. La tradizione pittorica italiana - dall’Umanesimo al Manierismo - è stata tutta assorbita e poi riversata sulle sue tele che anche nel colore confermano l’accento di una italianità “di tradizione”. Alcuni toni di colore caldi e quasi languidi, le velature, lo sfumato, sono tutti bagaglio incontestabile di una scuola pittorica tutta “italiana”. Masetti Lucarella è assolutamente un’artista italiana, legata al calore della sua terra d’origine, la Puglia, ma attenta all’intellettualità più internazionale della sua città di adozione, Milano. Nella caratterizzazione dei personaggi, nella colorazione, nell’impianto scenico, tutto diventa vivo, attuale, contemporaneo. CARLA VIPARELLI - artista figurativa autodidatta, laureata in Filosofia presso l’Università di Napoli. Il suo lavoro pittorico si è evoluto nell’arco di circa 30 anni di attività, andando a toccare diverse “corde” della figurazione. L’indagine artistica di Viparelli si incentra prevalentemente sulla Natura e le sue infinite “applicazioni”: gli innumerevoli modi delle sue trasformazioni e implicazioni, ma anche su accadimenti sociali e sulla contemporaneità del comune sentire. Una produzione consistente del suo lavoro è stata dedicata al linguaggio e alle diverse modalità di espressione dello stesso: massimamente per immagini, ma talvolta anche attraverso la scrittura. L’artista in molti lavori ha interconnesso le due modalità espressive, creando una sorta di vocabolario per immagini e per scritti che dialogano tra loro con un accento tra il serio e il faceto. L'indagine artistica dell'artista si è rivolta recentemente all'utilizzo delle videoistallazioni, che la stessa definisce “quadri in movimento”. Partendo dalla base del disegno che le è confacente e peculiare, l’artista lo trasferisce su computer e lo anima con la più antica tecnica dell’animazione che tanta parte ha avuto nella produzione dei fumetti e dei film di animazione in America. CARLO MARCUCCI - Italiano di origine, ma californiano di adozione, Carlo Marcucci segna il punto di congiunzione di due culture che, sebbene entrambe nell’ambito del mondo occidentale, appaiono notevolmente differenziate in molteplici particolari. Le due realtà si fondono nell’arte di Marcucci in un perfetto equilibrio: l’italianità non soggiace alla nuova acquisizione di stato mentre la cultura Americana non viene schiacciata dal peso della tradizione italiana e nel contempo non soppianta la prima. Marcucci è l’emblema dell’integrazione che mantiene intatto il passato dentro di sé, lo modifica, ma non lo cancella. Il substrato culturale appreso in Italia, la memoria culturale del popolo di origine è un dato di fatto acquisito e ineludibile. Una questione di equilibrio che in Marcucci si esprime attraverso un uso assolutamente innovativo e insolito dei materiali che, nel caso di specie, si attingono addirittura dalla tradizione culinaria del paese di origine: gli spaghetti che tanta parte hanno nell’immaginario collettivo italiano e non solo, vengono denaturati della loro originaria funzione e manipolati per divenire un prodotto d’arte. Le sue opere scultoree denominate “Wheatfields” sono realizzate con l’uso di spaghetti, ma anche di hudon giapponesi, a confermare che la fusione di costumi e tradizioni è di assoluto appannaggio dell’arte; la trasformazione che subiscono questi “materiali” avviene per posizionamento e assemblaggio sul supporto, attraverso una sistemazione che segue regole precise nella scelta della colorazione ed anche nella scelta della tipologia del materiale “pasta”. Marcucci è capace di operare la decontestualizzazione della pasta dalla sua funzione basica e tradizionale della nutrizione del corpo e di trasferirla a quella della nutrizione della mente e dello spirito, attraverso una sistemazione, diremmo, costruttivista e geometrica dell’oggetto originario per realizzarne sculture murali. La fusione di tradizione e modernità, la trasversalità dell’uso dei materiali e delle funzioni date ai materiali stessi, costituiscono la specificità di un artista che non ha paura del passato, ma che vive il presente con la capacità di intravederne le possibilità ulteriori per proiettarlo nel futuro. Art1307 e MOAH presentano Estate Italiana - mostra collettiva di Marco Casentini, Max Coppeta, Nicola Evangelisti, Carlo Marcucci, Antonella Masetti, Alex Pinna e Carla Viparelli a cura di Cynthia Penna MOAH – Museum of Art and History di Lancaster openning Sabato 26 agosto 2017, ore 16.00 - dal 26 agosto al 22 ottobre 2016 Info e Contatti: www.art1307.com info@art1307.com www.lancastermoah.org Fb: https://www.facebook.com/art1307 Instagram: ISTITUZIONE_CULTURALE_ART1307 Pinterest: Art1307 Responsabile comunicazione e promozione: Chiara Reale 0039/3805899435 chiara.reale81@gmail.com 
 
 curated by Cinthia Penna Simonelli
 
 MOAH Lancaster, California
2016
1. FOCUS ON: SCULTURA FIGURATIVA
 
 Press Release COMUNICATO STAMPA FOCUS ON: SCULTURA FIGURATIVA VALERIO BERRUTI, ALBERTO DE BRAUD, ALEX PINNA, THE BOUNTY KILLART, WILLY VERGINER A Pietrasanta, un approfondimento sul lavoro di cinque scultori che si misurano con la figura. Dal 27 novembre al 11 dicembre 2016 Con il progetto Scultura figurativa, la Galleria Marcorossi artecontemporanea di Pietrasanta, inaugura una nuova serie di appuntamenti chiamati FOCUS ON. Si tratta di momenti di approfondimento, nei quali, in un periodo di tempo limitato, la Galleria presenterà un progetto specifico di un artista o un tema di particolare interesse. Nella Galleria di Pietrasanta, dal 27 novembre, l’opportunità di addentrarsi nel mondo e nel lavoro di cinque scultori italiani, tra i più interessanti del panorama italiano, che con materiali e poetiche diverse, affrontano tutti la tematica della figura, una figurazione che parla la lingua della contemporaneità, senza dimenticare i legami con la tradizione. Valerio Berruti (Alba 1978), artista completo, che lavora con la pittura, il disegno e la video-animazione, ma che da ormai parecchi anni ha trasposto nelle scultura in ferro o in cemento, le figure poetiche e metaforiche dei suoi bambini, ispirandosi ai bassorilievi medioevali o creando affascinanti giochi di ombre. Alberto De Braud (Milano 1959), che, attraverso lavori basati sulla figura stilizzata dell’uomo, realizzati in diversi metalli, indaga temi come la fragilità dell’essere umano e l’equilibrio precario tra individuo e società. Alex Pinna (Imperia anni ‘60), deve la poetica delle sue esili figure in bronzo al maestro Alberto Giacometti, ma le interpreta con un sentire contemporaneo, alleggerite della cupa drammaticità, per acquisire una sorta di malinconico sorriso, uno sguardo tra l'ingenuo e il disincantato sulla realtà. The Bounty Killart (Torino anni 70/80), il collettivo Torinese nato nel 2002 sui banchi dell’Accademia Albertina, che utilizza il gesso e la resina per ironizzare sui tic e le debolezze della società moderna, attraverso la rivisitazione, in chiave nichilista e provocatoria, dell’immaginario artistico neoclassico. Willy Verginer (Bressanone 1957), usa il legno e lo lavora con la tecnica tradizionale della scultura della Val Gardena, ma applicando alle sue sculture particolari aggiunte cromatiche e inserendo oggetti stranianti, isola i suoi personaggi in una atmosfera di dolce malinconia, di attesa, in una dimensione fatta di attualità e di magica sospensione.
 
 Marcorossi artecontemporanea Pietrasanta
2. interrogare lo spazio
 
 Press Release Comunicato stampa Titolo: Interrogare lo spazio Artisti: Carlo Bernardini, Emanuela Fiorelli, Paolo Masi, Alex Pinna, Pietro Pirelli, Paolo Scirpa a cura di Luigi Meneghelli Sede espositiva: FerrarinArte, Via De Massari 10, Legnago (Verona) Inaugurazione: sabato 29 ottobre, ore 17.30 Periodo: 29 ottobre - 7 gennaio 2017 Orario: lun-sab 9.00-12.30 / 15.30-19.30 ingresso libero Luoghi segreti, labirinti senza muri, figure in equilibrio precario. La Galleria smette l'asetticità e il rigore di una “white box” e si dispiega in una dimensione frammentaria, plurima, inafferrabile. Il suo spazio non è più semplicemente un contenitore, ma anche un generatore di vita e le opere non si limitano più a mostrarsi, ma esplorano anche i confini comportamentali, psicologici, memoriali dell'ambiente. Esprimono qualcosa di non ancora detto o di non ancora conosciuto. Fanno vedere uno spazio “altro”, dove lo stesso termine di “confine” non allude “a ciò in cui qualcosa termina e finisce, bensì a ciò a partire da cui qualcosa comincia” (Heidegger). I sei artisti invitati, esponenti di generazioni e linguaggi diversi, sembrano tutti dei grandi escogitatori di artifici visivi, dei geniali sperimentatori di combinazioni improbabili. Paolo Scirpa (Siracusa, 1934), ad esempio, progetta pozzi luminosi (“Ludoscopi”) che aprono finestre su mondi apparentemente infiniti. Paolo Masi (Firenze, 1933) impiega lastre di plexiglass trasparenti e dipinte, suscitando luoghi che giocano sull'ambiguità tra dentro e fuori, emozione e ragione, parvenza e visionarietà. Entrambi mirano a modificare i connotati dello spazio, introducendo una sorta di “poetica dello spostamento” o del rovesciamento, se non addirittura la strategia del “tromp l'oeil”, con il suo fascino spirituale dell'inganno. Con Carlo Bernardini (Viterbo, 1966) e Pietro Pirelli (Roma, 1954) i materiali messi in campo (materiali luminosi, acustici o elettronici) sembrano strapparci dal mondo esterno e trasportarci in un mondo ultraterreno. I disegni di luce di Bernardini, ottenuti mediante fibre ottiche, danno vita ad una architettura potenziale, che accende di interminabili vibrazioni il silenzio del vuoto: sono linee di tensione verso l'ignoto, esili presenze che trascinano nella loro ansia d'infinito quanto più spazio possibile. Ma anche le complesse installazioni di Pirelli (“Idrofoni”) sono continue interpretazioni dei luoghi che le ospitano. Esse ci mettono di fronte ad una sorta di “polifonia visiva”, dove vari impulsi sonori si riverberano nell'ambiente sotto forma di proiezioni di onde luminose. Ed è come se il suono si spazializzasse o, meglio, come se ogni dato concreto si trasformasse in dato astratto e astrale. Con Emanuela Fiorelli (Roma, 1970) si ha l'impressione di rientrare nei limiti del quadro, della costruzione, del calcolo. I suoi lavori possono sembrare addirittura ritmi geometrici: in realtà sono movimenti di percezione, tensioni che si stratificano o che si espandono. Così lo spazio ancora una volta diventa un'illusione, una dimensione senza coordinate, in cui a contare è l'esperienza visiva a cui l'opera sottopone l'osservatore. E un discorso non dissimile può essere fatto anche per le figure (in spago o in bronzo) di Alex Pinna (Imperia, 1967) che sono sempre in bilico, in sospensione, ma che soprattutto sono consumate, sfinite, ridotte quasi a dei semplici segni nello spazio. Il suo è un teatro che si spoglia: un luogo non da vedere, ma da immaginare. Una scena della mente. Scrive l'autore francese Georges Perec: “Lo spazio è un dubbio: devo continuamente individuarlo, designarlo. Non è mai mio, mai mi viene dato, devo conquistarlo”. Ebbene, questa mostra intende proprio dare testimonianza di uno sguardo indagatore che è coinvolto in una rete di relazioni, in una molteplicità di codici e di livelli di lettura. Non può fermarsi né arrivare ad un punto di conclusione. Ma in questo suo spaesato peregrinare vede aprirsi nuovi orizzonti percettivi e di senso. L'opera diventa l'ambiente stesso: uno spazio potenziale, congetturale, plurimo, che ci permette di fare le esperienze più inverosimili e paradossali (di sprofondare, di alzarci acrobaticamente, di vedere il suono che si colora). Come in una pagina di Borges, siamo invitati ad individuare anche ciò che non c'è, a intuire l'alternativa possibile, l'altra faccia del mondo: a cogliere la traccia nascosta, proprio come in un racconto poliziesco. 29 ottobre 2016 – 7 gennaio 2017 Inaugurazione: sabato 29 ottobre 2016, alle ore 17.30 www.ferrarinarte.it 
 
 a cura di Luigi Meneghelli
 
 Ferrarin ARTE Legnago
3. Notte d'autore
 
 evento di solidarietà a favore delle popolazioni colpite dal terremoto
 
 Teramo
4. SCALA DEI TURCHI WHITE WALL
 
 Press Release SCALA DEI TURCHI WHITE WALL a cura di Giuseppe Alletto con la collaborazione di Dario Orphée 17 Luglio – 28 Agosto Scala dei Turchi White Wall – parco per l’arte contemporanea Contrada Canalotto – Realmonte (Agrigento) Presentazione del progetto Domenica 17 Luglio ore 17:00 presso Aula Consiliare del Comune di Realmonte (via Roma 17) Prima visita guidata al Parco (ingresso vietato ai minori di 18 anni) in Contrada Canalotto Domenica 17 Luglio ore 19:30 Sarà presentato il 17 Luglio, alle ore 17:00, presso l'Aula Consiliare del Comune di Realmonte (via Roma 17) il progetto artistico White Wall, a cura di Giuseppe Alletto, con la collaborazione del critico Dario Orphée La Mendola e il patrocinio del Comune di Realmonte. Alla presentazione, nella quale saranno anche proiettate, in sintesi, le progettazioni del gruppo degli Arch.It.Lab, seguirà la visita guidata al Parco, prevista per le ore 19:30, con ingresso vietato ai minori di 18 anni per ragioni di sicurezza, in contrada Canalotto. White Wall è un parco dedicato all’arte contemporanea, sito in aperta campagna e affacciato sul mar mediterraneo, un luogo pensato per far dialogare l’arte con il paesaggio, annesso con residenze per artisti, ospitati in appartamenti di proprietà della famiglia Alletto, affacciati in piazza Umberto I, a Realmonte. Gli artisti che parteciperanno a questa “edizione 0” di White Wall, selezionati dal curatore Giuseppe Alletto, sono: Antonella Ludovica Barba, Sergio Barbàra, Giovanni Bartolozzi, Alessandro Cadamuro, Fabio Massimo Caruso, Santo Eduardo Di Miceli, Sepideh Farzam, Francesca Fini, Marco Gambàra, Michele Lombardo, Leopoldo Mazzoleni, Domenico Pellegrino, Alex Pinna, Max Serradifalco, Alfonso Siracusa, Paola Zampa. Lo spazio del Parco ospiterà inoltre lo shooting di moda della stilista Floriana Alletto e alcune performances musicali. Il Parco e/o le Residenze saranno fruibili solo con visite guidate e su prenotazione. L’accesso è vietato ai minori di 18 anni per ragioni di sicurezza. Per info: 3356826923 – giuseppe.a_2006@tiscali.it 
 
 a cura di Giuseppe Alletto
 
 Scala dei Turchi White Wall – parco per l’arte contemporanea Realmonte (Agrigento)
5. RECAP! Brief tales of an year of Art Fairs
 
 Guidi&Schoen Arte Contemporanea Genova
6. Atlas @ FuoriSARDO'ne
 
 Press Release in occasione della Milano Design Week 16, ALLOUTLAB in collaborazione con Sardò’ - Sardinian Street Food - (www.sardostreetfood.com) presentano: FuoriSARDO’ne. Un evento della durata di tre giorni nel cuore della città di Milano che in occasione del Fuorisalone16 coniuga, in una nuova visione del vivere la città durante la Design Week, il DESIGN contemporaneo con lo STREETFOOD di ultima generazione. Durante i tre giorni verrano presentate le linee d'arredo IMMOI e BE'NIRI, che fondono le qualità esclusive dell'artigianato locale con i ritmi e le abitudini dell'urban style contemporaneo. In contemporanea durante la tre giorni dedicata al design verrà presentata in anteprima la "sedia scultura" ATLAS realizzata da ALLOUTLAB in collaborazione con Alex Pinna.
 
 a cura di ALLOUTLAB
 
 Sardò Milano
7. Segrete. Tracce di Memoria
 
 Press Release Segrete. Tracce di Memoria Artisti alleati in memoria della Shoah VIII Edizione a cura di Virginia Monteverde 23 Gennaio – 7 Febbraio 2016 Antiche carceri della Torre Grimaldina di Palazzo Ducale piazza Matteotti, Genova Segrete - Tracce di Memoria è una rassegna d'arte contemporanea ideata e curata da Virginia Monteverde, che nasce nel 2009 per ricordare la Shoah e sensibilizzare soprattutto le giovani generazioni, attraverso l'arte, sulla più grande tragedia del secolo scorso. Grazie alla collaborazione di Genova Palazzo Ducale Fondazione per la Cultura, gli artisti hanno a disposizioni le suggestive celle delle antiche carceri della Torre Grimaldina di Palazzo Ducale. In questo luogo, di per sé evocativo di drammatici eventi, gli artisti, attraverso installazioni site specific, offrono letture diverse e riflessioni sulla Memoria, creando un percorso artistico di forte impatto emozionale ed evocativo. EDIZIONE 2016 L'edizione 2016 sarà inaugurata sabato 23 gennaio alle 18.00 e vedrà la partecipazione di un gruppo di artisti contemporanei di livello internazionale: Federica Barcellona, Armida Gandini, Giancarlo Marcali, Erik Mittasch, Angelo Pretolani, Alex Pinna, Silvano Tessarollo, Christian Zanotto. Importante anche la colaborazione delle gallerie che hanno segnalato gli artisti: MAG - Marsiglione Art Gallery (Como), Mact/Cact Museo d'arte contemporanea Ticino (Bellinzona), Galerìa ARTwindow (Barcelona), Red Stamp Art Gallery (Amsterdam), Fondazione Rocco Guglielmo (Catania), Guidi&Schoen Arte Contemporanea (Genova) Galleria Michela Rizzo (Venezia). Anche quest'anno al piano superiore della torre, per il progetto “ Peace Project”, sarà allestita un'installazione collettiva dei giovani artisti : Leardo Sciacoviello, Marco Illuminato, Christian Masuero, Behnoosh Taheri, Giorgia Ghione (coordinatrice del gruppo). 
 
 a cura di Virginia Monteverde
 
 Antiche carceri della Torre Grimaldina di Palazzo Ducale Genova
2015
1. SCULPT!
 
 Press Release SCULPT! Mostra collettiva a cura di Luca Beatrice Mostra: SCULPT! Luogo: Guidi&Schoen Arte Contemporanea Città: Genova Indirizzo: Vico Casana 31r Info: tel: 010 2530557 - mail: info@guidieschoen.com Web: www.guidieschoen.com Opening: Giovedì 1 ottobre 2015 ore 18.00 - 24.00, in occasione dei 10 anni di START Durata: 1 - 24 ottobre 2015 Orari: Dal lunedì pomeriggio al sabato ore 10.00 - 12.30 / 16.00 - 19.00 Scroll down for english Se dovessimo dar credito a molti pareri illustri, pronunciati quando l’arte consumava il suo ingresso nella modernità, la scultura risulterebbe il linguaggio meno adatto a rappresentare lo spirito dei tempi e la tensione avanguardista, forse perché troppo legato alla propria straordinaria tradizione. Il poeta, talora anche critico d’arte, Charles Baudelaire nel 1846 diceva “la sculpture est ennuyeuse”, mentre la pittura, ancor prima dell’affermazione dell’Impressionismo, si trovava nel pieno boom di un fermento creativo: roba da barbari e primitivi, “un art des Caraibes”, per colpa di quel sentore primordiale di contatto materico, per quello scarto viscerale troppo immerso nella figura di homo faber, un tempo censurabile e oggi pienamente recuperata ad esempio negli studi di Richard Sennett su l’uomo artigiano. Con il debutto del Novecento, invece, la scultura affronta un progressivo dissolvimento della forma; la mano dell’artista, prima Rodin in Francia poi Medardo Rosso in Italia, prende a graffiare, erodere e l’idea entra in gioco insieme alla materia. Ma sarà dal dopoguerra in avanti, dalla definitiva rottura con la tradizione, che la scultura scenderà definitivamente dal piedestallo per cominciare a rintracciare uno sbilanciamento semantico. Della vecchia statua si perdono l’unità oggettuale e la finalità celebrativa, secondo una linea prima astratto-informale, poi performativa-installativa. Poetiche dell’oggetto, Minimalismo e Arte Povera, trascineranno la scultura in un paradosso concettuale. La scultura, dunque, è linguaggio attivo e presente, nonostante ciò che aveva scritto Arturo Martini nel 1946, definendola “lingua morta”. Su tale ambiguo significato hanno giocato in molti. Per esempio, all’inizio degli anni Ottanta, Flaminio Gualdoni parlò della “sovrana inattualità” della scultura, proprio mentre la pittura con la Transavanguardia e zone limitrofe celebrava il proprio ritrovato trionfo. La svolta, se è esatto utilizzare questo termine, avviene nel 1986, con la grande retrospettiva Qu’est-ce que la sculpture moderne? curata da Margit Rowell al Centre Pompidou di Parigi. Mostra epocale in cui erano rappresentati tutti i movimenti modernisti più importanti -dal Cubismo al Costruttivismo, dal Dada alla Pop Art, dal Minimalismo all’Arte Povera- in una linea di demarcazione con tutto quanto era accaduto in ambito scultoreo definendone un prima e un dopo. Il dopo era caratterizzato da quell’arte che si proponeva innanzitutto come antidescrittiva e antinarrativa. Siamo quindi alle soglie del nostro tempo. Resta a questo punto da capire quale sia l’eredità nel contemporaneo, ovvero come possa oggi la scultura definirsi arte contemporanea. La risposta sta innanzitutto nell’ibridazione: per sopravvivere la scultura ha dovuto assumere via via il ruolo di oggetto, installazione, dialogare con i new media e soprattutto affrontare il problema dello spazio. Prima ancora dell’architettura è unica e tante cose insieme. Altra questione: l’utilizzo di materiali anomali a fianco di quelli tradizionali, effimeri e volatili accanto a pesanti e maestosi. Se poi la scultura affronta una linea antinarrativa se ne riconosce più facilmente il ruolo nel presente, ma se l’artista affronta con insistenza la figurazione e il tuttotondo derivante dalla statuaria classica, la vicenda si complica ulteriormente, rappresentando davvero una sfida intrigante. SCULPT!, terzo appuntamento ricognitivo sull’arte contemporanea diviso per linguaggi dopo quello dedicato da Guidi & Schoen alla pittura e alla fotografia, cerca di dare ulteriori risposte, ma soprattutto a porre altre domande, è incentrato sulle opere di quindici artisti appartenenti a generazioni diverse, che nel proprio tempo hanno affrontato la impervia sfida della tridimensionalità con gesti originali e anticlassici. Ci viene da dire, innanzitutto: scultura lingua viva, evviva la scultura. Luca Beatrice
 
 a cura di Luca Beatrice
 
 Guidi&Schoen Arte Contemporanea Genova
2. Vedo nero
 
 Galleria Palazzo Morelli Todi (PG)
3. WUNDERKAMMER – THE GRAND TOUR
 
 ART STAYS international festival of contemporary art
 
 Mihelič Gallery Ptuj, Slovenia
4. Crogiolo
 
 dal 19 luglio al 30 agosto
 
 Museo della guerra bianca Temu' (Bs)
5. MACIST Museum
 
 Press Release LA FONDAZIONE EDO ED ELVO TEMPIA in collaborazione con l'associazione Noi Biellesi e Artisti Contro il Cancro, è lieta di invitarLa all'inaugurazione del M.A.C.I.S.T. – Museo d'Arte Contemporanea Internazionale Senza Tendenze – che si terrà sabato 14 marzo a Biella, in via Costa di Riva n° 8 alle ore 17. Il progetto M.A.C.I.S.T. nasce dalla sensibilità di molti artisti di fama internazionale che hanno deciso di mettere a disposizione le proprie opere con il fine di sostenere le attività di prevenzione, cura e ricerca della Fondazione Edo ed Elvo Tempia da oltre 34 anni impegnata nella lotta contro i tumori. La direzione artistica è affidata al M° Omar Ronda, insieme al Prof. Philippe Daverio, Presidente del Comitato d'Onore del M.A.C.I.S.T. Museum. Il nuovo spazio museale sarà accessibile a tutti i cittadini, liberamente, che potranno ammirare in esposizioni permanenti e temporanee l'Arte contemporanea, nelle sue migliori espressioni senza particolari tendenze e appartenenze, se non quelle di condividere eticamente la sfida del M.A.C.I.S.T. è ammirare l'Arte, sostenendo la lotta contro il cancro.
 
 collezione permanente
 
 MACIST, Museo d’Arte Contemporanea Internazionale Senza Tendenze Biella
6. Biennale. Le latidudini dell'arte
 
 Press Release BIENNALE “ LATITUDINI DELL'ARTE” 2° edizione UNGHERIA E ITALIA Domenica 12 luglio 2015 alle 18.30 a Palazzo Ducale nelle Sale del Munizioniere, sarà inaugurata la seconda edizione della Biennale d'Arte Contemporanea "Le Latitudini dell'Arte “ La mostra, organizzata dall'Associazione di promozione sociale della cultura ART Commission, in collaborazione con Palazzo Ducale Fondazione per la Cultura e del Consolato di Ungheria a Genova, nasce con l'obiettivo di favorire lo scambio artistico-culturale tra l'Italia e gli altri Paesi. Dopo la Finlandia, protagonista della prima edizione, per il 2015 la scelta è caduta su un altro Paese europeo di solide tradizioni artistiche, quale è l'Ungheria. La mostra che vede la partecipazione di settanta artisti, 35 ungheresi e 35 italiani, è curata, per l'Ungheria, da Márta Simonffy, direttrice dell'Associazione Ungherese degli Artisti d’Arte Fugurativa e Applicata di Budapest, e per l'Italia da Virginia Monteverde, presidente di Art Commission, ideatrice e curatrice dell'evento. Presentazione critica a cura di Viana Conti. Domenica 12 luglio alle 18.00: Inaugurazione Sabato 25 luglio alle 18.00: “ L'arte del terzo millennio: Paesi coraggiosi e formule innovative, le nuove frontiere del mercato”. L'incontro è a cura di Bettina Bush, giornalista, collaboratrice di importanti testate d'arte e di Repubblica. Interverranno: la giornalista de La Stampa Fiorella Minervino, Gioia Mori, curatore di mostre e giornalista, direttore del mensile Art e Dossier dal 1986 al 2008, il critico d'arte italiano Viana Conti, il critico e storico d'arte ungherese Sulyok Miklós e Rocco Guglielmo (Fondazione Rocco Guglielmo), attuale direttore artistico del Marca, Museo delle Arti di Catanzaro. Artisti ungheresi: a cura di Marta Simonffy Balás Eszter, Bikácsi Daniela, Bohus Zoltán, Enyedi Zsuzsanna, Ero˝ s Apolka, Gábor Éva Mária, Haász Ágnes, Haris László, Hegedu˝s 2 László, Heritesz Gábor, Jovián György, Kalmár János, Kelemen Zénó, Krajcsovics Éva, Lányi Adrienn, Lenkey-Tóth Péter, Lóránt Demeter – Nagy Gábor, Lovas Ilona, Lukoviczky Endre, M. Novák András, Mayer Berta, Oláh Katalin Kinga, Örkényi Antal, Pál Gábor Mihály, Rabóczky Rita, Simonffy Márta, Sóváradi Valéria, Sz. Varga Ágnes, Szurcsik József, Tóth György László, Váli Dezso˝ , Várady Róbert, Varju Krisztián, Verebélyi Diána, Véssey Gábor Artisti italiani: a cura di Virginia Monteverde Francesco Arena, Pippa Bacca, Connie Bellantonio, Isabel Consigliere, Giacomo Costa, Alessio Delfino, Pier Giorgio De Pinto, Luigi Di Sarro, Maurizio Dusio, Sabina Feroci, Armando Fettolini, Paolo Fiorellini, Michelangelo Galliani, Lory Ginedumont, Gian Luca Groppi, Pina Inferrera, Luca Lischetti, Giovanni Longo, Giancarlo Marcali, Federica Marangoni, Luisa Mazza, Silvio Monti, Carlo Pasini, Antonio Pedretti, Alex Pinna, Elettra Ranno, Marco Nereo Rotelli, Enzo Rovella, Sergio Sarri, Renata Soro, Tedman&Strand, Francesco Vieri, Marilena Vita, Chistian Zanotto, Corrado Zeni 
 
 a cura di Virginia Monteverde
 
 Palazzo Ducale Genova
2014
1. Chiedimi di entrare
  
  a cura di Riccarda Mandrini
  
  Palazzo del Broletto Pavia
2. work in progress
  
  a cura di Guido Curto
  
  Ermanno Tedeschi Gallery Torino e Roma
2013
1. CAMUSAC Cassino Museo Arte Contemporanea
 
 Press Release CAMUSAC Via Casilina Nord, 1 - 03043 Cassino (FR) - Tel. +39 366.5904400 - info@camusac.com - www.camusac.com Ufficio Stampa Susanna Holm, Sigma CSC, Tel. +39 055.2340742 - M. +39 335.1864214 - Fax. +39 055.244145 - susannaholm@cscsigma.it NASCE A CASSINO IL MUSEO DI ARTE CONTEMPORANEA Sabato 12 ottobre 2013, promossa dalla Fondazione CAMUSAC, sarà aperta al pubblico la sede del Cassino Museo Arte Contemporanea – CAMUSAC nella storica città ai piedi dell’Abbazia benedettina di Montecassino. La Fondazione CAMUSAC, creata dall’impegno e dalla passione di Sergio e Maria Longo per la raccolta, l’esposizione e lo studio delle arti visive contemporanee, annuncia con soddisfazione il compimento del ripristino e l’apertura degli ex-ambienti industriali, situati ai piedi dell’Abbazia di Montecassino, a fini museali. L’iniziativa, avviata negli anni Novanta con l’Università degli Studi di Cassino e la consulenza scientifica di Bruno Corà, si avvale oggi della collaborazione con il Dipartimento Scienze Umane, Sociali e della Salute (DipSUSS), dell’Università. La nuova sede museale, rappresenta oggi il fulcro di attività culturali destinate a creare stimoli di ricerca e apprendimento in tutti coloro che sono interessati all’opera degli artisti contemporanei attivi sulla scena italiana e internazionale. In tal modo, il nome e la storia della città di Cassino si coniugano con sostantivi e attributi nuovi che si aggiungono al suo passato romano, monastico, bellico e di rinascita civica postbellica. Il nuovo spazio, ricavato in ex-strutture industriali, appositamente ristrutturate dall’architetto Giacomo Bianchi, comprende anche l’attuale sede della collezione di scultura esistente nel parco adiacente, formando insieme una dotazione di opere di oltre duecento artisti contemporanei, fra i quali: Giovanni Anselmo, Nobuyoshi Araki, Bizhan Bassiri, Alighiero Boetti, Louise Bourgeois, Pedro Cabrita Reis, Enrico Castellani, Antonio Gatto, Jannis Kounellis, Sol LeWitt, Jason Martin, Eliseo Mattiacci, Mario Merz, Vittorio Messina, Nunzio, Luigi Ontani, Julian Opie, Giulio Paolini, Giuseppe Penone, Beverly Pepper, Michelangelo Pistoletto, Renato Ranaldi, Marco Tirelli, David Tremlett, Eduard Winklhofer e numerosi altri. COMUNICATO STAMPA ARTE CONTEMPORANEA Nella sede museale sono previsti alcuni ambienti adibiti ad attività didattiche e di arte-terapia con appositi programmi e attività condivise con il DipSUSS dell’Università di Cassino. L’apertura della nuova sede museale si celebra con un doppio evento, a cura di Bruno Corà: la mostra Infinito riflesso, basata sul dialogo fra alcune opere di Enrico Castellani e quelle del giovane scultore giapponese Shigeru Saito, appositamente create in omaggio al Maestro italiano, e la mostra Opere dalla COLLEZIONE PERMANENTE/1. Nel corso del 2013-2014, con un criterio espositivo di rotazione, verrà presentata l’intera dotazione del CAMUSAC. Entrambi gli eventi saranno aperti gratuitamente al pubblico a partire dal 12 ottobre 2013 fino al 12 gennaio 2014. Il museo: Cassino Museo Arte Contemporanea Curatore artistico: Bruno Corà Le mostre: a) - Infinito riflesso ENRICO CASTELLANI SHIGERU SAITO b) - Opere dalla COLLEZIONE PERMANENTE/1 Dove: Cassino, via Casilina Nord 1 Quando: dal 12 ottobre 2013 al 12 gennaio 2014 Orario: aperto sabato dalle ore 15 alle 19, altri giorni su prenotazione Info e prenotazioni: tel. +39 366 5904400 Ingresso: libero Ufficio stampa: Susanna Holm, Vanessa Montigiani Sigma C.S.C. tel. +39 055 2340742 fax +39 055 244145 mob. +39 335 1864214 susannaholm@cscsigma.it, vanessamontigiani@cscsigma.it
 
 collezione permanente
 
 CAMUSAC Cassino Museo Arte Contemporanea Cassino FR
2. Sunny with a chance of darkness
 
 Press Release Opere di: Karim Andersen, Matteo Basile’, Stefano Cagol, Andrea Chiesi, Vania Comoretti, Giacomo Costa, Richard Kern, Alessandro Lupi, Peppe Perone, Alex Pinna, Massimiliano Zaffino e Corrado Zeni.
 
 GUIDI & SCHOEN Genova
3. Rolly days
 
 Press Release sabato 25 e domenica 26 maggio 2013 Per due giorni 20 dei 42 Palazzi dei Rolli, diventeranno eccezionali spazi espositivi per l'arte contemporanea e il centro storico si animerà di performance con musica itinerante e nei cortili. Le visite guidate consentiranno di entrare in palazzi normalmente chiusi al pubblico e di scoprire la storia della città attraverso le vicende pubbliche e private delle sue grandi famiglie. Per Rolli Days la Galleria Nazionale di Palazzo Spinola, il Museo di Palazzo Reale e i Musei di Strada Nuova, i Palazzi Rosso, Bianco e Tursi, saranno eccezionalmente visitabili gratuitamente. orari: sabato 25 e domenica 26 maggio 2013 ore 10 - 19 La Galleria Nazionale di Palazzo Spinola sarà visitabile: sabato 25 maggio dalle ore 8.30 alle 19.30 domenica 26 maggio dalle ore 13.30 alle 19.30 Informazioni: Bookshop dei Musei di Strada Nuova tel. 010.2759185 www.rolliestestradenuove.it - www.palazzoducale.genova.it Tutte le manifestazioni e le visite guidate sono gratuite Il programma INFORMAZIONI UTILI Bookshop di Palazzo Tursi Tel. 0102759185 www.rolliestradenuove.it – www.palazzoducale.genova.it Tutte le manifestazioni e le visite guidate sono gratuite e gli orari sono: sabato 25 e domenica 26 maggio 2013 ore 10.00 - 19.00
 
 strade e palazzi da vivere
 
 Palazzo Gio Battista Spinola (Palazzo Doria) Genova
4. 100 ³: 100 anni, 100 stanze, 100 artisti
 
 Press Release L’ Art Hotel Gran Paradiso è orgoglioso di annunciare l'inizio della stagione turistica 2013, a cui, per il terzo anno consecutivo, si abbina un ricco e variegato programma di eventi artistici. Questa struttura, più unica che rara, mira ad offrire a tutti i suoi ospiti, il piacere di vivere in uno spazio pieno di opere d'arte contemporanea. Nonostante il difficile momento che vive il nostro paese questo innovativo albergo continua ad investire mecenatisticamente, portando avanti la propria convinzione che l'apporto del mondo delle aziende private alle Arti, e viceversa, sia la strada giusta per cominciare, o come sulla collina sorrentina continuare, a respirare un’aria diversa fatta di speranza, positività, creatività. 100³: 100 anni, 100 stanze, 100 artisti racchiude nel titolo la lungimirante ambizione di costituire un punto di riferimento per il territorio campano, rinnovando annualmente l’appuntamento con un programma di attività espositive e dialogo diretto tra i visitatori e i protagonisti della scena artistica internazionale. Per l’edizione 2013, l’inaugurazione sarà, infatti, occasione di un imperdibile confronto, lungo tutto il week-end, con artisti, galleristi e critici d’arte, invitati ad offrire il loro eccezionale punto di vista sulle piccole mostre personali allestite in ogni stanza. In una giornata un po’ diversa dal solito, in una carambola di Arte, Musica e Poesia, muse dionisiache che come si vuole s’accompagnano a satiri, baccanti, vino e delizie. Con il 2013 la manifestazione perfeziona la sua forma dividendo le sue stanze in tre sezioni: Gallerie, Collezioni,e 100³. Immaginate una fiera dove le gallerie accedono solo ad invito, dove invece di uno stand si dispone di una camera d’albergo in cui presentare una mostra personale, dove i clienti dell’albergo possono comprare tutto ciò che c’è esposto nelle camere, e votare la loro stanza preferita, fate durare il tutto sette mesi, e otterrete la sezione Gallerie . Una piccola parte di questa sezione (4 camere) sarà dedicata a giovanissimi artisti che frequentano l’Accademia di Belle Arti di Napoli, ognuno sponsorizzato da un Professore dell’Accademia. Saranno anche quest’anno i nostri clienti a scegliere il vincitore del concorso 100³. Oltre ad un premio in denaro, il vincitore avrà l’opportunità di eseguire una residenza a Sorrento durante la quale realizzerà una stanza d’artista permanente per l’Art Hotel Gran Paradiso. La Sezione Collezioni, consiste in una serie di mostre personali dove i prestatori non sono solo gallerie, ma anche collezionisti privati e critici d’arte. Questa sezione presenta artisti più affermati (alcuni dei quali non più viventi) che non partecipano al concorso 100³ e che spesso effettuano interventi site specific. La Sezione 100³, consiste nella serie di camere d’artista permanenti realizzate dai vincitori delle edizioni precedenti del concorso. Tra queste è quella del vincitore dell’edizione 2012 Takeo Hanazawa che, in seguito a una residenza a Sorrento, ha elaborato Yuki no Furu Machi wo, ambiente onirico e suggestivo, che diventa la seconda stanza d’artista permanente nel progetto che ambisce a durare un secolo. Qui l’immaginifico spirituale orientale si confronta con la nostra bella terra, in un mix difficilmente replicabile. Con lui, oltre ad un workshop con gli studenti del liceo artistico “F.Grandi” di Sorrento, la pittura contemporanea giapponese sbarca all’Accademia di Belle Arti di Napoli, con una master lesson tenuta per il corso di pittura del Professore Armentano. Nei prossimi mesi, sempre con l’obiettivo di creare occasioni ed un luogo unico d’incontro per la cultura in Campania, verrà strutturato un ricco programma di talks, presentazioni di libri, concerti. A fare da cornice a questi eventi è Cuore/Anima, un progetto curatoriale in collaborazione con l’Accademia di Belle Arti di Napoli, il cui corso N.T.A. (nuove tecnologie dell’arte) è stato sponsorizzato per questo semestre dall’Art Hotel Gran Paradiso. La scuola di nuove tecnologie dell’arte è attiva da 4 anni nell’accademia di belle arti di Napoli. Perno centrale il laboratorio, in cui confluiscono tutte le materie del corso, diventando così terreno di prova e confronto per professori e alunni in cui mettere in gioco tutte le esperienze e competenze. Un team di 10 professori, nel campo del sound design, del digital video, della foto digitale, della videoinstallazione, della progettazione multimediale, delle tecniche dei nuovi media, del web design e della progettazione di software interattivi e i loro allievi (il corso conta ben 230 alunni tra triennio e biennio specialistico) sperimentano l’integrazione tra i nuovi media. Cuore/Anima è il risultato del loro impegno, e presenta un meraviglioso progetto nell’hotel. Il nostro ringraziamento va a tutti gli Artisti ed ai Prestatori, senza i quali, nulla di tutto ciò sarebbe stato possibile: Our thanks goes to all of the Artists and the Lenders, without whom none of this would have been possible, and in particular to: Nuove Tecnologie dell'Arte/Accademia di Belle Arti di Napoli, Aurelio Andrighetto/Galleria Milano, Danilo Ambrosino/Dafna, Angelo Armentano, Luca Massimo Barbero, Mattia Barbieri/Federico Luger, Robert Barry/Alfonso Artiaco, Gabriele Basilico/A.A.M., Matteo Bergamasco/Bonelli Arte Contemporanea, Joseph Beuys, Valerio Bevilacqua/Fabbri Contemporary Art, Francesco Candeloro/Studio Invernizzi, Francesco Carone/SpazioA, Vincenzo Castella/Studio la città, Stefano Cerio/Studio Trisorio, Astolfo Maria Cicerano, Marta Colombo, Antonio de Filippis, Tomaso de Luca/Monitor, Riccardo de Marchi/Studio Invernizzi, Stanislao di Giugno/Tiziana di Caro, Arthur Duff/Oredaria, Maurizio Elettrico/Fondazione Morra, Feld Peter/Orio Vergani, Pietro Fortuna/Giacomo Guidi, Anna Fusco, Piero Gatto, Nicola Gobbetto/Fonti, Marco Grimaldi/Nuova Galleria Morone, Takeo Hanazawa/Side 2, Kathryn Hillier/Annarumma 404, Friedensreich Hundertwasser, Marco Iannaccone, Julia Krahn/Voice Gallery, Maria Lai/Nuova Galleria Morone, Myriam Laplante/Il Ponte Arte Contemporanea, Felice Levini/A.A.M., Deborah Ligorio/Francesca Minini, Pierpaolo Lista/Galleria Milano, Lello Lopez/Alfonso Artiaco, Federico Luger/Camera 16, Armando Lulaj/ Artra, Raffaele Luongo/Alfonso Artiaco, Mara Maglione, Ati Maier/Jochem Hempel, Luigi Mainolfi/Paola Verrengia, Martin Maloney, Fabio Mauri, Vittorio Messina, Diego Mirabella/Delloro Contemporary Art, Moio&Sivelli/Dino Morra, Matteo Montani/Giacomo Guidi, Daniela Morante/Art 1307, Moataz Nasr/Continua, Aneè Olofsson/Mimmo Scognamiglio, Luigi Ontani, Hans Op de Beck/Continua, Adrian Paci/kaufmann repetto, Marco Paganini, Mario Pagliaro/Marco Izzolino, Luca Pancrazzi, Claudio Parmiggiani, Gianni Pettena/Enrico Fornello, Gabriele Picco/Massimo Minini, Alex Pinna/Ronchini, Giulia Piscitelli/Fonti, Tommy Raider, Marco Raparelli/Umberto di Marino, Maria Grazia Rosin/Caterina Tognon, Ana Gloria Salvia/Dafna, Amedeo Sanzone/Art 1307, Serse/Continua, Bianca Sforni/The Pool NYC, Johnnie Shand Kydd, Shozo Shimamoto/Fondazione Morra, Donatella Spaziani/Oredaria, Maria Luisa Tadei/il ritrovo di Rob shazar, Marco Tirelli/Giacomo Guidi, Domenico Tirino, Spencer Tunick/Mimmo Scognamiglio, Fumito Urabe/Side 2, Nanni Valentini/Galleria Milano, Alessandro Valeri/Il Ponte Arte Contemporanea, Torbjörn Vejvi/Raucci Santamaria, Marco Zezza, Bingjian Zhang/Studio la città. Art Hotel Gran Paradiso is proud to announce the opening of the hotel’s 2013 season and more importantly, a new edition of its artistic activities. The hotel’s unique mission aims to bring all of its guests – many of whom have never had the pleasure of living and sleeping with an artwork in their bedroom – closer to the world of art and culture. While the most frequently repeated word in Italy iscrisis, this innovative hotel in Sorrento puts forward a creative emblem of hope: that of a powerful synergy between private business and the art world, so that new creative energies will bring us to see a light at the end of the tunnel. The title 100³: 100 anni, 100 stanze, 100 artisti (100³ : 100 years, 100 rooms, 100 artists) encompasses the far-sighted ambition of creating a point of reference for art and culture in the Campania region, with an annual program of exhibitions and activities and a direct dialogue between participating visitors and protagonists in the International art world. In fact, the opening of the 2013 edition will be an unmissable, week-end long exchange between the artists, gallerists and art critics invited to contribute their exceptional vision to the small solo shows installed in each room. In a day far removed from quotidian reality, a carom of Art, Music and Poetry, with Dionysian muses accompanied by Bacchae, satyrs, wine and delicacies will unfold. On occasion of the 2013 edition, Art Hotel Gran Paradiso’s rooms will be divided into three sections, Galleries, Collections and 100³ . Imagine an art fair where galleries cannot apply, but can only be invited, where instead of a booth each gallery is given an hotel room and presents a solo show by a living artist that lasts for seven months, and you will catch onto the concept behind the Galleries section. A small part of this section (4 rooms), will be dedicated to young artists still enrolled at the Accademia di Belle Arti of Naples, each sponsored by a Professor of the Accademy. Our Guests, who remain the prime audience, will be able to vote their favourite Gallery room and thus choose the winner of the 2013 100³ Prize. In addition to a monetary award, the winner will receive the opportunity of an artist’s residence in Sorrento during which he/she can elaborate on commissions and projects, as well as creating a permanent installation for one of the hotel’s rooms. The Collections section consists of a series of solo show rooms in which the projects are more site specific, while the lenders involved are not only galleries but also private collectors and art critics. This section presents more famous artists (some of whom are no longer alive), however, they are not eligible for the 100³ Prize. The 100³ section consists of a series of permanent room installations, each of which represents the site specific work of one of the annual contest’s winners. Amongst these, a site-specific installation by Takeo Hanazawa – winner of last year’s competition, who has subsequently dedicated himself to a series of activities that look at the link between artistic production and the spaces in which they are conceived – will be inaugurated. Thus, Yuki no Furu Machi wo, created during the artist’s residence at the hotel, is the second of the artist’s rooms to remain as a permanent installation. Here both ancient and contemporary symbols and codes are used to trace the limits of an aesthetic dimension, a dimension that goes far beyond that of reality and is measured according to the relation between natural and artificial, material and spiritual elements as they move on to find new intersections. With the aim of fostering new occasions for cultural encounters and exchanges, during the months to come a rich and varied programme of talks, book presentations, concerts and a workshop will take place. Setting the scene for these events is Cuore/Anima, a curatorial project run in collaboration with the Belle Arti Academy of Naples, whose 2012-2013 N.T.A. (New technologies for the arts) Graduate course was fully sponsored by the Art Hotel Gran Paradiso. The Cuore/Anima exhibition is the result of their work and will occupy the common spaces and the rooftops of the hotel. Art Hotel Gran Paradiso | Via Catigliano, 9 – 80067 Sorrento – Italy | t. +39 081 8073700 | f. +39 081 8783555 | info evento: www.arthotelgranparadiso.com | e-mail: art.granparadiso@gmail.com 
 
 a cura di Ignazio Colonna
 
 Art Hotel Gran Paradiso Sorrento
5. Italian sculpture
 
 Press Release Ronchini Gallery is proud to present the works of three renowned Italian sculptors in their exhibition Colla, Pinna, Pomodoro. From the abstract, to the geometric to the figurative, Colla, Pinna, Pomodoro, will provide a survey of the work of these respected sculptors, brought together for the first time in the UK by curator Marco Meneguzzo from 27 February – 28 March 2013. The exhibition will introduce some of the most iconic works by these artists to a wider audience, allowing the viewer to surround themselves with billowing shapes and forms, drawing their own parallels to these succinct, yet diverse works. All of the sculptures draw on the artist’s tactile manipulation of raw materials to create constructions of space and form, elevating traditional materials to the status of a significant work of art that resides within the viewer’s space. Gallery Director Lorenzo Ronchini states, “Although sculpture has been important throughout the history of art, it is often under-represented at the gallery level, which is why I am happy to bring together this strong exhibition devoted entirely to sculpture. My career as a gallerist and collector became much stronger once I embraced sculpture.” About the artists: Ettore Colla’s (b. 1896, Parma; d. 1968, Rome) abstract assemblage sculpture is heavily influenced by Dadaism. By using found object’s, such as recovered iron, Colla creates stately, industrial inspired sculptures with a unified composition. His work features in the permanent collections of the Tate Modern, The Museum of Contemporary Art, Rome, The Gallerei di Palazzo Leoni Montanari, Vicenza, The Galleria Civica d’Arte Moderna e Contemporanea, Turin, The Mueso di Arte Moderna e Contemporanea, Trento, and The Vila Croce Museo di Arte Contemporanea, Genoa. Alex Pinna’s (b. 1967, Imperia, Italy) sculptures investigate the interaction of the work in space, and is imbued with a sense of lightness, while remaining monumental. His most iconic works are elongated bronze figures, balanced precariously on one another amidst their surroundings. Pinna’s works have been exhibited at The Ermanno Tedeschi Gallery, Tel Aviv and Milan, The Palazzo Clerici, Milan, The Galleria San Salvatore, Modena, and The Museo di arte Contemporanea, Toroli. Arnaldo Pomodoro’s (b. 1926, Morciano, Romagna, Italy) work is influenced by artists such as: Alberto Giacometti, Lucio Fontana, Louise Nevelson and David Smith. He is most known for his work with geometric shapes, such as the column, cube, pyramid, sphere and disc. In 1963 he was awarded the International Sculpture Prize at the Sao Paulo Biennale followed by a solo show at the Venice Biennial, 1964. In 2008 he was awarded the International Sculpture Center’s Lifetime Achievement in Contemporary Sculpture Award. His work is in the permanent collections of The Vatican Museum, The United Nations Headquarters, New York, The Hirshhorn Museum and Sculpture Garden in Washington D.C and the Columbus Museum of Art, Ohio, and the Guggenheim, New York. About the Curator: Marco Meneguzzo is an Independent Curator and Professor of Contemporary Art at Brera Academy of Fine Arts, Milan. Previous roles include Commissioner of the Rome Quadrennial in 1986, Artistic Director of the Paolo Pini Art Museum of Milan and Consultant for the International Fair of Contemporary Art, Milan. He has participated in more than 100 exhibitions, solo and group shows, in both public and private spaces and contributed to a number of catalogues for exhibitions held at the Padigline D’arte Contemporanea, and the Civic Museum of Contemporary Art, Milan. As an art critic he has contributed to a wide range of art and culture magazines including Flash Art, Alfabeta, Abitare, Vogue Italy and Artforum. His extensive knowledge and research into modern and contemporary art has been compiled into a series of art history textbooks. In 2005, he published, The Italian Sculpture of the Twentieth Century, to coincide with an exhibition of the same auspices, which he guest curated at the Arnadlo Pomodoro Foundation, Milan. About Ronchini Gallery: Ronchini Gallery is a contemporary art gallery founded by Lorenzo Ronchini in 1992, in Umbria Italy, which expanded in February 2012 with a space in Mayfair, London. Its exhibitions have explored pioneering movement with Italy; the gallery aesthetic is defined by Minimalism, Spatialism, Conceptualism and Arte Povera and it retains an unblinking future-focus on progressive movements. Ronchini Gallery evolved from 20 years of private collecting. Paterfamilias Adriano Ronchini was an early supporter of artist such as Alighiero Boetti, Daniel Buren, Joseth Kosuth, Frank Stella and Michelangelo Pistoletto and collected their work throughout the seventies. Subscribing to the highest standards of curatorship and scholarship, the gallery provides a rigorous context in which its artist can be viewed. Ronchini Gallery also maintains a successful publishing arm which produces exhibition catalogues, monographs, critical texts and artist’s books. Exhibition Title: Colla, Pinna, Pomodoro Exhibition Dates: 27th February – 28th March Opening Hours: Monday – Friday 10am – 6pm; Saturday 10am – 5pm Location: 22 Dering Street, London, W1S 1AS Tel: +44 (0) 207 629 9188 Website: www.ronchinigallery.com For press information and images please contact: Ronchini Gallery Tel: +44 (0) 207 629 9188 Email: info@ronchinigallery.com
 
 curated by Marco meneguzzo
 
 Ronchini gallery London
2012
1. Come tu mi vuoi
 
 Press Release Come TU mi vuoi …………….. Project econom_ART di AMY D arte_spazio Milano & Studio AKKA PREVIEW 27/9/2012 ore 18.00 Dal 27 sept. all’11 nov. 2012 Come TU mi vuoi …………….. con Matteo Basilé, Francesca Catastini,Federica Ferzoco, Giovanni Manzoni Piazzalunga,Famiglia Margini, Alex Pinna, Chan Sook Choi Art whore and clients A cura di Anna d’Ambrosio “Cerco di fare lavori che facciano sentire le persone bene con se stesse”. Le parole sembrerebbero scritte da un tele –imbonitore, appartengono a Koons che con Murakami ha sublimato la pratica artistica con opere empatiche in un asset commerciale simile a quello di una azienda, come la Kaikai Kiki Co che oltre alla produzione di “eventi “e di “merci” vende dipinti, video, t-shirt, portachiavi, tappetini e borse Louis Vitton in tiratura limitata da 5 mila dollari. come TU mi vuoi è ……..mettersi al posto del desiderio dell’ALTRO ,committente istituzionale & collezionista privato . Il fine è mettere in mostra la specificità dell’ artista, della sua linea di confine ; quella tra creazione e creazione ad hoc. Protagonista assoluta del nuovo progetto economART di AMY D arte spazio è l’Arte Contemporanea nel grande gioco/ scommessa della finanza. La tematica sondata, Arte Contemporanea = derivato economico (come quello in arte dei fondi per l’arte dove il valore è di scommessa e non legato a nessuna regolamentazione e/o statuto.,), mi ha spinto verso una collettiva in cui l’effetto scenico , unito a quello del gioco( d’azzardo) fosse un modo per enfatizzare di + i lavori esposti, esasperandoli e facendoli ….diventare nel processo osmotico: Artista/opera/pubblico (vero psicodramma ). E mentre a Milano va in scena lo show in occasione di Moda Donna da AMY D arte_spazio si inscena Moda Charles Saatchi, uno dei più grandi squali del mercato dell’arte scrive sul Guardian: “Adoro l’esibizionismo, ma questo mondo dell’arte è diventato troppo esibizionista e troppo spettacolare anche per uno come me” [……] -Arte-Alternativa, per un’Arte di valore . “Curatori e galleristi sono privi di intuizione e coraggio”. Detto proprio da lui che ha creato la società dello spettacolo nell’arte è paradossale. Un défilé’ di moda (rimando potente dell’ultima edizione di MIA Art Fair) con in pedana giovani promesse sempre in bilico costrette in un’arte non propria, una slot machine per scommettere, pagando, nel gioco ossessivo compulsivo che caratterizza un certo tipo di collezionismo. L’azione performativa dinamica (straordinario work in progress ), sarà supervisionato da un sistema di telecamere, che sottende al più grande controllo paranoide in un sistema ormai fuori controllo come quello dell’arte come griffe. James Goodwin in “Metamorfosi delle opere in titoli derivati “scrive:” Nel mercato dell’arte si sta assistendo alla metamorfosi delle opere in titoli derivati (come opzioni o swap) dove si scommette su un futuro rialzo del prezzo relativo a un giovane artista. L’arte della finanza si trasforma così nella finanza d’arte. L’opera è paragonabile a una merce o strumento finanziario scambiabile con un alto valore per gli hedge found e fondi di private equity. Case d’asta e grandi fondi d’investimento puntano sul guadagno nel breve periodo. Coloro che negli ultimi anni hanno acquistato arte contemporanea, hanno insomma in mano promesse di valore, non valori effettivi con investimenti di tipo simbolico che la crisi sta erodendo. L’arte è diventata un gioco di segni senza referenza, il cui fine è la prolificazione di segni finanziari in cui l’artista è una pedina inserita nel gioco dello scambio finanziario. Si sono affermati cosi artisti apolidi, apparsi più globali e quindi rispondenti al grande gioco della smaterializzazione. Grandi collezionisti come Pinault, Arnault, Abramovich, magnati cinesi o sauditi, petrolieri e finanzieri internazionali si possono scambiare indifferentemente Damien Hirst o altri << giocattoli >> L’arte però non è solo merce, ma qualità unita al piacere, un desiderio e un’attrazione che non può essere soggetta alle forze dei mercati e dagli speculatori perché come diceva Claudia Gian Ferrari: “Se l’arte non è amata prima o poi si vendica”. Rilancia Giuseppe Panza di Biumo, amico del collezionista G. Fasol “Se ami l’arte, l’arte ama te, se tu vuoi sfruttare l’arte, è l’arte che sfrutta te.”. Il nuovo progetto economART di Amy d segue l’orientamento preso da dOCUMENTA di Kassel . Parola d’ordine è transdisciplinarietà. Le opere e gli artisti si confrontano con politica, con istituzioni, tecnologia, con fenomeni socioeconomici partecipandovi direttamente oppure protestando apertamente ;reale alternativa per un’arte più equa e democratica .
 
 Amy-d spazio arte Milano
2. Mapping identities
 
 Press Release Mapping Identities 27-11-2012 29-12-2012 Martedì 27 novembre 2012, la galleria Guidi&Schoen inaugura la mostra collettiva Mapping Identities. Mappare l’identità dell’uomo contemporaneo attraverso la lettura dell’opera d’arte e della realtà di cui è specchio. A metà strada fra teatro e vita, sogno e realtà, l’arte racconta lo spazio in cui viviamo distorcendolo, deformandolo spesso. Esiste lo spazio oggettivo, quello dei fisici e dei matematici; lo spazio dell’ego, ovvero relativo all’adattamento individuale e lo spazio immanente e soggettivo, quello cioè dell’inconscio che include gli orientamenti individuali e la nozione dei sistemi spaziali della cultura nel suo complesso (Pagnini Alberti). Il contesto ambientale in cui si muove l’uomo contemporaneo prescinde dalla prossimità spaziale, dai limiti fisici e geografici; l’area vitale è come ampliata da una tecnologia sempre più avanzata che favorisce lo sviluppo di una dimensione anche virtuale. Si tratta di fenomeni che favoriscono nuovi punti di intersezione, di incontro, di scambio che deterritorializzano quello che può considerarsi il nostro habitat. In questo senso, il nostro spazio vitale subisce continue e molteplici mutazioni, i suoi confini si fanno meno marcati. Allora, attraverso la mappatura e la rappresentazione dello spazio, è possibile tracciare un identikit dell’artista e ampliando il senso, di tutti noi. In mostra opere di: Richard Aldrich, Olivo Barbieri, Matteo Basilé, Vanessa Beecroft, Loris Cecchini, Vania Comoretti, Giacomo Costa, Flavio Favelli, Andreas Gursky, Alex Pinna, Andres Serrano, Massimo Vitali.
 
 galleria Guidi& Schoen arte contemporanea Genova
3. Ten
 
 Press Release TEN 2002 | 2012 11-02-2012 11-03-2012 Sabato 11 febbraio, in occasione del compimento dei dieci anni di attività (la galleria ha infatti aperto il 16 febbraio 2002 con un’ esposizione dedicata ad Andy Warhol), Guidi&Schoen Arte Contemporanea inaugura la mostra collettiva TEN 2002|2012. Come un diario visivo, l’allestimento ripercorre le tappe più significative del lavoro della galleria genovese attraverso opere inedite realizzate per l’occasione dagli artisti che hanno condiviso questo percorso con Guido Guidi e Chico Schoen. Partendo da Matteo Basilé, già protagonista della seconda mostra Ricomincio da 8 del marzo 2002, per arrivare a Roberto Pugliese e a Tamara Repetto la cui installazione Inside/Outside, realizzata site specific per gli spazi di Vico Casana ed esposta a Genova nell’ottobre 2011, accompagnerà Guidi&Schoen alla partecipazione a VoltaNY, la fiera dedicata alle ultime tendenze dell’arte contemporanea che si terrà a New York nel prossimo mese di marzo. Insieme a loro, tutti gli artisti che hanno reso questo viaggio culturale e professionale eccitante e degno di essere vissuto: Giacomo Costa, Massimo Vitali, Daniele Buetti, Olivo Barbieri, Richard Kern, Corrado Zeni, Massimiliano Zaffino, Vania Comoretti, Alex Pinna, Andrea Chiesi, Peppe Perone, Alessandro Lupi, Roberto Coda Zabetta, Karin Andersen, CorpiCrudi oltre ad una tela di Andy Warhol già esposta proprio nella mostra inaugurale. Dieci anni sono pochi per autocelebrarsi e non è questo lo scopo dell’esposizione, ma piuttosto l'occasione per cercare di capire cosa è accaduto negli anni, cosa è cambiato nelle scelte e nei gusti dei galleristi e degli artisti, per continuare con altrettanto impegno ed entusiasmo. Il giorno dell’inaugurazione verrà presentato un piccolo libro fotografico introdotto da un testo di Luca Beatrice che racconta visivamente tutte le tappe del nostro percorso attraverso le immagini degli allestimenti, delle opere, delle fiere e di tutti gli eventi che hanno scandito i dieci anni appena trascorsi. Sfogliando l'archivio per la realizzazione del libro abbiamo percorso e riscoperto ricordi che avevamo dimenticato. Speriamo possa essere divertente e stimolante anche per tutti i nostri amici (ri)vedere questa breve, ma intensa, storia. Comunicato stampa (pdf) Karin Andersen Olivo Barbieri Matteo Basilé Daniele Buetti Andrea Chiesi Roberto Coda Zabetta Vania Comoretti CORPICRUDI Giacomo Costa Richard Kern Alessandro Lupi Peppe Perone Alex Pinna Pugliese-Repetto Massimo Vitali Massimiliano Zaffino Corrado Zeni 
 
 galleria Guidi& Schoen arte contemporanea Genova
4. Cranioscopia
 
 Press Release Alberto Zanchetta. Cranioscopia 21 Febbraio 2012 - 04 Marzo 2012 Martedì 21 febbraio si inaugurerà alla galleria Rubin di Milano un progetto curatoriale di Alberto Zanchetta che si propone di indagare la genesi e le derivazioni del libro “Frenologia della vanitas” pubblicato lo scorso aprile dalla casa editrice Johan&Levi. Non quindi una semplice mostra di opere, bensì un approfondimento e un “accanimento terapeutico” che intende sondare la mente dell’autore, o più precisamente: il suo cranio. «La verità è nuda; ma sotto il nudo c’è lo scorticato». Prestando fede alle parole di Valéry, Alberto Zanchetta ha inteso emanciparsi dalla carne per ridursi a “corpo secco”, ossia all’eso-scheletro sul quale ha costruito il suo libro “Frenologia della vanitas”. Intorno al proprio saggio critico è andato elaborando un progetto che non ha un carattere meramente informativo o espositivo, bensì intende sviscerare l’optima pars dello scheletro, quel teschio che l’ha tenuto impegnato negli ultimi dieci anni della sua vita. Critico d’arte e curatore indipendente, Zanchetta è stato definito un «architetto del linguaggio curatoriale», lui però preferisce essere chiamato un «analogo patologo» (terminologia che ibrida le scienze forensi con il rapsodismo critico) come a voler testimoniare quel modus operandi con cui cercherà di refertare la propria “Frenologia”. Attraverso accostamenti inusuali, connessioni tra contemporaneità e tradizione, così come tra stili ed epoche, l’autore creerà dei tavoli di lavoro – sull’esempio dei tavoli d’obitorio – in cui saranno presentati al pubblico reperti, documenti e oggetti che integreranno l’opera saggistica; tra le varie curiosità troveranno posto una testa frenologica, il volume “Atlas of Bones and Ligaments” di Cathcart & Caird pubblicato a Londra nel 1885, cartoline o radiografie di diversa provenienza, alcune vertebre e frammenti di crani umani. Per la prima volta saranno esposti tutti i diciotto Taccuini tanatologici composti da immagini che Zanchetta ha collezionato, ritagliato e incollato su dei quaderni (realizzati durante la stesura di “Frenologia della vanitas”, ciascun taccuino ha una struttura autonoma e un’identità specifica, quasi fossero una propaggine del saggio critico, ma a differenza di quest’ultimo ogni quaderno è stato pensato come un liber mortuorum cum figures, ovvero senza parole). Appese a parete o distribuite su dei basamenti ci saranno delle opere d’arte provenienti dalla sua collezione privata, quelle stesse che gli hanno tenuto compagnia durante la lavorazione della “Frenologia”. Incisioni, xilografie e calcografie di artisti del passato (tra cui quelle di Max Klinger, Alphonse Legros, Karl Hänny, Etienne Villequin, Lorenzo Metalli e Tommaso Raggio) si mescoleranno a una selezione di autori ignoti o di artisti contemporanei (Yang Jiechang, Massimo Pulini, Andrea Chiesi, Jean-Pierre Raynaud, Nicola Samorì, Marco Fantini, Frédéric Coché, Beatrice Pasquali, Stefan Lundgren, Maurizio Carriero, Giorgio Rubbio, Juan Carlos Ceci, Vanni Cuoghi, Verter Turroni, Gionata Gesi-Ozmo, Carl Jurisković e altri ancora). Sempre attingendo alla sua collezione, Zanchetta si servirà di alcuni oggetti di design per ricreare una “vanitas contemporanea” sulla falsariga delle nature morte del XVII secolo in cui un teschio era sovente attorniato da vasi, candele e insetti che alludevano alla fugacità dell’esistenza. Nella seconda sala della galleria saranno invece esposte le opere che Luca Coser, Alex Pinna, Tommaso Ottieri, Matteo Pagani e gli Affiliati Peducci/Savini hanno espressamente realizzato per l’occasione. Mantenendosi in bilico tra la nuda documentazione e una libera [re]invenzione del materiale a sua disposizione, Alberto Zanchetta intende compiere un’indagine necroscopica – quasi una “cranioscopia sul vivente” – che possa mettere in evidenza uno stile di vita, di lavoro e di ricerca non limitabile alla lettura del libro, ma che ne sia semmai un valido complemento. 
 
 curated by Alberto zanchetta
 
 galleria Rubin Milano
5. Ombre
 
 Press Release OMBRE l’indagine dell’inafferrabile Francesco CANDELORO Enrico CASTELLANI Claudio CITTERIO Bruna ESPOSITO Emanuela FIORELLI Arianna GIORGI Yari MIELE Alex PINNA Marco TIRELLI Giuseppe UNCINI Grazia VARISCO Antonella ZAZZERA a cura di Federico Sardella Fabbri Contemporary Art, Milano 7 marzo – 21 aprile 2012 inaugurazione mercoledì 7 marzo, dalle ore 18.30 L’ombra, inafferrabile presenza ed assenza al contempo, in questa esposizione, si mostra in alcune delle sue possibili forme, ricche di misteri e di magie. I dodici artisti presenti, distanti per età e geografie, operano nei campi più disparati: pittura, scultura, fotografia, video, installazione… eppure, osservando le loro opere individuate per questa occasione sarà inevitabile rintracciare un comune denominatore che non necessita molte spiegazioni ma che chiede di essere indagato: l’ombra. Propria o portata, parte del lavoro o il lavoro stesso, solida o virtuale, bloccata in un attimo di spazio o libera di modificarsi nel tempo, ha a che fare con l’illusione, con l’oscurità, con l’inconscio e, naturalmente, con la luce. Pensata appositamente per gli spazi della galleria, questa rassegna vorrebbe svelare differenti tipologie di indagini sulla questione, dando risalto alle singole opere ed al tempo stesso proponendole in un allestimento teso a favorire il dialogo e a delineare un percorso nei luoghi delle ombre, dove il riverbero ed il miraggio si fanno palpabili… senza dimenticare che ognuno di noi è seguito da un’ombra e che, come sosteneva Giorgio De Chirico: “Ci sono più enigmi nell’ombra di un uomo che in tutto l’universo”. La mostra, gli artisti, le opere Il percorso della mostra inizia con quattro disegni inediti del 1958-59 di Enrico Castellani titolati “Ombre”: acquarelli dove attorno ad alcuni punti la pennellata dà vita ad una zona di semi oscurità, suggerendo una tridimensionalità ed una fisicità palpabile. Accanto a questi lavori sarà esposta una recente tipica “Superficie bianca” nel cui spazio convivono, si attraggono e si respingono pieno e vuoto, concavo e convesso, positivo e negativo, luci ed ombre. Quasi a voler sottolineare il potere che luci ed ombre hanno nel determinare l’illusione di una possibile tridimensionalità, accanto a Castellani sarà esposta un’opera di Marco Tirelli, una tempera su tavola dove un corpo provvisto di volume, la cui presenza descritta dal chiaroscuro si manifesta nel suo apparire, in bilico tra luce ed oscurità. Via Stoppani 15/c - 20129 Milano - T. + 39 02 91477463 – e-mail: info@fabbricontemporaryart.it Se nei lavori di questi due artisti le ombre si limitano ad abitare le opere, negli “Gnomoni” di Grazia Varisco, contribuiscono all’espansione del lavoro nello spazio e ne determinano la struttura, in grado di variare con il modificarsi della luce. Ottenuti grazie alla semplice operazione del piegare lungo il perimetro di un quadrilatero una porzione dei lati, queste sculture da parete del 1983-84, il cui nome è quello delle aste delle meridiane, vivono della loro ombra, che determina spazi ambigui in grado di dilatarsi. Quasi a volere sottolineare il peso dell’ombra, in mostra sarà presente un’importante opera di Giuseppe Uncini del 1973: “Ombra di un cubo”, concessa in prestito dalla Fondazione Marconi, Milano. In questa scultura da terra la fisicità dell’ombra viene ribadita sfacciatamente. Il costruire, il rendere visibile l’idea attraverso elementi tangibili, porta Uncini a dare solidità a quest’elemento impalpabile, non più contrario del pieno ma presenza che si manifesta per quello che è, fatta di cemento, inamovibile e fissa, senza possibilità di fuga. Un’ombra solida è anche quella che mette in scena Alex Pinna nella sua scultura “Hombre”, che si compone di una parte in corda e una in piombo. La prima restituisce l’immagine di una figura umana stilizzata e allungata, quasi arcaica, la seconda la sua ombra realizzata in piombo, carica di tutto il suo peso, dotata di corpo eppure, nonostante la pesantezza che il materiale scelto porta con sé, leggera e fugace, colta un attimo prima della sua scomparsa. Emanuela Fiorelli e Antonella Zazzera, seppur con materiali diversi, fili elastici la prima e fili di rame la seconda, disegnano strutture tridimensionali in cui il filo si dipana sino a disegnare percorsi che, grazie all’ombra, in grado di sdoppiarsi. Un’ombra propria, è quella delle opere della Zazzera, generata dalle sue strutture di luce va a sottolinearne la presenza e la precarietà. Apparentemente meno celebrata, costretta entro una teca di plexiglass, è quella di cui si occupa la Fiorelli che nell’ambito di uno spazio dato riesce a rendere l’idea di una profondità illusoria, dove l’ombra si fa portavoce di una condizione impalpabile eppure tracciata. In una saletta laterale, sarà esposto “Paradiso ora” di Arianna Giorgi: un gregge di pecorelle guarda verso la luce dove la speranza si trasforma in una macchina mortale. La sagoma dell’aereo di un kamikaze, che dona la sua vita per un’ideologia imposta e costruita col plagio in un’ottica di violenza, interrompe il raggio di luce generato da una torcia e ci rammenta che l’ombra è sempre in agguato. Il lavoro di Claudio Citterio titolato “Pupilla” si inserisce nel percorso della mostra andando a stimolare una possibile riflessione sul guardare. Uno schermo rivolto verso la parete proietta su questa ultima un’immagine tanto forte da staccarsi dalla superficie del monitor sino a frangersi sul muro, nella variazione della luce, nei mezzi toni e nell'ombra, in bilico tra vedere e non vedere, tra presenza ed assenza. Nelle opere di Francesco Candeloro, diversamente, le presenze con le quali ci troviamo ad interagire sono immagini di volti umani catturati senza gerarchie dall’obiettivo dell’artista ed incastonati in un box di plexiglass. Una disseminazione di volti che producono un echeggiare luminescente, come se il loro chiacchiericcio fosse in grado di proiettarsi al di fuori del corpo che li ha generati, dando vita ad un gioco di ombre luminose, quasi degli spettri, che risulteranno essere l’unico tocco di colore in questa mostra, le cui tonalità dominanti saranno il nero, il bianco e tutti i possibili grigi.Via Stoppani 15/c - 20129 Milano - T. + 39 02 91477463 – e-mail: info@fabbricontemporaryart.it Di Bruna Esposito sarà presente il video “Senza titolo. Dvd per la proiezione di un’ombra”, dove l’ombra di una bandiera che sventola, ripresa da una camera fissa, continua a muoversi, solitaria e sollecitata da una brezza indicibile, senza sosta, si sbraccia ostinata nel suo messaggio silenzioso. Il percorso della mostra si chiude con un grande lavoro realizzato per l’occasione da Yari Miele che da sempre si interessa a fenomeni quali la fluorescenza, la catarifrangenza e la luce in generale, presa in considerazione in tutte le sue possibili declinazioni. Nell’ultima sala, grazie all’alternarsi delle due condizioni, luce e buio risulteranno essere protagonisti della scena. Ancora una volta gli elementi primi del lavoro, che si regge su strutture ben salde dotate di forma e sostanza vivono nell’ombra e dell’ombra pur essendo spazio di luce. Scheda tecnica Sede: FABBRI Contemporary Art _ Via Stoppani, 15/C - 20129 Milano info@fabbricontemporaryart.it - ph. +39 02 91477463 - mob. + 39 348 7474286 Mostra: OMBRE l’indagine dell’inafferrabile Artisti: Francesco CANDELORO, Enrico CASTELLANI, Claudio CITTERIO Bruna ESPOSITO, Emanuela FIORELLI, Arianna GIORGI, Yari MIELE, Alex PINNA, Marco TIRELLI, Giuseppe UNCINI, Grazia VARISCO, Antonella ZAZZERA Curatore: Federico Sardella Periodo espositivo: 7 marzo – 21 aprile 2012 Inaugurazione: mercoledì 7 marzo, dalle ore 18.30 Orari: tutti i giorni dalle 15.30 alle 19.30; la mattina su appuntamento; domenica e lunedì chiuso Organizzazione e ufficio stampa: Renata Fabbri, Fabbri Contemporary Art, Milano
 
 curated by Federico Sardella
 
 galleria Fabbri contemporary art Milano
6. Adrano Ronchini: gli artisti che ho amato
 
 Press Release MOSTRA "ADRIANO RONCHINI. GLI ARTISTI CHE HO AMATO." La mostra è dedicata alla figura di Adriano Ronchini, illuminato collezionista che ha pioneristicamente introdotto l’arte di oggi in una regione come l’Umbria, fermamente rivolta per vocazione storica, alla grande arte di ieri. La sua intuizione nel riconoscere e promuovere artisti che sarebbero poi divenuti tra i più noti al mondo, lo ha portato, in un periodo estremamente fertile per l’arte, come furono gli anni ’60 e ‘70, ad avere riconoscimenti importanti nella sua poliedrica figura di talent scout, mercante, collezionista e gallerista. La sua collezione privata ha annoverato opere di artisti storici come, Alighiero Boetti, Michelangelo Pistoletto, accanto al gruppo della Nuova Scuola Romana di San Lorenzo - Pizzi Cannella, Nunzio, Gianni Dessì, Giuseppe Gallo - fino a giovani come Alex Pinna, Lucio e Peppe Perone, Matteo Basilè. Adriano Ronchini amava profondamente l'arte concettuale e l'arte povera, e fu tra i primi a scommettere su artisti come Pistoletto, Castellani, De Dominicis e altri della stessa generazione, conservandosi sensibile alle trasformazioni dell’arte contemporanea con la capacità di leggerne le sempre nuove tendenze. Adriano Ronchini è scomparso nel giugno del 2009 a Terni, lasciando al territorio un’importante eredità culturale per professionisti e amatori. Il progetto di mostra si pone l'obiettivo di ricostruire un percorso espositivo attraverso l'esposizione di opere significative degli artisti che hanno in qualche modo segnato e caratterizzato la sua passione, raccontando attraverso le opere, il rapporto di Adriano con l’arte contemporanea. Una mostra di grande importanza per la presenza di opere che hanno fatto e continuano a fare la storia dell’arte, di artisti scomparsi e viventi, italiani e internazionali, regalando un’ampia e personale visione di un’arte che grazie alla sensibilità e il coraggio avuto da Ronchini, viene oggi presentata a Terni. OPERE IN MOSTRA In mostra 50 artisti: Afro, Vincenzo Agnetti, Franco Angeli, Matteo Basilè, Domenico Bianchi, Alighiero e Boetti, Alberto Burri, Pier Paolo Calzolari, Marcello Camorani, Giuseppe Capogrossi, Enrico Castellani, Christo, Ginni Dessì, Sergio Fermariello, Lucio Fontana, Rossella Fumasoni, Giuseppe Gallo, Piero Gilardi, Fathi Hassan, Marine Hugonnier, Robin Heidi Kennedy, Jiří Kolář, Felice Levini, Marco Lodola, Sergio Lombardo, Piero Manzoni, Conrad Marca-Relli, Giuseppe Maraniello, Max Neumann, Hermann Nitsch, Nunzio, Luigi Ontani, Nam June Paik, Giulio Paolini, Pino Pascali, Franco Passalacqua, Lucio Perone, Peppe Perone, Alex Pinna, Michelangelo Pistoletto, Piero Pizzi Cannella, Emilio Prini, Mimmo Rotella, Giuseppe Santomaso, Salvatore Scarpitta, Mario Schifano, Toti Scialoja, Paolo Serra, Daniel Spoerri, Guido Strazza, Marzo Tirelli, Renzo Vespignani, Michele Zaza. Tracciano un percorso di grande valore artistico le opere degli anni sessanta e settanta, dall’arte povera, alla pop-art e all’arte concettuale, che oggi ritroviamo nelle più grandi mostre nazionali e internazionali, nei Musei e nelle gallerie più importanti e in ogni libro di storia e critica dell’arte. La mostra darà la possibilità di conoscere a fondo la storia di Adriano Ronchini, anche attraverso testimonianze di artisti, collezionisti e galleristi a lui vicini negli anni, grazie ai quali ascolteremo una storia dell’arte unica, originale e utile a tutti noi. “Gli artisti che ho amato” è un progetto promosso dal Comune di Terni e dal CAOS Centro Arti Opificio Siri (che, dopo le due grandi mostre dedicate a Piermatteo D'Amelia e Giulio Turcato, si pone sempre di più come nuovo centro espositivo di riferimento nel centro Italia) con il contributo della Regione Umbria e della Fondazione della Cassa di Risparmio di Terni e Narni. La cura della mostra sarà affidata al curatore Marco Meneguzzo in collaborazione con la famiglia Ronchini e l'organizzazione al CAOS che, con Civita Servizi, vanta un'esperienza specifica nell'organizzazione di mostre d'arte e con Indisciplinarte una particolare attenzione al tema della contemporaneità in Umbria. La mostra sarà inoltre accompagnata dalla pubblicazione di un catalogo e di un percorso di laboratori per ragazzi. Orari di apertura al pubblico: martedì-domenica 10.00 - 13.00 / 16.00 - 19.00, lunedì chiuso Per ulteriori informazioni: +39 0744 285946 info@caos.museum
 
 curated by Marco Meneguzzo
 
 Caos, centro arti opificio siri Terni
7. +50 sculture in citta tra memoria -1962- e presente -2012-
 
 Press Release +50 SCULTURE IN CITTÀ TRA MEMORIA (1962) E PRESENTE (2012) a cura di Gianluca Marziani SPOLETO dal 23 giugno al 28 ottobre 2012 A cinquant’anni dalla grande mostra Sculture nella città, curata nel 1962 da Giovanni Carandente, il Comune di Spoleto celebra la scultura contemporanea attraverso le opere di una cinquantina di artisti italiani che si dislocheranno tra Palazzo Collicola Arti Visive e vari luoghi della città. Dentro Palazzo Collicola ci saranno tre grandi mostre personali, diversi progetti speciali, oltre al nuovissimo Collicolab (spazio aperto a giovani artisti, associazioni culturali, fondazioni, realtà individuali). Per le vie di Spoleto, in altri musei e sedi istituzionali si svilupperanno tre mappature: una prima di carattere storico (che prenderà forma il prossimo autunno grazie a una serie di totem che testimonieranno, attraverso immagini fotografiche del 1962, la collocazione delle opere della prima mostra); una seconda, sempre di carattere storico, dedicata al riposizionamento di alcune opere del 1962 nei luoghi d'origine (Consagra e Pomodoro in particolare), oltre alla creazione di un archivio coi materiali storici del progetto; una terza di taglio contemporaneo in cui decine di artisti collocheranno le loro opere scultoree nei luoghi più affascinanti della Spoleto storica.
 
 curated by Gianluca Marziani
 
 Palazzo Collicola e centro storico Spoleto
2011
1. Su nero nero - over black black
 
 Press Release 11/09/2011 - 13/11/2011 SU NERO NERO OVER BLACK BLACK A cura di Franz Paludetto Testi di Marisa Vescovo, Alessandro Carrer, Diletta Benedetto, Ugo Castagnotto, Daniela Berta Marco Tirelli, Katharina Fritsch, Francesco Sena, Nunzio, Jessica Carroll, Paolo Grassino, Luigi Mainolfi, Hermann Nitsch, Andreas Exner, Giuseppe Salvatori, Hermann Pitz, Claudia Rogge, Gregorio Botta, Alicja Kwade, Elvio Chiricozzi, Nicola Carrino, Nino Migliori, Mattia Biagi, Luigi Stoisa, Adrian Tranquilli, Paolo Leonardo, Fabio Viale, Velasco Vitali, Stefan Alber, Maura Banfo, Franco Rasma, Santolo De Luca, Rodolfo Fiorenza, Salvatore Astore, Simone Bergantini, Titti Garelli, Gregor Hildebrandt, Simona Galeotti, Annamaria Gelmi, Oreste Casalini, Alessandro Gioiello, Maurizio Taioli, Jill Mathis, Sergio Ragalzi, Daniela Perego, Saverio Todaro, Arash Radpour, Roberto Pietrosanti, Claudio Rotta Loria, Diamante Faraldo, Alessandro Bulgini, Kolkoz, Eraldo Taliano, Paola Binante, Eduardo Basualdo, Alessandro Giorgi, Vittorio Ranghino, Luca Sacchetti, Marcello De Angelis, Carlo D’Oria, Plinio Martelli, Ferdi Giardini, Roberta Verteramo, Opiemme, Enzo Bodinizzo, Wiebke Siem, Cristiano Piccinelli, Maurizio Vetrugno, Turi Rapisarda, Alfredo Aceto, Michelangelo Castagnotto, Gino Sabatini Odoardi, Riccardo Giordano, Sarah Ledda, Felice Levini, Luciano Massari, Lucia Nazzaro, Nicus Lucà, Carlo Guaita, Dario Neira, Gianni Politi, Alex Pinna, Paolo Parisi, Valerio Tedeschi, Thomas Grandi Nella sezione VIDEO, curata da Giovanni Viceconte: Luca Christian Mander, Dario Lazzaretto, Jacopo Jenna, Luca Matti, Devis Venturelli, Marina Paris, Claudia Gambadoro, Marco Lamanna, Fred Ernesto Maida, Annamaria Di Giacomo Nella sezione DESIGN, curata da Roberto Maria Clemente + yet | matilde: Timothy John (Nuova Zelanda), mnmur (Italia), Setyendra Pakhalè (Germania), Studio Nucleo (Italia), Pepe Heykoop (Olanda), Stéphane Villard & Gaëlle Gabillet (Francia), Bragia (Italia), Studio Nucleo (Italia) “Athena was black if you look back”. Almamegretta. Il Castello di Rivara - Centro d'Arte Contemporanea apre la stagione espositiva autunnale con una grande mostra collettiva: pittura, scultura, fotografia, video e design; artisti nazionali e internazionali, storici e contemporanei. Una composizione di voci soliste, punti di vista e sguardi critici. Su nero nero, pieno su pieno. Nero come fosse un materiale, una filosofia, una professione di fede. Nero come tratto di una generazione, nero come un distintivo sociale, nero e un pezzo di storia. Storia nostra. Nero come il buco di Ground Zero, nero e un decennale funesto. Un attraversamento, un passaggio di trasformazione. Nero come una forma di narrazione, il racconto di un precipitare nel fondo, in caduta libera. E poi risalire: nero come una resurrezione. Come una colpa; sulla colpa l'espiazione. Nero e l'idea di una ricognizione, del distillato, goccia su goccia, di una storia vissuta, percorsa, digerita. Senza fretta. Una storia e un modo per raccontarla. Attraverso gli occhi di Franz Paludetto. D.B.
 
 curated by Franz Paludetto
 
 Castello di Rivara, centro d'arte contemporanea Rivara, Torino
2. 26 Biennale internazionale dell'umorismo nell'arte. Tra il sublime e l'idiota. L'umorismo nell'arte contemporanea italiana
 
 curated by Luca Beatrice
 
 palazzo Parisani Bezzi Tolentino
3. What?"
 
 Press Release comunicato stampa WHAT? inaugurazione:15 settembre 2011 ore 18.00 vernissage: 16 , 17, 18 settembre 2011 periodo: dal 15 settembre al 31 ottobre 2011 sede: via ventura 6, milano orari: lunedì – sabato: 15.00- 19.30 info: tel. +39 02 365 268 09 – fax +39 02 365 955 27 milano@mimmoscognamiglio.com Mimmo Scognamiglio Artecontemporanea inaugura il suo nuovo spazio espositivo in Via Ventura 6 a Milano, con una mostra collettiva dal titolo WHAT?, durante i giorni di inaugurazioni delle gallerie milanesi, coordinate da START. Dopo alcuni anni di permanenza nella sede in Corso di Porta Nuova 46/b a Milano, Mimmo Scognamiglio sceglie di posizionarsi in uno dei quartieri più attivi nell’arte contemporanea e nel design a Milano. Lo stabile è stato ricavato da un ex complesso industriale della Hyundai, restaurato a partire dal 2006, spazio che mantiene intatte alcune peculiarità costruttive dell’edificio originario, come la struttura esterna a capannone, gli ampi spazi e l’altezza dei soffitti. Nella nuova galleria, articolata su due piani, con murature in cemento armato e ampi finestroni che illuminano le pareti bianche, viene presentata una grande mostra con opere di 26 artisti, sia giovani che di fama internazionale, con i quali il gallerista ha lavorato fin dai primi anni di attività nella città di Napoli e con i quali svilupperà nuovi progetti. Con il titolo della mostra WHAT? Scognamiglio vuole porre alcuni interrogativi su quale è stato il percorso artistico della galleria, le tendenze emerse negli anni e su quali potrebbero essere i progetti futuri, nonchè su quale sia il ruolo e il significato dell’arte contemporanea nel mondo attuale. L’esposizione attua un confronto tra artisti di diverse generazioni, nazionalità, che operano con media e tecniche differenti, le cui opere in questo contesto sono messe in dialogo tra di loro e con lo spazio circostante. La mostra include autori come Franco Rasma, Jaume Plensa, Mimmo Paladino e Philippe Perrin, con cui il gallerista ha collaborato sin dall’apertura del primo spazio espositivo “Scognamiglio e Teano”, inaugurato nel 1995 nella cità di Napoli, altri come Max Neumann, Lucio e Peppe Perone, Alex Pinna e Adrian Tranquilli, dei quali ha organizzato delle mostre personali nella galleria “Mimmo Scognamiglio Artecontemporanea”, così nominata a partire dal 2000. Include inoltre artisti presenti nelle più recenti esperienze della galleria milanese e napoletana tra i quali Maddalena Ambrosio, Jason Martin, Spencer Tunick, Nicola Villa, Daniel Canogar e Giovanni Manfredini. Artisti presenti in mostra: Maddalena Ambrosio, Alfonso Cannavacciuolo, Daniel Canogar, Filippo Ciavoli, Tom Gallant, Ximena Garrido-Lecca, Piero Gatto, Marcus Harvey, Sanam Khatibi, Jörg Lozek, Giovanni Manfredini, Jason Martin, Ryan Mendoza, Whitney McVeigh, Miquel Navarro, Max Neumann, Mimmo Paladino, Lucio Perone, Peppe Perone, Philippe Perrin, Alex Pinna, Jaume Plensa, Franco Rasma, Adrian Tranquilli, Spencer Tunick, Gavin Turk, Nicola Villa.
 
 galleria Mimmo Scognamiglio artecontemporanea Milano
4. Le scosse dell'arte
 
 Press Release LE SCOSSE DELL’ARTE per riabitare e guarire a cura di Martina Sconci Inaugurazione della nuova sede 6 novembre 2011 dalle 12,00 fino a tarda sera via Ficara Piazza d’Arti L’Aquila Il 6 novembre 2011, a partire dalle ore 12,00, il MU.SP.A.C. Museo Sperimentale d’Arte Contemporanea, inaugura gli spazi della nuova sede in via Ficara Piazza d’Arti all’Aquila, con una serie d’iniziative che si svolgeranno durante tutta la giornata. Nato nel 1993 come organo strumentale dell’Associazione Culturale “Quarto di Santa Giusta” (fondata nel 1984), il MUSPAC svolgeva l’attività artistica e culturale nel Centro Storico della città, in via Paganica 17. Scopo fondamentale è sempre stato quello di considerare l’arte come una pratica di esperienza globale, un processo totalizzante che serve alla rigenerazione e liberazione degli uomini dalle costrizioni della società. Praticando questa idea di arte totale, sono stati coinvolti in molte manifestazioni artisti e studiosi di varie discipline, con cui è stato possibile attraversare vari territori culturali, nella consapevolezza che sia proprio l'arte a consentire lo sviluppo della struttura dinamica dell'intera conoscenza. Fu in via Crispomonti 49 che iniziarono i primi incontri sulla cultura materiale in Abruzzo (curati dall’antropologo Tito Spini), i famosi cicli di conferenze sulla Storia della città (tenute dal Prof. Raffaele Colapietra) e quelle del Prof. Ferdinando Bologna sulla “Fontana delle 99 Cannelle”. Di altissimo livello furono le mostre su Joseph Beuys, su Sylvano Bussotti e su Carmelo Bene, e di altrettanta importanza le mostre “Ad Usum Fabricae” e “Annuale 2000. Lo scandalo dello spirito” dedicata a Celestino V. Quest’ultima richiamò all’Aquila moltissimi artisti d’avanguardia come M. Pistoletto, J. Kounellis, G. Chiari, V. Pisani, L.Fabro e altri protagonisti dell’Arte Povera e Concettuale come Joseph Kosuth, Fabio Mauri e Luca Maria Patella, che realizzarono rispettivamente per L’Aquila le opere “Vita et Miracula” , “Una storia moderna” e “Vas Caelestinus V”. In seguito, nella sede dell’ex monastero di S.Maria dei Raccomandati e poi in quella di Via Paganica 17, numerose sono state le iniziative riguardanti i vari campi del sapere e numerose erano le persone che visitavano ogni giorno il MU.SP.A.C., diventato un polo culturale importante per la città. Purtroppo il terremoto del sei aprile 2009 ha reso completamente inagibile la sede del museo, danneggiando molte opere di artisti di rilievo internazionale della collezione permanente, oltre a computer, multimediateca e banca dati. Grazie al sostegno di molti, tra cui la Terna s.p.a., il Museo delle Genti d’Abruzzo di Pescara, la Fondazione Carispaq, la Regione Abruzzo, la Protezione Civile (che ha fornito le piattaforme) e il Comune dell’Aquila (che ci ha concesso il terreno), oggi il MUSPAC riapre in una Piazza dove si trovano altre diciotto Associazioni impegnate nella cultura e nel sociale. Grazie a donazioni da parte di case editrici, fondazioni, musei, associazioni e artisti, è stato possibile ricostituire una biblioteca, ancora in fase di ampliamento. La nuova sede, con una pianta a croce greca, simbolo di simmetria perfetta e citazione del motivo ornamentale della facciata della Basilica di Collemaggio, servirà ancora una volta a stabilire l’incontro tra il dentro e il fuori, in modo da ricucire relazioni fondamentali con la collettività. “Le Scosse dell’Arte per riabitare e guarire” è il titolo della mostra, a cura di Martina Sconci, che aprirà i nuovi spazi al pubblico e in cui saranno esposte le prime opere che molti artisti di rilievo internazionale hanno donato per la ricostituzione della collezione permanente del museo, a partire dalla Scuola Romana fino ad arrivare alla nuove generazioni. Le parole “riabitare” e “guarire” sono fra loro strettamente collegate: abitare è qualcosa di più che avere un tetto sulla testa, significa “aver cura” e saper affrontare con spirito nuovo la riconquista di un luogo, che in questo caso è la nostra città, il nostro centro storico, inteso come una grande casa, come una grande opera d’arte. E’ necessario pensare alla ferita collettiva del terremoto come a una cesura, un taglio da rimarginare, un punto fermo da cui poter ricominciare con un nuovo sguardo, un’altra prospettiva. La condizione del Terrae Motus deve servire a tenerci svegli, a non pensare all’arte solo come a un momento consolatorio o puramente decorativo, ma come a una proposta di nuove idee, di nuovi progetti, di nuove “messe in scena”, perché solo attraverso le energie vitali dell’arte possiamo ri-abitare con spirito nuovo la città. Tra gli artisti in mostra: Marco Appicciafuoco, Francesco Arena, Claudio Asquini, Jacopo Benci, Alessandro Cannistrà, Gea Casolaro, Laura Cionci, Francesca De Rubeis, Marcello Di Donato, Stanislao Di Giugno, Bruna Esposito, Stefania Fabrizi, Rosa Foschi, Giuseppe Gallo, Armando Gioia, Teresa Iaria, Monticelli & Pagone, Giovanni Mostarda, Franco Mulas, Daniela Perego, Luana Perilli, Giuseppe Pietroniro, Roberto Pietrosanti, Alex Pinna, Marco Raparelli, Tobia Ravà, Cloti Ricciardi, Alessandro Sarra, Mario Sasso, Ale Senso, Alice Schivardi, Donatella Spaziani, Giuseppe Stampone, Silvia Stucky, Alberto Timossi, Marco Tirelli. Per dare continuità ai nostri ventisette anni di attività, per tutta la durata della mostra, ma anche in seguito, continueremo a organizzare eventi d’arte, conferenze, presentazioni di libri, laboratori didattici, lezioni di storia dell’arte, cicli di proiezioni di film, documentari e video d’arte legati alla ricostruzione dell’Aquila, coinvolgendo tutte le Associazioni e le Istituzioni pubbliche e private, perché solo attraverso l’impegno culturale si può trovare una soluzione per la rinascita della città. Con spirito nuovo continueremo a usare la simbolica chiave del nostro logo per riaprire la porta del MUSPAC a tutti coloro che vorranno stabilire un dialogo proficuo con noi, agli amici che ci hanno aiutato e agli artisti che hanno donato le loro opere. Lavoreremo con loro in prospettiva, per il futuro della città dell’Aquila e per ritrovare quel luogo radunante dell’arte dove “tutte le cose appaiono nel loro limpido splendore”, dove tutte le forze spirituali si concentrano. Programma della giornata: ore 12,00 Inaugurazione ufficiale della nuova sede con la presenza delle autorità e dei rappresentanti degli enti e delle associazioni che hanno sostenuto il MUSPAC per la ricostruzione della nuova sede. Hanno già assicurato la loro presenza iI Sindaco dell’Aquila On. Massimo Cialente, l’Assessore alla Cultura del Comune dell’Aquila Stefania Pezzopane, il Dirigente del Servizio Politiche Culturali della Regione Abruzzo Avv. Paola Di Salvatore, Francesco Carderi (Branding, Eventi ed Immagini Terna S.p.A.), Il Presidente della Fondazione Carispaq Dott. Roberto Marotta, la Dott.ssa Paola Marchegiani, il Presidente del Museo delle Genti d’Abruzzo Giulio De Collibus. ore 13,30 Aperitivo d’arte. ore 15,00 Lavori in corso: primi contributi e confronto aperto di idee per la rinascita artistica e culturale della città dell’Aquila. Tavola rotonda con critici, artisti, professori dell’Università dell’Aquila e dell’Accademia di Belle Arti, rappresentanti delle Associazioni di Piazza d’Arti, operatori culturali e rappresentanti delle istituzioni. Sarà presente l’antropologo Tito Spini, che ha dato un rilevante contributo per la conoscenza del territorio abruzzese. ore 16,00 presentazione del volume “1984-2009 Associazione Culturale “Quarto di Santa Giusta” - MUSPAC” (Edizioni MUSPAC). Proiezioni dei video riguardanti i 27 anni di attività. ore 17,00 inaugurazione della mostra “Le Scosse dell’arte, per riabitare e guarire”, a cura di Martina Sconci, con la presenza del critico d’arte Franco Speroni e degli artisti presenti in mostra. ore 18,00 intervento musicale a cura dell’Associazione “I Solisti Aquilani”. ore 20,00 proiezioni di documentari e video sulla città dell’Aquila, a cura di giovani film-makers aquilani ore 22,00 jam session in Piazza d’Arti Ulteriori informazioni sul programma verranno fornite in seguito. Ufficio stampa: Irene D’Orazio - Segreteria organizzativa: Simona Santagati - Grafica: Arianna Troiani, Fabio Campoli La mostra è aperta dal 6 novembre al 10 dicembre 2011- Orari: da martedì a domenica 10,00/14,00 e 16,00/20,00 ________________________________________________________________________ Via Ficara, Piazza d’Arti, L’Aquila – www.museomuspac.com - museosperimentale@libero.it - tel: +39 338 2374725 /+39 349 6365670
 
 collezione permanente, curated by Martina Sconci
 
 MU.SP.A.C. Museo Sperimentale d'Arte Contemporanea L'Aquila
2010
1. ShContemporary 10
 
 with Fu Xin gallery contemporary art, Shanghai
 
 Shanghai exhibition center Shanghai, China
2. 7 biennale internazionale di scultura regione Piemonte, premio Umberto Mastroianni
 
 ex chiesa Santa Croce Beinsaco, Torino
3. LA SCULTURA ITALIANA DEL XXI SECOLO
 
 Press Release ALLA FONDAZIONE ARNALDO POMODORO DI MILANO DAL 20 OTTOBRE 2010 AL 30 GENNAIO 2011 LA MOSTRA LA SCULTURA ITALIANA DEL XXI SECOLO L’esposizione, attraverso le opere di 80 artisti da Nunzio a Dessì, da Cattelan ad Arienti, da Beecroft a Pinna, da Demetz a Simeti, si propone di analizzare le ultime tendenze italiane nel campo delle discipline plastiche. A distanza di 5 anni dalla mostra sulla scultura italiana del XX secolo che inaugurava la nuova sede della Fondazione Arnaldo Pomodoro di Milano, gli spazi di via Solari 35 ospiteranno, dal 20 ottobre 2010 al 30 gennaio 2011, un’esposizione che traccia un primo bilancio delle ultime tendenze italiane nel campo delle discipline plastiche. Curata da Marco Meneguzzo, La scultura italiana del XXI secolo - tale è l’ambizioso titolo dell’iniziativa - presenterà le opere di 80 artisti, tutti nati nella seconda metà del secolo scorso, dagli ormai storicizzati Nunzio e Dessì, agli esponenti delle generazioni più recenti, quali Cattelan, Bartolini, Dynys, Esposito, Arienti, Moro, Beecroft, a quelle ancora più giovani, con Pinna, Sissi, Demetz, fino alle ultimissime come Sassolino, Simeti, Previdi, Gennari che verificheranno di quanto siano mutati i confini linguistici della scultura e se questi esistano ancora. L’esposizione, che si pone in linea di ideale continuità con quella del settembre 2005, testimonierà delle più diverse espressioni di quella che si potrebbe configurare come “la nuova tendenza della scultura”, oggi la disciplina più difficile da definire: i linguaggi si sono definitivamente ibridati, i codici tradizionali sono stati rapidamente abbandonati negli ultimi trent’anni, e quella che era la disciplina artistica più “certa” nelle definizioni è divenuta di fatto la più incerta. Infatti, la scultura oggi rientra nel campo del transitorio tanto che quella pretesa di durata, segnata dall’uso di materiali quasi eterni come il bronzo e il marmo, rischia di essere percepita come anacronistica non solo dall’artista, ma anche dal suo pubblico. Come afferma il curatore nel suo testo in catalogo, “Quando, cinque anni fa, esponemmo in questi stessi spazi La scultura italiana del XX secolo l’omogeneità disciplinare aveva ancora il colore e la consistenza del bronzo e del marmo, e ciò che vi si discostava appariva ancora come un succedaneo, un’imitazione di quelli; oggi, la presenza di quei materiali in una mostra, che è prima di tutto coloratissima e “morbida”, assume immediatamente i connotati della citazione. Certo, non è la qualità cromatica o tattile, per quanto così diversa, a poter determinare la domanda sull’esistenza in vita della scultura come disciplina a sé (dopotutto tutta la scultura antica era coloratissima), ma d’altro canto il confronto tra quello che è un “prima” e un “adesso” deve pur iniziare da qualcosa, e iniziare dall’evidenza è comunque una buona norma”. Tentare una nuova definizione? Accettare tutto indiscriminatamente? Far dissolvere la scultura nelle cosiddette “installazioni” o addirittura nell’architettura? Questa la sfida lanciata con questa mostra dalla Fondazione, che nei suoi primi cinque anni di attività si è caratterizzata proprio per l’opera di diffusione e di ricerca internazionale sulla scultura, nelle sue accezioni storiche ma anche più contemporanee. Questa è la linea programmatica in cui s’inserisce l’evento, con l’intento critico, scientifico e storico di sostenere la produzione artistica italiana, facendola conoscere internazionalmente, con artisti che appartengono alle tendenze più diverse, senza preclusioni se non quelle della qualità e del curriculum di ciascun artista, anche se giovanissimo. Accompagnerà la mostra un catalogo bilingue - italiano e inglese - edito dalla Fondazione Arnaldo Pomodoro. Elenco degli artisti: Adalberto Abbate, Mario Airò, Francesco Arena, Stefano Arienti, Rosa Barba, Massimo Bartolini, Vanessa Beecroft, Carlo Bernardini, Bertozzi & Casoni, Nicola Bolla, Corrado Bonomi, Monica Bonvicini, Enrica Borghi, Paolo Brenzini, Bros, Pierluigi Calignano, Paolo Canevari, Gianni Caravaggio, Letizia Cariello, Alice Cattaneo, Maurizio Cattelan, Umberto Cavenago, Loris Cecchini, Fabrizio Corneli, Vittorio Corsini, Salvatore Cuschera, Paolo Delle Monache, Gehard Demetz, Gianni Dessì, Chiara Dynys, Bruna Esposito, David Fagioli, Diamante Faraldo, Lara Favaretto, Flavio Favelli, Giuseppe Gabellone, Michelangelo Galliani, Anna Galtarossa, Francesco Gennari, Dario Ghibaudo, Eugenio Giliberti, Patrizia Maïmouna Guerresi, Massimo Kaufmann, Filippo La Vaccara, Marco Lodola, Claudia Losi, Carla Mattii, Sabrina Mezzaqui, Liliana Moro, Nunzio, Adrian Paci, Luca Pancrazzi, Perino & Vele, Diego Perrone, Alessandro Piangiamore, Alex Pinna, Paolo Piscitelli, Paola Pivi, Luca Pozzi, Riccardo Previdi, Simone Racheli, Annie Ratti, Laura Renna, Antonio Riello, Giovanni Rizzoli, Milo Sacchi, Andrea Sala, Arcangelo Sassolino, Maurizio Savini, Francesco Simeti, Sissi, Luca Trevisani, Patrick Tuttofuoco, Nico Vascellari, Vedovamazzei, Fabio Viale, Vitali Velasco, Antonella Zazzera. Milano, ottobre 2010 LA SCULTURA ITALIANA DEL XXI SECOLO Milano, Fondazione Arnaldo Pomodoro (Via Andrea Solari 35) 20 ottobre 2010 – 30 gennaio 2011 Orari: mercoledì-domenica ore 11-19; giovedì ore 11-22 Biglietti: 8 Euro intero, 5 Euro ridotto; Ingresso gratuito ogni seconda domenica del mese. Catalogo: bilingue (italiano e inglese) edizioni Fondazione Arnaldo Pomodoro La Fondazione Arnaldo Pomodoro ringrazia il partner UniCredit con cui nel tempo ha costruito un legame duraturo e proficuo basato su un comune sentire che sostiene l’innovazione e la creatività. UniCredit è da tempo impegnato in ambito culturale e numerose sono le attività intraprese con importanti istituzioni, tra cui spicca la Fondazione Arnaldo Pomodoro, per la valorizzazione del patrimonio artistico contemporaneo, a cui si unisce una forte attenzione verso l’opera di giovani artisti. Info: Fondazione Arnaldo Pomodoro - tel. 02.89075394 www.fondazionearnaldopomodoro.it c.montebello@fondazionearnaldopomodoro.it Ufficio Stampa CLP Relazioni Pubbliche Tel. 02.433403 - 02.36571438 - fax 02.4813841 press@clponline.it 
 
 curated by Marco Meneguzzo
 
 Fondazione Arnaldo Pomodoro Milano
2009
1. Pinocchio e il peccato originale
 
 curated by Cristina Trivellin
 
 Mya Lurgo Gallery Lugano, Svizzera
2. Il ritmo delle ossessioni
 
 galleria San Salvatore Art Project Modena
3. Campolungo (l’orizzonte sensibile del contemporano)”
 
 Press Release Comunicato stampa CAMPOLUNGO L’orizzonte sensibile del Contemporaneo 15 settembre – 10 ottobre 2009 Inaugurazione: martedì 15 settembre, ore 18.00 Complesso del Vittoriano, Roma Martedì 15 settembre inaugura a Roma, presso il complesso del Vittoriano, la mostra CAMPOLUNGO. L’orizzonte sensibile del Contemporaneo. L’esposizione, che sarà aperta al pubblico fino al 10 ottobre 2009, è a cura di Vittoria Coen e raccoglie più di cinquanta opere di undici artisti, italiani e israeliani, che testimoniano le tendenze artistiche delle generazioni nate tra gli anni Sessanta e gli anni Ottanta: Valerio Berruti, Enrico T. De Paris, Shay Frisch, Federico Guida, Riccardo Gusmaroli, Min Jung Kim, Francesco Lauretta, Domingo Milella, Barbara Nahmad, Sharon Pazner e Alex Pinna. Il titolo della mostra è riferito proprio all’espressione tecnica “campo lungo”, che si usa per un certo tipo di inquadratura cinematografica. Questa esposizione, che nasce da un’idea di Vittoria Coen e del gallerista Ermanno Tedeschi, esprime la distanza - e nello stesso tempo il luogo - in cui si concentrano le attenzioni degli artisti selezionati. Il “campo lungo” ci permette di vedere esposti in mostra matita e pennello, olio e acrilico, rette e curve non più fieramente avverse, carta, tela, metalli, materiali che sfidano il tempo in dipinti, installazioni, sculture, fotografie e video. Alcune di queste opere sono state realizzate appositamente per l’evento, le altre provengono da importanti collezioni private. La mostra ha il patrocinio del Ministero dei Beni Culturali, Regione Lazio, Provincia di Roma e Comune di Roma. Valerio Berruti (Alba, 1977) propone un micro mondo disegnato, costruito organicamente e visivamente aperto. L’ordine, che dominava nelle sue opere precedentemente, si è rotto, portando una novità rispetto al piccolo mondo antico dei bambini “perbene” a cui Berruti ci aveva abituato. Queste creature esprimono una personalità appena abbozzata, ma già fornita di elementi da leggersi come segni di un futuro che, appunto, scorre. In una espressione, “la semplicità della complessità”, Enrico T. De Paris (Belluno, 1960) sintetizza il suo percorso, fatto di contaminazioni stilistiche e di materiali, pittura, metalli, scultura, installazione, ready made, che si concentra sul rapporto tra ricerca artistica e ricerca scientifica. De Paris vuole forse dirci che tutti i molteplici aspetti della conoscenza devono essere osservati e analizzati per comprendere le complessità del nostro vivere, e lo fa dando al suo lavoro una suggestione ludica del tutto personale. La sua “disperata ironia” si esprime in Genesis e Flussi, serie di installazioni con vetri soffiati dove vivono piccoli uomini e piccoli animali, in mezzo a luci e simulazioni del DNA, microcosmi paralleli che affollano le sue creazioni o nel grande polittico Good News, composto da centoventi piccole tele. Per Shay Frisch (Israele, 1963) il punto nodale delle sue esperienze estetiche è la luce, con la quale elabora un linguaggio personale nella combinazione e nella contaminazione degli elementi. Quello che a prima vista potrebbe sembrare un ready made, in realtà è il risultato finale di un processo complesso di combinazioni. Prese e lampadine diventano protagoniste dello spazio: in Superficie assemblata 4616 B (2007), ad esempio, Frisch elabora un assemblaggio come a voler creare un monocromo in rilievo. Si ispirano alle favole di Fedro i cinque ritratti animali presentati da Federico Guida (Milano, 1969), che sviluppa un percorso individuale attraverso una mirabile tecnica pittorica. Dai pugili, ai ritratti di fotomodelli invecchiati, a quelli infantili e infine, agli autoritratti, è proprio attraverso questa messa a fuoco della “sembianza” che l’artista svolge la sua ricerca e scandaglia l’animo umano. Guida si serve di un linguaggio pittorico al limite del verismo, le sue figure suggeriscono una profondità grazie proprio al gusto per il particolare, per la narrazione estetica attraverso un cromatismo fatto di chiaro scuri potenti, di contrasti cromatici avventurosi. Nella evidente fisicità dei suoi protagonisti, Guida ci costringe ad una comunicazione diretta e immediata con l’opera. Negli acrilici di grande formato di Riccardo Gusmaroli (Verona, 1963) si dispiegano motivi formali, perfettamente regolari, dai quali si libra un mondo di magica libertà fantastica, retta da cadenze ora uniformi e complementari, ora assolutamente libere e irripetibili. Nei suoi lavori c’è anche un aspetto ludico che vola sulla leggerezza, dato dall’alchimia dei colori delle opere, che provocano una piacevole perdita di orientamento, forse soltanto apparente. Min Jung Kim (Gwangju, Corea, 1962) conduce una sua personalissima ricerca attraverso l’analisi del segno e del colore, grazie anche allo studio della calligrafia. L’universo dell’artista è un vortice di calibrate ed eleganti tonalità cromatiche, che creano toni contrastanti accanto a impercettibili sfumature di monocromi. La sua è una pittura concettuale, realizzata attraverso un intrigante uso della carta, che utilizzata in molteplici strati e sovrapposizioni, dopo un sottile gioco di combustione suggerisce una forma tridimensionale che porta lo sguardo ad entrare dentro l’opera. Alla frammentazione e alla scomposizione, effetti derivati da una visione ravvicinata dell’opera, si contrappone una suggestione di generale compattezza della materia e della forma, se si guarda il lavoro da lontano. Le immagini di Francesco Lauretta (Ispica, 1964), così forti e così nitide, senza contare i soggetti più diversi e i titoli spiazzanti – come il dipinto ad olio Les Demoiselles d', che ritrae il riposo di un gruppo di contadini - sono amplificate nei colori, nel segno e nelle suggestioni visive che provocano nell’osservatore. Quello che noi vediamo nelle quattro scene esposte in mostra di Lauretta, fatte di mille particolari che si scoprono a poco a poco, è l’immagine nell’immagine. È più interessante guardare il mondo da una certa distanza, possibilmente dall’alto, per poter “riconoscere” meglio, di certi luoghi, le atmosfere, le suggestioni, ed anche le contraddizioni. Domingo Milella (Bari, 1981) rappresenta nelle sue fotografie paesaggi naturali e paesaggi urbani, che si intrecciano ad abusi edilizi e all’incuria dell’uomo. La distanza permette al soggetto di mostrarsi in tutte le sue componenti: sembra a volte di sentire i rumori, gli odori di questi luoghi diversi fra loro, ma che vengono presi in esame da un sentimento che li accomuna, la curiosità di vedere oltre ciò che appare. In un attimo la fotografia deve essere in grado di dire tutto, questa una delle sue caratteristiche principali. Barbara Nahmad (Milano, 1967) propone frammenti di storia recente. L’artista lavora, infatti, su volti noti, che nei suoi dipinti ad olio e smalto su tela di grande formato acquistano una familiarità diversa, nata da una focalizzazione del tutto personale. Che cosa mette insieme, per esempio, un giovane Dalai Lama, una matura Maria Callas, un giovane Robert Kennedy all’apice della sua carriera? Barbara Nahmad possiede lo sguardo del reporter - lo sappiamo dalle sue esperienze stilistiche precedenti – ma ora i suoi interessi sono volti più a rivelare che a descrivere, come nell’inedito Fiat Nova, che rappresenta Sergio Marchionne. A Sharon Pazner (Tel Aviv, Israele, 1970) non servono né grandi spazi, né grandi forme, le basta l’idea della forma per realizzare con estrema semplicità e raffinatezza le sue grandi installazioni, come Fishing (2009), creata appositamente per CAMPOLUNGO. L’insistita dimensione geometrica e la regolarità del tracciato non escludono altre presenze, più leggere, come la carta o un intrico di chiavi che non saranno mai in grado di aprire alcunché. Le situazioni che Pazner crea non costringono ad alcun modello interpretativo obbligato, parlano da sole, col solo strumento del vedere. E tutto ciò che vediamo acquista un senso diverso se lo pensiamo come una rappresentazione virtuale. La misura in cui Alex Pinna (Imperia, 1967) si ritrova meglio è certamente la dismisura, che non significa esasperazione o eccesso. Il rigore formale e l’essenzialità sono le coordinate principali delle sue sculture, che amano sfidare la vertigine e il paradosso, come nel caso di 2con o di Punte, entrambe grandi opere in bronzo patinato. La soggettività acrobatica di Pinna si legge nel disegno, è scultura disegnata, nata su un foglio, e portata fino al punto estremo di sopravvivenza fisica, come se a dirigere l’operazione non fossero gli strumenti dello scultore ma l’immaginazione del disegnatore. “Si va sviluppando una diversa coscienza interna nel processo artistico: una cura particolare si esercita, un’azione attenta è rivolta ai materiali, ai soggetti e l’arte moltiplica i suoi linguaggi. La pittura in particolare riacquista i suoi diritti, si riappropria di tutto ciò che alcuni consideravano trapassato. Gli artisti stanno ricominciando a raccontare, accettano di essere letti secondo la loro propria grammatica, ne facilitano spesso la comprensione fornendo segnali sulle loro pratiche creative, sulla loro progettualità, sulle loro motivazioni. Si fa strada, nonostante tutto, un’atmosfera più riflessiva” – dice Vittoria Coen – “Che lo si voglia o no, nel suo campo, l’artista fa i conti con se stesso, anche quando sembra che stia alla finestra, curioso e onnivoro, o deluso e scettico. E i toni del lavoro riflettono, in questo senso, quella che chiamiamo dialettica di contrari. Si tratta di atteggiamenti, di affinità o di contrasti: la storia dell’arte ne è ricca. Ma sottolineandone le manifestazioni, si legge quanto i referenti siano ancora fondanti e quanto intorno ad essi si svolga la rappresentazione delle forme artistiche nella nostra civiltà. Essere artefici o essere esecutori, sarà forse questo il punto, il vero dilemma”. La mostra è accompagnata da un catalogo, edito da Gangemi, in versione bilingue italiano/inglese, con un testo introduttivo di Vittoria Coen e riproduzioni a colori delle opere esposte. Coordinate Titolo: CAMPOLUNGO. L’orizzonte sensibile del Contemporaneo Artisti: Valerio Berruti, Enrico T. De Paris, Shay Frisch, Federico Guida, Riccardo Gusmaroli, Min Jung Kim, Francesco Lauretta, Domingo Milella, Barbara Nahmad, Sharon Pazner, Alex Pinna Presso: Complesso Monumentale del Vittoriano, Salone Centrale, Via San Pietro in Carcere, Roma Curatore: Vittoria Coen Ideazione: Vittoria Coen e Ermanno Tedeschi Organizzazione: Comunicare Organizzando Anteprima stampa: martedì 15 settembre ore 11.30, in mostra Inaugurazione: martedì 15 settembre ore 18.00 Periodo: dal 15 settembre al 10 ottobre 2009 Orari: tutti i giorni, dalle 9.30 alle 19.30 Informazioni: tel. 06 6780664 Ingresso: libero Catalogo: edizioni Gangemi Ufficio stampa: Ilaria Gianoli, mob. 333 6317344 ilariagianoli@tin.it Paola Saba, tel. 06 3225380 p.saba@comunicareorganizzando.it 
 
 curated by Vittoria Coen
 
 Complesso del Vittoriano Roma
2008
1. Art first
 
 Palazzo Ghisilardi, Museo Civico Medievale Bologna
2. Miraggi
 
 Ottagono galleria Vittorio Emanuele II Milano
3. A journey through italian contemporary art
 
 Press Release 'A JOURNEY THROUGH ITALIAN CONTEMPORARY ART Julie M. Gallery This exhibitions main goal is to show, for the very first time, in an Israeli art gallery named the Julie M.Gallery, a group of contemporary Italian artists part of a project in which the dialogue between the Italian and the Israeli art is playing a leading and fundamental role. For this very occasion artists who have created their works analysing nature as well as mankind in all its forms - granting special care to the use of different materials were selected. Indeed the above mentioned materials such as toasted bread, glass, resin, jute fabric, rope and paper have been particularly put in evidence. This event will certainly be the first step of a carefully planned journey aimed at showing all the possible aspects of Italian contemporary art. The exibit will present: Barbara Nahmad and her oil and enamel portrait of Marilyn Monroe that is part of the collection of works depicting images of past time very important people who, in some ways, were able to influence history being now included in our social imaginary; Alex Pinna with one of his peculiar sculptures combining rope and steel thanks to which he offers the representation of human beings and their transformations; Valerio Berruti, who, through the old technique of fresco painting, is able to engrave the images of childhood together with the families of origin; Enrico De Paris: representing, through painting, light- box and installations, the hereditary information on human kind; Tania Pistone: writing combined with painting as a tool used to remember; Jessica Carroll: the sculptor presents an elegant bronze fusion showing a test chart where a miniature is inserted; David Reimondo: the original story of the world after toasting and incorporating it in his resins; Enrico Iuliano: a pen nib and its ink track able to tell about our journey through life.
 
 Julie M.Gallery Tel Aviv, Israel
4. Le armi dell’arte
 
 Press Release n occasione della mostra Le armi dell’arte, nella Galleria De Crescenzo & Viesti saranno esposte dal 28 marzo al 15 maggio 2008 opere in cui l’arma è protagonista indiscussa del campo visivo. Gli artisti in mostra sono da parte loro assidui frequentatori della sua rappresentazione, sebbene essa assuma significati diversi in ognuno di loro e sia restituita dai linguaggi più variegati: pagina poetica in Filippo Tommaso Marinetti, object trouvée in Man Ray, Sarenco e Jean François Bory, tessuto mimetico in Alighiero Boetti, palinsesto di vere armi in Gonçalvo Mabunda, installazione con materiali sorprendenti in Dennis Oppenheim e Luca Maria Patella, disegno in Pino Pascali e Alex Pinna, trompe l’oeil e ceramica in Antonio Riello, complesso procedimento pittorico in H. H. Lim e Federico Piccari, feltro dipinto in Bruno Ceccobelli, fotografia in Cheff Mwai e Erbossyn Meldibekov, pittura tout court in Giuseppe Salvatori e David Ochieng, scultura in Said Atabekov, installazione di quadri in Felice Levini, grafica in Franco Angeli. Verrà esposto anche un gruppo di “tappeti di guerra” afghani, opere ormai ben note e di sconvolgente impatto, intorno al quale ruota l’intera mostra. “Una sequenza costante di guerre non ha mai prodotto una rappresentazione delle armi in quantità rilevante che nell’Afghanistan degli ultimi decenni, sebbene la loro disposizione simmetrica lascerebbe pensare che “l’ordine” continui a regnare anche nei tappeti. Conflitti di ogni tipo, a volte persino più cruenti, non hanno mai scatenato alcunché di simile. Solo nell’Afghanistan degli ultimi decenni il soggetto in questione si è sedimentato in un linguaggio “lento” e tradizionale, dando forma a varianti notevoli e costruendo una vera e propria tipologia. E’ per tale motivo che tracciando una breve storia delle “armi dell’arte” iniziamo dal luogo in cui meno ce le aspetteremmo, cioè dalle “armi nei tappeti.” (Enrico Mascelloni) Catalogo in galleria edizioni Carte Segrete
 
 curated by Enrico Mascelloni
 
 galleria De Crescenzo & Viesti Roma
5. Metamorphosis
 
 Press Release METAMORPHOSIS Serra San Quirico, Ancona 18 maggio – 31 agosto 2008 Vanni Cuoghi, Cuoghi & Corsello, Maurizio Elettrico, Tamara Ferioli, Flatform, Paolo Grassino, Katia Orgiana, Alex Pinna, Sabrina Sabato, Carlo Steiner A cura di Mimmo Di Marzio Dieci artisti del nuovo panorama dell’arte italiana, selezionati in base alla loro esperienza a lavorare in relazione con lo spazio, creano opere ad hoc per gli ambienti del borgo di Serra San Quirico, sul tema della Metamorfosi, intesa nella sua accezione mitologica e animistica, e seguendo la tradizione popolare che vede l’incantesimo come simbolo di salvezza spirituale e di rinnovamento morale. Serra San Quirico è un antico borgo medievale immerso nella natura selvaggia dell’appennino marchigiano. La sua storia, che trae origine dai primi insediamenti etruschi, si fonde con la forza paesaggistica del Parco Naturale della Gola della Rossa e di Frasassi, luoghi di forte intensità naturalistica ma densi anche di storie e leggende che fondono la tradizione pastorale a quella religiosa e spirituale. Alcune di queste leggende, rimaste impresse nella cultura popolare, sono intrise di allegorie legate al tema della metamorfosi e dell’incantesimo. I progetti degli artisti prendono vita in spazi pubblici del borgo, sia interni che esterni, e si sviluppano attraverso tutti i linguaggi artistici, dalla pittura alla scultura, dall’installazione al video. Le opere, realizzate dagli artisti direttamente sul luogo, in alcuni casi con il coinvolgimento degli abitanti del borgo, si intrecciano in una sorta di percorso interattivo che raccoglie frammenti dei luoghi e coagula la visione dell’artista e l’esperienza degli spettatori. L’artista, in questo senso, diventa al contempo narratore di mirabilia ma anche alchemico trasformatore della materia e quindi della Natura. I progetti Tema della videoinstallazione dei Flatform è il paesaggio che circonda il borgo, inteso come sistema connettivo delle relazioni che regolano i rapporti tra le persone. Il video sottolinea un legame "a specchio" tra l'ambiente e i suoi abitanti, dove la natura gioca il ruolo dell'ineluttabile anche nelle sue trasformazioni forzate. L'installazione sonora di Alex Pinna “Twixt Land and Sea Tales” crea un gioco di rimandi e di ricordi: il passato, i mari, da quello ligure all'Adriatico ai mari di Joseph Conrad - da cui il titolo stesso dell'opera - per arrivare alla sottolineatura della dolcezza della struttura del vecchio borgo e del paesaggio in cui è immerso. Nell’installazione ambientale “Anatomy of silence”, Tamara Ferioli mette in scena la dialettica tra luce e oscurità che l’artista arricchisce con l’installazione di una serie di oggetti densi di rimandi alla tradizione popolare e religiosa. Nel cortometraggio di Carlo Steiner “SSQ Serra San Quirico” gli abitanti del paese sono gli interpreti di un insolito linguaggio che sostituisce i dialoghi della quotidianità con frasi estrapolate da celebri componimenti poetici. “Ricordati che devi morire” è il titolo dell’installazione figurativa di Vanni Cuoghi che, con centinaia di “post it”, realizza un’interpretazione simbolica della morte, uno dei temi maggiormente rappresentati dall’iconografia medioevale. La scultrice Katia Orgiana si appropria di un’antica leggenda del luogo che narra di un amore contrastato, forgiando figure umane all’interno di anfore sepolte, che vanno a costituire un immaginario e misterioso sito archeologico. L’opera è ottenuta dal calco ai visi di abitanti e lavoratori della Cava Gola della Rossa. Il tema dell’alchimia è alla base dell’installazione di Cuoghi & Corsello, dove sagome di maghi prendono forma sulle mura delle antiche “copertelle” del borgo, in una sorta di danza corale che sottolinea il dialogo tra il luogo e una visione spirituale della natura. Il progetto dell’artista napoletano Maurizio Elettrico, sulla falsariga dell’epopea del “The New Empire” gioca una contrapposizione tra il mondo minerale inorganico e tecnico della civiltà umana e la vitalità caotica prorompente della natura, entrambe coinvolte in un processo di reciproca metamorfosi. L’opera di Paolo Grassino, che sorge nei giardini del borgo, esplora in chiave ironica l’universo naturalistico in cui il mondo reale e quello fiabesco, rappresentato dal suo “bestiario”, si fondono armonicamente. L’installazione “Una notte in bianco” di Sabrina Sabato, infine, analizza il tema della metamomorfosi attraverso l’esperienza del sonno-sogno, attinge all’universo di simboli infantili e di ritualità popolari. Metamorphosis è un progetto espositivo a cura di Mimmo Di Marzio prodotto dal Gruppo Gola della Rossa, Serra San Quirico e organizzata dalla Galleria Novato Arte Contemporanea. Il Gruppo Gola Della Rossa da sempre cerca di valorizzare, attraverso le proprie opere ed iniziative, il territorio a cui appartiene: una regione ricca di testimonianze storiche e culturali, spesso poco conosciute. Dal 2006 il calendario ufficiale del Gruppo propone la divulgazione e la scoperta di musei nascosti della provincia: la Cartoteca Storica delle Marche di Serra San Quirico, il Museo Internazionale dell'Etichetta di Cupramontana e il Museo Tattile Omero di Ancona. Il Gruppo inoltre ha realizzato la mostra “Cuore di Pietra”, Mole Vanvitelliana Ancona nel 2006, e sostiene progetti a scopo sociale. METAMORPHOSIS A cura di Mimmo Di Marzio Serra San Quirico (AN) 18 maggio - 31 agosto 2008 Orari: 16,30 – 20.00 da martedi a domenica Inaugurazione: sabato 17 maggio ore 17.30 Con il Patrocinio della Regione Marche, Comune di Serra San Quirico e Parco Gola della Rossa. Prodotta dal Gruppo Gola della Rossa www.cavagroup.com Organizzata da: Galleria Novato Arte Contemporanea Via S.Francesco d’Assisi 9 – 61032 Fano (PU) Tel. 0721.820661 - rossella.izzo@novato.it Coordinamento: Nicoletta Castellaneta
 
 curated by Mimmo di Marzio
 
 Serra San Quirico, Ancona
6. Il drago di Giorgio
 
 Press Release IL DRAGO DI GIORGIO LAB 610 XL, Sovramonte - Servo (BL) inaugurazione 20 luglio 2008 ore 15:30 Arcangelo, Karin Andersen, Elena Arzuffi, Sergia Avveduti, Alessandra Baldoni, Alessandro Bavari, Matteo Bergamasco, Zaelia Bishop, Lorenzo Bonechi, Corrado Bonomi, Dino Buzzati, Arianna Carossa, Mauro Ceolin, Sandro Chia, Umberto Chiodi, Oscar Colombo, Luca Coser, Vanny Cuoghi, Arnold Mario Dall’O, Francesco De Grandi, Alessandro Di Giugno, Diego Dutto, Ulrich Egger, Marco Fantini, Pierluigi Febbraio, Paolo Fiorentino, Daniele Giunta, Giuliano Guatta, Jan Knap, Giovanni Manfredini, Aldo Mondino, Gianmarco Montesano, Nero, Gionata Gesi-Ozmo, Pastorello, Serena Piccinini, Alex Pinna, Beatrice Pucci, Odilon Redon, Stefania Romano, Salvo, Devis Venturelli Special section: Carlo Ambrosini, Stefano Arienti, Franco Busatta, Magdy El Shafee, Alberto Gennari, Eugenia Monti COMUNICATO STAMPA La riapertura di una chiesetta affrescata con l’epopea del San Giorgio nel limitrofo comune di Sorriva, offre a questa mostra l’occasione per analizzare le numerose trasformazioni cui è stato sottoposto il drago lungo tutta la storia dell’arte e della letteratura. L’attenzione non sarà infatti posta sulle gesta del martire cristiano, bensì sul suo deuteragonista (si noti infatti come nel titolo i soggetti siano stati invertiti tra loro e defraudino dell’onorificenza di “santo” lo stesso Giorgio): mostro ma anche meraviglia, creatura di fantasia che è anzitutto una metafora del male e del peccato. Da Vitale da Bologna a Donatello, da Pisanello a Paolo Uccello, da Cosmé Tura a Mantegna, da Carpaccio a Raffaello, da Vasari a Tintoretto (per citare solo i più noti), la storia dell'arte è disseminata di epiche colluttazioni tra santi e basilischi, ma l'arte contemporanea non è meno feconda di scontri tra eroi e mostri; non per nulla l’esposizione intende rintracciare e approfondire il discorso intorno a quelle citazioni/rifacimenti in cui viene rivisitata l’iconografia sacra, spesso e volentieri confluita nel mito ove si con-fonde con l’Idra di Lerna e il serpente di Midgard, fino ai più “profani” e “commerciali” loghi della Alleanza Assicurazioni e del cane-drago a sei zampe dell'Agip. Nelle prima sezione, curata da Alberto Zanchetta, saranno analizzati gli ultimi vent'anni dell'arte italiana, compiendo uno studio iconologico attraverso i d’après di alcuni tra gli artisti più significativi, così come nelle libere quanto originali interpretazioni di coloro che hanno preso in esame il soggetto. Le opere saranno inoltre fatte dialogare con un'icona russa della prima metà del XIX secolo, con una piccola selezione di stampe e libri antichi (tra cui la prima edizione de “L'uccisione del Drago” di Dino Buzzati), cartoline ed oggetti effigianti il tema. Alla rilettura della legenda aurea, di cui sono protagonisti il Drago e Giorgio, si passa quindi a un approfondimento sulla figura del “monstrum” che, resistendo al tempo e alla memoria, si “mostra” qui in una continua evoluzione del proprio ruolo e del proprio significato. La seconda sezione, curata da Viviana Siviero, si snoda attraverso una genealogia di creature - da Satana fino al Principe della Notte, passando per serpenti, coccodrilli e chimere - che analogamente alla figura del Drago appartengono alla mitologia e al genere del fantastico, ma che si riferiscono anche alla sua essenza e ai suoi significati metaforici, alle riflessioni sull’identità e al vissuto contemporaneo. Il coinvolgimento di opere moderne o storicizzate, poste in sinergia con le nuove generazioni, permette una mappatura geografica del mondo fantastico, capace di assumere fisionomie e significati assai eterogenei. In una sezione speciale della mostra verranno inoltre esposte alcune tavole originali tratte da fumetti, graphic novel ed elaborazioni grafiche di alcune serie introvabili degli anni ‘60 che si richiamano al tema sia per i contenuti, sia per una vicinanza formale. Di particolare pregio un gruppo di tavole originali tratte dalla graphic novel Metro, la prima mai pubblicata in lingua araba, disegnata da Magdy El Shafee, opera che la polizia ha ritirato dal mercato in virtù dei contenuti fortemente critici che denunciano il diffuso clima di corruzione del governo egiziano. Infine, una storia appositamente realizzata da Eugenia Monti, talento emergente nel panorama del fumetto nostrano, che si è lasciata ispirare dal genius loci per realizzare la sua opera ispirata alle tradizioni e alla realtà bellunese… A completare l’esperienza, Oscar Colombo ha condotto nel mese di marzo un workshop sul territorio assieme ai bambini e agli studenti delle scuole di Sorriva, realizzando un’opera a più mani composta da una serie di tavole pittoriche che illustrano la leggenda di “San Giorgio e il Drago” e i suoi possibili esiti. Nel corso della mostra si svolgeranno anche degli appuntamenti, fra cui una conferenza dello scrittore Pietrangelo Buttafuoco, autore del romanzo “Le uova del Drago” (ed. Mondadori). Disponibile un catalogo con una ricca disamina delle opere e saggi introduttivi di Viviana Siviero e Alberto Zanchetta. Prima sezione a cura di Alberto Zanchetta con opere di: Arcangelo, Karin Andersen, Sergia Avveduti, Lorenzo Bonechi, Dino Buzzati, Mauro Ceolin, Umberto Chiodi, Luca Coser, Vanny Cuoghi, Arnold Mario Dall’O, Marco Fantini, Paolo Fiorentino, Daniele Giunta, Giuliano Guatta, Jan Knap, Giovanni Manfredini, Gianmarco Montesano, Gionata Gesi-Ozmo, Pastorello, Alex Pinna, Salvo Seconda sezione a cura di Viviana Siviero con opere di: Elena Arzuffi, Alessandra Baldoni, Alessandro Bavari, Matteo Bergamasco, Zaelia Bishop, Corrado Bonomi, Arianna Carossa, Sandro Chia, Oscar Colombo, Francesco De Grandi, Alessandro Di Giugno, Diego Dutto, Ulrich Egger, Pierluigi Febbraio, Aldo Mondino, Nero, Serena Piccinini, Beatrice Pucci, Odilon Redon, Stefania Romano, Devis Venturelli Special section a cura di Viviana Siviero: Carlo Ambrosini, Stefano Arienti, Franco Busatta, Magdy El Shafee, Alberto Gennari, Eugenia Monti dal 20 luglio al 7 settembre 2008 dal martedì a domenica dalle 15.00 alle 20.00 per informazioni: de faveri arte - Lab 610 XL tel. 335 8035597 catalogo in mostra
 
 curated by Viviana Siviero e Alberto Zanchetta
 
 LAB 610 XL Sovramonte - Servo (BL),
7. Savona 900
 
 curated by Germano Beringheri e Riccardo Zelatore
 
 Palazzo del commissario, Priamar Savona
2007
1. Nowheremen
 
 curated by Maurizio Bettini e Omar Calabrese
 
 Acciaierie Arte Contemporanea Cortenuova (Bergamo)
2. Cadolini - Città in Arte
 
 Studio Peia Associati Milano
3. Summertime
 
 galleria Guidi& Schoen arte contemporanea Genova
4. Dedicato…
 
 galleria Ronchini arte contemporanea Terni
5. La nuova figurazione italiana. To be continued...
 
 Press Release LA NUOVA FIGURAZIONE IN ITALIA...TO BE CONTINUED a cura di Chiara Canali 27 ottobre - 18 novembre 2007 Un grande e articolato progetto, a cura di Chiara Canali, ripercorre con una mostra e un convegno le ultime ricerche sulla Nuova Figurazione italiana, rievocando i momenti salienti di un periodo storico compreso negli ultimi dieci anni. La Nuova Figurazione Italiana.-To be continued… è un evento unico e straordinario che riunisce 140 artisti con circa 170 opere in un progetto espositivo realizzato in collaborazione con Fabbrica Borroni, suggestivo spazio di archeologia industriale nato per promuovere la giovane arte italiana. La mostra risolleva con prepotenza il dibattito sulla Nuova Figurazione italiana, diventato sempre più attuale grazie ai contributi scientifici e curatoriali dei critici Alessandro Riva e Maurizio Sciaccaluga. All’idea di storicizzazione di un movimento, il titolo affianca un’ipotesi di continuità da ampliarsi nell’immediato presente attraverso la presenza degli artisti già affermati e delle nuove leve che hanno dimostrato di poter proseguire lo stesso percorso artistico in futuro. L’obiettivo è quello di provare a ricostruire con intento filologico un periodo storico, ripercorrendone gli elementi significativi e caratterizzanti attraverso la scelta di artisti e opere che abbiano rappresentato una svolta culturale, per giungere gradatamente fino ai nostri giorni, che mostrano l'ingresso in campo di una serie di nuovi artisti. La mostra presenterà al suo interno un’articolazione degli artisti secondo le scuole e i gruppi, i temi o i generi, le mostre o i progetti artistici che hanno meglio contraddistinto il percorso della nuova figurazione italiana negli ultimi dieci anni (Officina Milanese, Cronache vere, il Nuovo ritratto in Italia, la Fantascienza, la Ridefinizione dei generi, Palermo Blues, Sculturama: nuova scultura italiana, Nuova palestra artistica milanese, la linea dolce della Nuova Figurazione, Italian Factory, RefreshProject, il Paesaggio, Luce negli occhi, Giovane pittura italiana, Street art). Convegno ed eventi collaterali Contestualmente alla mostra verrà realizzato un convegno sulla “Nuova figurazione italiana” con interventi di artisti, critici, giornalisti, galleristi o personalità di spicco del mondo dell’arte che diano testimonianza dell’impegno avvenuto in questi anni. Catalogo La mostra sarà accompagnata da un catalogo bilingue, edito da Silvana Editoriale (formato cm 24x17, 272 pagine a colori, 200 riproduzioni circa) a cura di Chiara Canali, con presentazione di Vittorio Sgarbi ed Eugenio Borroni e testi di Chiara Canali, Luca Beatrice, Argàno Brigante e Maurizio Sciaccaluga. a cura di Chiara Canali con la collaborazione di Fabbrica Borroni Fabbrica Borroni Via Matteotti 19 - Bollate (MI) inaugurazione: 26 ottobre dalle 18.00 alle 24.00 convegno sabato 27 ottobre 2007 dalle 14.00 e domenica 28 ottobre 2007, dalle 16.00 27 ottobre - 18 novembre 2007 martedì – venerdì dalle 16.00 alle 20.00 sabato e domenica dalle 11.00 alle 20.00
 
 curated by Chiara Canali
 
 Fabbrica Borroni Bollate (Milano)
6. La terra promessa
 
 Press Release COMUNICATO STAMPA Dopo Torino e Milano, martedì 27 novembre 2007, alle ore 18.30, la Ermanno Tedeschi Gallery apre il suo terzo spazio espositivo a Roma. La ET Gallery è situata al numero 7 di via Portico d'Ottavia, vicino alla Sinagoga, dove la comunità ebraica e quella romana vivono quotidianamente in sinergia. La ET Gallery è la prima galleria a Roma a trattare giovani artisti israeliani nonchè artisti nazionali ed internazionali che interpretano attraverso la pittura, la scultura, la fotografia e le installazionila la cultura e le radici ebraiche, impegnandosi ad instaurare collegamenti tra l'Italia e Israele. In questo senso si sviluppa il lavoro del gallerista, Ermanno Tedeschi, anche attraverso l'incarico di Presidente dell'Associazione Amici del Museo d'Arte di Tel Aviv, proseguendo il cammino intrapreso da Arturo Schwarz. La galleria romana inaugura la nuova location con la mostra La Terra Promessa, una collettiva che riunisce ventisette artisti, nazionali ed internazionali, in un multiculturalismo in cui coabitano diverse lingue, ideologie e religioni, congiunte in una medesima tematica. Il titolo scelto ha un significato biblico, ma indica anche il desiderio utopico di abitare un luogo ideale, patria di tutti. Gli artisti in mostra sono: Michele Bella con i suoi fotomontaggi speculari; Valerio Berruti con un lavoro poetico e minimalista sul ricordo e l'infanzia; Nicola Bolaffi con un'opera informale segnica ed intuitiva; Giovanni Dalessi con una pittura elogio della semplicità quotidiana. Ed ancora, la cosmologia in bilico tra suggestione poetica e allucinazione fantascientifica di Enrico T. De Paris; il lirismo di Enzo Forese; la surreale leggerezza ed ironia di Riccardo Gusmaroli; la scultura poetica di Enrico Iuliano; la ritrattistica iconica e riflessiva di Barbara Nahmad ; gli equilibri scultorei di elegante leggerezza di Alex Pinna; la scrittura che affiora in filigrana di Tania Pistone; l'astrattismo imperfetto di Nicola Ponzio, la dimensione vitalistica e sensoriale di David Reimondo. Con la loro essenzialità geometrico-coloristica, il giapponese Kazumasa Mizokami e la coreana Minjung Kim. Interessanti incroci culturali sono rappresentati dalla raffinata essenzialità grafica della produzione scultorea di Jessica Carroll; da Debora Hirsch con la sua ricerca tra reale e virtuale e da Tobia Ravà con la sua figurazione cabalistico numerica dall'atmosfera metafisica. Infine gli israeliani Miriam Cabessa con il suo surrealismo esoterico, Tarin Gartner che con la fotografia rievoca la sua terra natia; David Gerstein con le sue vedute realistico-pop; Tsibi Geva con i suoi echi simbolici della natura; Menashe Kadishman presente in mostra con pitture e sculture; la toccante fotografia di Vardi Kahana; l'estrosità scultorea di Raffael Lomas; le originali creazioni con la carta di Sharon Pazner e l'intimità familiare di Galia Uri. Immagine: Barbara Nahmad Inaugurazione: Martedì 27 novembre 2007 ore 18.30 Ermanno Tedeschi Gallery Via del Portico d'Ottavia, 7 – 00186 Roma Lun. 15.30-20.00 Mart.-Ven. 10.00-13.00 – 15.30-20.00; Sab.-Dom. su appuntamento Ingresso libero
 
 Ermanno Tedeschi gallery Torino
2006
1. Slalom gigante
  
  curated by Norma Mangione
  
  Ermanno Tedeschi gallery Torino
2. Material girls (and boys)
  
  curated by a cura di Luca Beatrice
  
  galleria Dellapina arte contemporanea Pietrasanta
3. Ridisegnare i luoghi
  
  curated by Isabella Aquilanti
  
  Santa Maria della Salute Viterbo
4. Arterritory
  
  curated by Dominique Lora
  
  Centrale Montemartini Roma
2005
1. Il corridoio dell'arte
 
 Press Release Exhibition. Il Corridoio dell’Arte per Lo Sport e per la Pace è promossa dal Servizio Programmazione Attività e Beni Culturali della Provincia di Torino. Il messaggio olimpico è raccontato dalle immagini e dai testi di 27 artisti che hanno scelto di confrontarsi con il tema della Pace e dello Sport, per un mondo pacifico e abitabile, conducendo fuori dall’ordine della retorica le loro argomentazioni, in un comune orizzonte composto dai molti tasselli degli imprevedibili percorsi individuali, dove a volte le grandi ideologie possono incontrarsi. Utilizzando i linguaggi eterogenei del disegno, della pittura, della scultura, della fotografia e dell’installazione, tutti hanno contribuito con le proprie intuizioni, la propria sensibilità, a disegnare una geografia dell’esistenza e della cultura autentica e libera, fatta soprattutto di storie. Racconti da guardare e da leggere che ci conducono dove sono raccolti i pensieri profondi e le suggestioni degli artisti. Sono piccole appendici verbali delle opere esposte, pronte ad innescare nuove e vitali ipotesi di pensiero che, come un’eco, ci restituiscono il contenuto e le intenzioni dei lavori esposti. Artisti invitati:  Laura Ambrosi, Adriano Benetti, Maurizio Borzì, Stefano Bruna, Maria Bruni, Andrea Caretto e Raffaella Spagna, Alberto Castelli, Manuele Cerutti, Giuliana Cuneaz, Elmuz Ilaria Ferretti, Francesca Forcella, Elisa Gallenca, Gosia Turzeniecka, Alessandro Grisoni Jess Walter, Ada Mascolo, Marco Memeo, Alex Pinna, Chiara Pirito, Laura Pugno Luisa Raffaelli, Francesco Sena, Saverio Todaro, Fabio Viale, Laura Viale, Ester Viapiano.
 
 curated by Gabriella Serusi
 
 Palazzo della Provincia, Torino and Palazzo della Triennale, Milano
2. Open air
 
 curated by Marinella Padreni and Isotta Saccani
 
 Orto botanico Parma
3. Anima animale
 
 curated by Maria Luisa Trevisan
 
 Biblioteca comunale Montebelluna (Treviso)
4. 1905-2005 cento anni Fabbri
 
 Fondazione Del Monte Bologna
5. T.E.C. Le tecniche esecutive dell’arte contemporanea
 
 curated by Manuela Annibali
 
 Scuderie Aldobrandini Frascati
6. Altri fantasmi
 
 curated by Laura Carcano and Norma Mangione
 
 Ermanno Tedeschi Gallery Torino
7. Superplastica
 
 curated by Ivan Quaroni
 
 Castello di Casalgrande Reggio Emilia
2004
1. Anteprima quadriennale
 
 selected by Luca Beatrice
 
 Promotrice per le Belle Arti Torino
2. Melting music
 
 Press Release Comunicato stampa Melting Music from Melting Pop: volume 1 a cura di Gianluca Marziani Alessandro Gianvenuti Fausto Gilberti Robert Gligorov Francesco Impellizzeri Alex Pinna Mostra: “Melting Music” Luogo: Guidi&Schoen - Arte Contemporanea Città: Genova, Centro Storico Indirizzo: Vico Casana 31r Info: Tel. 0102530557 – mail info@guidieschoen.com Web: www.guidieschoen.com Data di apertura: Giovedì 25 marzo – h 18’00 Durata: Dal 25 marzo al 24 aprile 2004 Orari d’apertura Lunedì pomeriggio/Sabato 9’30/12’30 – 16’00/19’30 Catalogo: Ed. Guidi&Schoen arte contemporanea Curatore: Gianluca Marziani MELTING POP era il titolo di un libro che Gianluca Marziani pubblicò nel 2001 per Castelvecchi. Lungo i capitoli attraversava un flusso di spunti per elaborare molteplici combinazioni tra l’arte e gli altri linguaggi creativi. MELTING POP è poi diventato il titolo di un grande progetto espositivo che ha finora visto due appuntamenti museali: il primo a Palazzo delle Papesse (Siena) nella primavera 2003, il secondo al Castello di Masnago (Varese) nell’estate dello stesso anno. MELTING MUSIC nasce come singola categoria del Melting Pop. Oggi rappresenta il primo volume di una lunga serie espositiva che coinvolgerà diverse gallerie private, ogni volta con uno dei capitoli di Melting Pop. MELTING MUSIC per attraversare la musica tramite l’arte visiva, scovando legami sottili, intuizioni nascoste, empatie reali tra suono, forma ed immagine. Cinque storie che trascinano gli artisti in profonde relazioni tra musica, estetica e contenuti. ALESSANDRO GIANVENUTI passa il corpo autobiografico sotto lo scanner per dettagli, poi lo rielabora con lunghi processi digitali, quindi stampa l’immagine sui supporti che esprimono l’interesse del singolo progetto. La musica è arrivata in forma diretta con Melting Pop, quando le mani elettroniche dell’artista si sono fuse con lo scratch e il cutting di Dj Stile. Suoni ed immagini hanno trovato una piena corrispondenza di intenti e forme, dando al video d’arte una matrice pittorica mobile, acida ed imponente. Nascono così i quadri che completano il progettoUntitled: un pezzo circolare ed uno quadrato, entrambi su Pvc verniciato lucido, entrambi con le mani supermobili di Dj Stile. Alessandro Gianvenuti nasce a Roma dove vive e crea FAUSTO GILBERTI si divide tra un video e alcuni disegni che ne costituiscono lo storyboard virtuale. “10050, The Psycho Posse” racconta il massacro Tate compiuto a Los Angeles, 9 agosto 1969 a Cielo Drive 10050, dalla family di Charles Manson. Storiaccia di sangue e delirio in cui la musica evidenzia significati complessi. Un esempio: Manson, cantante senza futuro, aveva frequentato quella casa quando ci viveva il produttore discografico Terry Melcher. Altrettanto forti i disegni che Gilberti ha realizzato sopra immagini scaricate dal web. Fotografie per “incendiare” l’atmosfera e creare il definitivo cortocircuito tra assurdo e plausibile. Fausto Gilberti nasce a Brescia dove vive e crea ROBERT GLIGOROV è un artista che utilizza la musica in modo intelligente, spiazzante, mai forzato. Oggi parliamo della scultura sopra una base che mescola musica e violenza nascosta. Ecco un rullante, un pedale, una mazza da golf e alcuni giganteschi proiettili nella cui capocchia in ottone c’è polpa di pomodoro. Gligorov sente così le seduzioni musicali e le riduce ad elementi impattanti, “deviati” rispetto al nostro sguardo quotidiano e al confine del normale. Proprio come accade oggi nei pannelli fotografici in cui natura e tecnologia cambiano la nostra idea di musica e supporti sonori. Gligorov nasce a K. Palanca (Macedonia). Vive e crea a Milano FRANCESCO IMPELLIZZERI ha inventato decine di personaggi con una personalità riconoscibile ed avvincente: nome ad arte, abiti adeguati, comportamenti decisi, scenografie e musiche per creare il giusto contesto, le atmosfere e lo stile oltre il semplice effetto. Da qui le performance live, le fotografie nei set privati, i video. L’artista ingrandisce oggi le pagine da scuola elementare su fogli di cartoncino bianco. Poi inventa un mondo di pensierini intimi, corredati dal disegno che svela il protagonista involontario di ogni microstoria. Così è accaduto oggi con Sanremo e altre vicende tra musica e cronaca, fantasia e verità privata. Franceso Impellizzeri nasce a Trapani. Vive e crea a Roma ALEX PINNA ricostruisce la seconda vita, la zona mai narrata di alcuni personaggi ad alto tasso evocativo. La storia al contrario ci ha fatto scoprire Willy il coyote che batteva Beep Beep, il Gatto Silvestro che si mangiava Titti il canarino. Poi sono arrivati gli equilibristi di un circo triste, fino ad altri protagonisti, altri ruoli sociali, altri ribaltamenti. Oggi giungono nello spazio tre bronzi vigili, ognuno con la sua personalità cromatica, pronti ad introdurci verso un lungo silenzio. Il progetto annulla la parola ma suona come il miglior paradosso visuale. La scultura gioca con le note invisibili che girano nella testa, contenendo le musiche che ognuno infila dentro gli immaginari di quei protagonisti magrissimi. Alex Pinna nasce a Imperia. Vive e crea a Torino
 
 curated by Gianluca Marziani
 
 Galleria Guidi&Schoen arte contemporanea Genova
3. Armoury
 
 curated by Luca Beatrice and Laura Carcano
 
 Castello di Sant'Angelo Lodigiano, Lodi and Trevi Flash Art Museum
4. BTTB
 
 curated by Ivan Quaroni, Norma Mangione and Stefano Castelli
 
 Spazio Obraz Milano
5. Nuove Acquisizioni
 
 collezione permanente
 
 MUSA Museo dell'Assurdo Castelvetro di Modena
6. Mind the gap
 
 Press Release Mind the gap a cura di Giannella Demuro e Antonello Fresu Luca Barzaghi, Pierluigi Calignano, Dario Ghibaudo, Robert Gligorov, Thorsten Kirchhoff, Sukran Moral, Bruno Petretto, Pietrolio, Alex Pinna, Mario Pischedda, Giovanna Ricotta, Antonio Riello, Lorenzo Scotto di Luzio, Danilo Sini, Alessandra Spranzi, Wurmkos È una zona d’ombra tra le più inquietanti, quella in cui dimora il pensiero “insano”, quello alieno alle regole e alle convenzioni. Un territorio dai confini labili, spesso attraversato da turbamenti e malesseri. Un luogo la cui “criticità” destabilizza il sentire comune che, soffocato dall’invasività ottundente del quotidiano e sottomesso all’agio del “non” (non-fare, non-pensare, non-sentire…), rinuncia aprioristicamente al privilegio della riflessione critica. Di fronte ad una tale inerzia speculativa risulta, pertanto, “sovversiva” la posizione dell’artista, il suo rifiuto, forse anche la sua incapacità, ad assimilare le consuetudini e le certezze del pensiero codificato: un’attitudine, questa, che lo costringe ad allontanarsi dai codici condivisi per muoversi verso possibilità conoscitive inconsuete e alternative, nel mondo e dentro di sé, per riaccendere quella scintilla di follia di cui anche l’uomo “comune”, pur senza averne una piena coscienza, sente, in fondo, la mancanza. L’abbandono delle rassicuranti certezze della coscienza personale e collettiva e l’adesione ad un pensiero certamente meno strutturato, tale in quanto espressione di una più naturale apertura al mondo del profondo, è diventato pertanto, per l’artista contemporaneo, lo strumento privilegiato per la lettura della realtà. Proprio il senso di sospensione e di perdita delle coordinate logiche rappresenta, infatti, uno degli elementi fondanti della prassi artistica odierna e fa sì che la quasi totalità della più attuale sperimentazione visiva si muova, oggi, lungo i binari del turbamento e dello spiazzamento, dell’ambiguità e del paradosso. Una sorta di follia, la stessa “follia” cui allude il titolo della mostra Mind the gap. Un’attitudine percettiva volta al disvelamento dell’apparenza e dei contorni, capace, appunto, di cogliere “vuoti” comunicativi e slittamenti di senso, usualmente celati ma sempre “in agguato”: digressioni dalla “norma”, diversità rivelate o indotte, che solo la sensibilità acuta e penetrante dell’artista sembra essere, dunque, in grado di cogliere. Tutto ciò, se da un lato genera disagio e difficoltà comunicativa, a causa del potere destabilizzante, disgregante e trasformativo dell’opera d’arte che oggi più che mai sembra disattendere le aspettative del pubblico, dall’altro è proprio la perdita dei punti di riferimento a costringere lo spettatore adentrare in rapporto con quel “vuoto” e a ridefinire se stesso in relazione al concetto di sospensione, di assenza, di silenzio. Così uno spazio illusorio, effimero e precario come quello dell’arte, apparentemente tanto avulso dalla realtà ordinaria, permette l’incontro con il paradosso del senso, con l’apertura all’incoerenza, con lo stravolgimento della rassicuranti logiche del pensiero razionale, con la follia di uno sguardo rovesciato, che solo, sembra oggi consentire un adeguato “esercizio di verità”. Tante le declinazioni possibili, sulla linee delle singole poetiche e delle differenti prassi operative, complessi e articolati i percorsi, distinti e coinvolgenti gli esiti: dall’esplorazione della dimensione più personale e introspettiva di Giovanna Ricotta, Mario Pischedda e Luca Barzaghi, alla ricognizione dell’ambito collettivo affrontata da Alessandra Spranzi, Bruno Petretto, Sukran Moral, Wurmkos, Pietrolio, Dario Ghibaudo, passando per la dimensione più propriamente ludica delle opere di Pierluigi Calignano e Alex Pinna, l’ironia di Antonio Riello e Lorenzo Scotto di Luzio e la sospensione semantica di Thorsten Kirchhoff, Robert Gligorov e Danilo Sini. La pervasività totalizzante della presenza del sé porta Giovanna Ricotta e Mario Pischedda – artisti che da sempre prediligono nel loro lavoro l’uso e l’ibridazione di più linguaggi e tecniche espressive – a diventare essi stessi “opera” annullando la distanza tra l’“io” e la concretizzazione oggettiva del processo creativo. Così l’opera della Ricotta, Go Fly – frase che riecheggia il comando dato all’atleta nel momento dello scatto di partenza nella disciplina sportiva del salto ad ostacoli – è al contempo un comando, un’azione, ma anche lo spazio fisico pensato e creato dall’artista, il suo corpo, l’attenta preparazione all’azione e il conseguente mettersi in gioco in vista di un traguardo che, sublimando la realtà oggettiva della “corsa”, consente l’accesso a ulteriori ordini di senso. Allo stesso modo Mario Pischedda, fautore di un’arte “istantanea” che accosta e sovrappone immagine e parola, seguendo gli umori di un innato e insopprimibile “nomadismo intellettuale” indaga il complesso rapporto tra spazio individuale e dimensione sociale, tra mondo interiore e realtà esterna, azzerando lo spazio fisico fra sé e l’opera, indifferentemente protagonista di video – come Abbasso la Morte, grottesco e dissacrante incontro con il dolore – o immagini fotografiche e performance: segnali ironici, ma non per questo meno angoscianti, della inevitabile fatuità dell’essere. Per quanto si tratti di una esplorazione psicologica chepenetra nei recessi più intimi dell’artista, la ricerca di Luca Barzaghi, cui appartiene l’opera A disagio, non può essere però considerata un lavoro autobiografico in senso stretto, quanto piuttosto la modalità con cui l’artista si rapporta all’universalità del tempo, da lui percepita come ciclicità del vivere. Fatto, questo, che lo porta ad indagare le sottili differenze che tale ciclicità dinamica produce: indizi fissati in una serie di espressivi fotogrammi in bianco e nero che l’artista attinge dalla memoria del proprio vissuto e dalla dolorosa esperienza del quotidiano. Il rapporto misterioso e spirituale tra l’individuo e il mondo e, ancor più, l’integrazione e la fusione dell’elemento femminile nella tersa misticità della natura, sta alla base dell’opera di Alessandra Spranzi La donna barbuta. È proprio l’istintiva e naturale immersione nella serenità selvaggia di un suggestivo paesaggio, infatti, a conferire alla donna barbuta, sorta di madre universale, un’aura di solenne sacralità, che la Spranzi racconta con il sobrio linguaggio di una raffinata fotografia in bianco e nero. Diversamente dalla Spranzi Bruno Petretto, anch’egli strettamente legato al mondo naturale, denuncia stati di squilibrio e disarmonia nel rapporto tra l’uomo e l’ambiente, rapporto al limite di una compromissione irrevocabile e definitiva, come suggerisce Luoghi dell’altrove, silenzioso gregge-fantasma evocato da una impressionante teoria di immobili zampe ovine: opera-monito che, percorrendo il tema dell’assenza, ripropone coraggiosamente il valore inalienabile della vita. Lo stesso diritto alla vita e alla libertà che appare nell’opera di Sukran Moral, artista che esplora contesti sociali periferici e problematici, raccontando la storia dei “poveri del Mediterraneo”, il disagio di una condizione alienata e insostenibile, subita ma non passivamente. Piuttosto una denuncia o, come nel poetico lavoro fotografico Despair, la condivisione delle sofferenze di chi lascia la propria terra per andare incontro ad un altrove, ad un nuovo destino. Un destino, come sembrano voler augurare gli uccellini colorati con cui la Moral anima i ritratti in bianco e nero di quella disperata e tragica umanità, non più sospeso ma carico di vita. Legato al sociale è anche il gruppo Wurmkos, una realtà collettiva che opera nel campo del disagio psichico e che realizza operazioni al contempo estetiche, etiche e politiche, dove politica è proprio quella dimensione sociale del vivere che appare oggi sempre più distante. Wurmkos realizza spazi creativi in continuo divenire, luoghi dinamici e immaginativi attivati dalla partecipazione e dall’interazione del pubblico stesso, al fine di produrre un’articolata molteplicità di processi espressivi. La “collegialità” dell’opera offre, così, un senso identitario non solo a chi la “abita” ma anche a chi la fruisce. Una “società” chiusa e ristretta, microcosmo dai confini oscuri e celato ai più, è invece quella su cui è incentrata l’opera di Pietrolio Sottilettasacra. È il mondo estremo dell’erotismo gay, una nicchia di diversità, una fra le tante, che naviga nei canali anonimi della “rete”. È la tribù degli “orsi”, uomini dalla struttura fisica che ricorda appunto la fisionomia dei plantigradi, le cui immagini scaricate da siti dedicati vengono “innocentemente” dipinte con i motivi delle innocue e familiari tovaglie da cucina che abitano il nostro rassicurante quotidiano. Emerge da queste poetiche un mondo variegato, specchio delle molteplici esperienze individuali e comunitarie del nostro tempo, un tempo nel quale, sembra suggerire l’installazione Un mondo leggero di Dario Ghibaudo, il cedimento dei valori della contemporaneità ha causato una metaforica perdita di peso. L’uomo di Ghibaudo, altrove accatastato a formare alternativamente le acque e le terre emerse di verosimili per quanto impossibili mappamondi, è si un uomo-dio – come sottolinea la ripetizione dell’iconografia del Cristo in croce – ma non ha peso e non produce ombra: è “assente”, semplicemente, come assenti e vacui sono, sempre più spesso, i valori cardinali della nostra società. Al mondo dell’infanzia e dell’adolescenza e all’immaginario fantastico ad esso legato, guarda il lavoro di Pierluigi Calignano e Alex Pinna. L’opera di Calignano si pone tra scultura e installazione. Robot, trenini, macchine e animali improbabili, costruiti con materiali poveri – legno, cartone, metallo, plastica – animano un mondo bizzarro che ostenta, comunque, una verosimile parvenza di realtà. Un universo fantastico, animato da un non comune “spirito” d’ironia, creato dall’artista con una paziente ed ingegnosa tecnica di assemblaggio ed un uso sapiente di artigianali seppur articolati sistemi costruttivi, volutamente avulsi e distanti dalle sofisticate ed asettiche tecnologie industriali del nostro presente. Un esplicito riferimento al mondo dei cartoons è, invece, la scultura di Alex Pinna Fucked Bird, uno dei tanti personaggistorici dei fumetti o del mondo delle favole che hanno offerto a Pinna lo spunto per reinterpretare con delicatezza e sensibilità non priva di ironia, le contraddizioni e i limiti del mondo contemporaneo. L’incudine che inesorabilmente, e un po’ sadicamente, arriva a schiacciare il buon Beep Beep, infatti, stravolge e ribalta l’esito scontato, rassicurante e buonista di uno dei più classici storyboard dei cartoni, rispondendo così, per una volta almeno, alla stringente logica di una ben più salda e concreta adesione alla realtà. Quello dell’ironia e dello spiazzamento, dello slittamento di prospettive, della contaminazione impertinente tra arte e realtà è anche l’ambito in cui nascono gli “oggetti impossibili” di Antonio Riello, che con Morva necans e Migale satanis – opere della serie Falsi reperti, usualmente allestite dall’artista in veri musei delle scienze – sfida le barriere del senso comune e si prende gioco della “follia classificatoria” che, nel disperato tentativo di controllo del reale, molto spesso “colpisce” la ricerca scientifica e gli altri campi d’investigazione e del pensiero. Ironia e autoironia, con qualche sconfinamento nel sarcasmo – come quello della scritta Love me tender composta da una teoria tutt’altro che tranquillizzante di mozziconi di sigaretta – permeano anche il lavoro di Lorenzo Scotto di Luzio che, con animo disincantato scopre e ridicolizza abitudini e atteggiamenti del vivere sociale, analizzando non solo gli altri ma anche se stesso. Per questo Love me tender può diventare anche racconto autobiografico nelle fototessere ingrandite che amplificano e moltiplicano il ritratto, comicamente affranto e disperato, dello stesso artista. Una inquietante ma intrigante sospensione semantica sembra, invece, accostare le opere di Kirchhoff, Gligorov e Sini. “Noir” è il colore della lucidissima ironia di Thorsten Kirchhoff, artista che ha da sempre incentrato sul cinema l’orizzonte espressivo del suo lavoro e che, proprio in virtù di questo, usa combinare tra loro pittura, oggetti e suoni secondo la logica del montaggio cinematografico, creando prospettive insolite o surreali, alla ricerca dello “scarto”, del momento conflittuale, contraddittorio e depistante, che annulla ogni certezza: quella zona d’ombra cui fa riferimento l’enigmatico e poco rassicurante “diavoletto” di Twilight zone. Lo sguardo “obliquo” di Robert Gligorov, folle e visionario, svela universi sfuggenti ed inquietanti, provoca l’imprevisto e l’imprevedibile, costringe, quasi ipnoticamente, ad una pausa di sospensione. L’artista crea un’ambiguità spiazzante, portando lo spettatore al confine tra più mondi e svelando la bellezza straniante dell’“abisso”. E, se a volte Gligorov mitiga poeticamente, come nell’installazione H2O, temi di forte impatto emotivo quali l’ibridazione, le trasformazioni biologiche, le mutazioni e contaminazioni genetiche, altrove – è il caso del provocatorio e conturbante Disaster Theory – è un lucido e gelido distacco a sorreggere le concatenazioni narrative con le quali l’artista racconta il disagio dell’uomo contemporaneo. Danilo Sini, infine, mostra una visione estremamente disincantata e cinica dell’arte, palesa l’esistenza di un “gap” comunicativo tra l’artista e il pubblico, ad indicare una comunicazione definitivamente e inesorabilmente interrotta: una innocente guida rossa – *** – diventa un codice non decriptabile, una crudele metafora sulla perdita di senso dell’arte. Se lo spettatore, avanzando lungo il percorso indicato dalla guida non riconosce, nella stessa, la presenza dell’opera se non dopo averla totalmente e inconsapevolmente attraversata, quell’opera e con essa, metonimicamente, l’arte contemporanea nella sua interezza, è tragicamente “muta”. Per cui, sembra voler suggerire l’artista: mind the gap. Giannella Demuro e Antonello Fresu
 
 curated by Giannella De Muro and Antonello Fresu
 
 Centro sociale Berchidda (Olbia-Tempio)
7. Mi ricordo
 
 curated by Norma Mangione
 
 Ermanno Tedeschi Gallery Torino
8. Allarmi - Zona creativa temporaneamente valicabile
 
 selected by Ivan Quaroni
 
 Caserma " De Cristoforis" Como
9. A pranzo con Babette
 
 curated by Olga Gambari
 
 Corte del maglio Torino
10. ...prego s'accomodi...
 
 Galleria Luisa Delle Piane Milano
2003
1. Kids are us
 
 curated by Maurizio Sciaccaluga
 
 Galleria Civica di Arte Contemporanea Trento
2. Cioccola-TO
 
 curated by Norma Mangione
 
 Cavallerizza Reale Torino
3. XS
 
 curated by Luca Beatrice and Norma Mangione
 
 Galleria San Salvatore Art Project Modena
4. Mito-logica-mente
 
 Press Release Mito-logica-mente La seconda mostra, intitolata “Mito-Logica-Mente”, ha riunito Marco Di Giovanni, Junko Imada, Giovanni Manfredini, Alex Pinna e Arcangelo Sassolino; cinque giovani artisti che si stanno affermando nel panorama dell’arte contemporanea. Essi hanno risposto al quesito se sia ancora attuale per la loro generazione la ricerca sul mito, se l’arte è ancora mossa dal desiderio di dare persistenza all’effimero e di condensare dentro di sé una sorta di profondità del tempo. Le loro opere, ora lievi e librate negli spazi antichi ora densamente materiche, hanno dimostrato di affondare le radici in un substrato di linfe profonde capaci di dar vita a germogli i quali, seppure affacciati su panorami contemporanei, tradiscono ascendenze lontane. Alle mostre del 2003 è stata accostata l’anteprima della mostra “Bestiario” che l’artista brasiliano José D’Apice avrebbe tenuto nel successivo mese di settembre presso la Galleria Fabbrica EOS di Milano. Sono state ammirate opere eseguite con disegno antico e tecnologie moderne, tutte evocatrici di un immaginario arcaico-tribale e surrealista rivisitato. Tutte le opere degli artisti sono state ambientate nei fondaci di Castelbasso e spesso per essi hanno preso forma, così come le alte scarpate delle mura di cinta del borgo medioevale, i suoi merli, i suoi fornici, perfino le sue rovine, sono stati pretesto e ispirazione di creazioni che per 43 giorni sono state esaltate da una dimensione spazio-temporale che ha ammaliato critici e visitatori. Silvia Pegoraro è stata curatrice anche di questa mostra della quale ha curato anche il catalogo “Mito-Logica-Mente” presso l’Editore Publi-Paolini, Mantova.
 
 curated by Silvia Pegoraro
 
 Castelbasso (Teramo)
5. L'isola che non c'è
 
 curated by Paola Artoni
 
 Musei civici Reggio Emilia
6. Corpoarte
 
 collezione permanente, curated by Antonella Marino
 
 Azienda Impresa Valore Bari
2002
1. Lune parlanti
 
 Galleria d'Arte Moderna e Contemporanea Repubblica di San Marino
2. Quadri di una esposizione
 
 Press Release Quadri di un’esposizione Time in Jazz festeggia la sua quindicesima volta e si regala un programma all'insegna dell’arte. “Quadri di un’esposizione”, recita stavolta il sottotitolo del festival in programma a Berchidda nel consueto periodo ferragostano. Facendo seguire al riferimento alla celebre composizione di Mussorgskij, scritta nel 1874 ed ispirata ai lavori del pittore e architetto Victor Alexandrovich Hartmann, un’aggiunta quasi didascalica: “Time in Jazz nel segno dell’arte”. Musica e arte, dunque, due coordinate ormai peraltro abituali, lungo le quali si svilupperà il programma di quest’estate, come sempre denso di appuntamenti dalla mattina alla notte fonda. Da una parte il jazz, naturalmente, ed i linguaggi musicali ad esso più vicini; dall’altra le arti figurative, sempre più presenti, a partire dal 1997, nel cartellone del festival ideato e diretto da Paolo Fresu. Tanto presenti da costituire oggi una precisa sezione all’interno dell’associazione culturale berchiddese, con una sigla distintiva, PAV, acronimo di Progetto Arti Visive, e diversi fiori all’occhiello: la rivista Ziqqurat, un quadrimestrale che si occupa d'arte e cultura contemporanea in Sardegna, di avvenimenti e manifestazioni che avvengono sull'Isola, con uno sguardo attento anche a quello che accade oltremare; la Collezione di Arte contemporanea, nata grazie al generoso contributo degli artisti che negli anni hanno partecipato alle iniziative del festival, ed ospitata in permanenza negli spazi del Museo del Vino a Berchidda, è una preziosa testimonianza degli esiti della sperimentazione artistica in Sardegna, ma comprende anche opere di artisti nazionali e internazionali; ed il progetto Semida - Museo di Arte-Natura-Ambiente sul Monte Limbara, che, inaugurato l’anno scorso, vuole essere un contributo alla valorizzazione del patrimonio ambientale e paesaggistico attraverso la realizzazione di opere d'arte create da artisti locali, nazionali e internazionali, con materiali ed elementi naturali, inserite nel contesto ambientale del luogo. Reggono le sorti del PAV Giannella Demuro e Antonello Fresu, che hanno messo in cantiere un cartellone di iniziative davvero nutrito. Numerosi e di qualità gli eventi espositivi, allestiti in spazi “recuperati”, case e edifici “prestati” all’arte, come Casa Sanna-Meloni e Casa Sassu, il locale Museo del Vino, il Centro Sociale o altri luoghi idonei. Tra gli eventi e le mostre d’arte, la Rassegna internazionale d’arte contemporanea, curata da Giannella Demuro e Marco Senaldi, cui parteciperanno artisti affermati in campo nazionale ed internazionale; la VI edizione della Rassegna d’arte contemporanea dedicata alla ricerca artistica in Sardegna e curata quest’anno da Mariolina Cosseddu; Il vuoto.dentro - Radici del Contemporaneo, mostra internazionale cui partecipano sei giovani emergenti a livello internazionale, a cura di Leone Laria, con testi critici di Ivo Serafino Fenu. Saranno realizzate, inoltre, personali di artisti storici, come Storie d’infiniti, la mostra dedicata all’opera di due grandi maestri dell’arte in Sardegna - Maria Lai e Aldo Contini - e Thagelkoust, un progetto inedito dello scultore Umberto Mariani realizzato espressamente per Berchidda in collaborazione con il Museo d’Arte Contemporanea Su logu de s’iscultura di Tortolì (Nu) e l’Associazione Ogliastra Arte. Dalla collaborazione con l’I.S.O.L.A., (Istituto Sardo Organizzazione Lavoro Artigianale), nasce poi il progetto Suggestioni dal passato, per far riscoprire gli antichi mestieri artigiani della Sardegna al numeroso pubblico di Berchidda. Spazio anche alla fotografia, in due mostre, una realizzata in collaborazione con il fotografo Salvatore Ligios e l’Associazione Calarinas di Su Palatu ‘e sas Iscolas di Villanova Monteleone (Ss), l’altra del fotografo romano Paolo Soriani che espone una selezione degli scatti realizzati a Berchidda lo scorso anno in occasione della XIV edizione di Time in Jazz. Ormai da diversi anni l’immagine di Time in Jazz è legata all’opera di un artista visivo: “testimonial” di questa edizione è Enzo Cucchi, uno dei massimi protagonisti dell’arte contemporanea internazionale. Le immagini di Cucchi saranno quindi utilizzate per l’illustrazione del manifesto, della brochure e della locandina del festival, e per l’etichetta della “bottiglia d’artista” a base di Giogantinu, il vino tipico di queste parti. Di più e di diverso rispetto agli anni precedenti, musica e arte troveranno programmaticamente in questa edizione numero quindici di Time in Jazz diversi momenti di incontro, di confronto e di intesa comune. A partire dalle scenografie che correderanno ognuno dei concerti in programma sul palco centrale del festival, in Piazza del Popolo, e che saranno firmate da alcuni degli artisti che parteciperanno alle mostre, come Maggie Cardelùs, Enzo Cucchi, Thorsten Kirchhoff, Maria Lai, Alex Pinna, Alessandro Bazan e Umberto Mariani. E poi, analogamente, con la mostra dei quadri di due tra i protagonisti della parte invece musicale, lo svizzero Daniel Humair e l’olandese Han Bennink, entrambi batteristi ed accomunati da una medesima propensione ad esprimersi anche nelle arti figurative.
 
 curated by Marco Senaldi and Giannella de Muro
 
 Centro sociale Berchidda (Olbia-Tempio)
2001
1. Totemica
 
 Press Release MOSTRA TOTEMICA 22 aprile 2001 - 20 maggio 2001 Orari: Da martedì a venerdì: mattino 10.00-12.30 pomeriggio 14.30-19.00. Sabato, domenica e festivi: orario continuato 10.00-19.00 Lunedì chiuso. Segreteria: tel.0376/360506 e.mail:casadelmantegna@provincia.mantova.it www.provincia.mantova.it Feticci e rituali del contemporaneo a cura di Alessandro Riva Mantova, Casa del Mantegna 22 aprile 2001 - 20 maggio 2001 inaugurazione sabato 21 aprile h. 17.30. La mostra è prodotta dalla cultura della Provincia di Mantova con la collaborazione della galleria Bonelli Arte contemporanea. Ideata e curata da Alessandro Riva, TOTEMICA riunisce le opere di una ventina di artisti italiani e internazionali che hanno posto al centro del loro lavoro il recupero di una dimensione rituale, in qualche caso anche tribale, riportata alla contemporaneità. Dal mercato del gioco a quello dell'eros, dall'economia alla politica fino ai più comuni gesti della quotidianità, i rituali e le forme simbolico-mitologiche che la società contemporanea ha elaborato hanno proprie regole e propri spazi, non meno rigidi e codificati di quelli presenti negli antichi rituali dei popoli primitivi. Alcuni tra gli artisti più significativi del panorama italiano e internazionale hanno lavorato su questo recupero magico-simbolico dei miti contemporanei, elaborando proprie visioni, proprie forme mitologoche e specifiche forme di ritualità. In mostra si è cercato il più possibile di dare ampio spazio agli artisti, sia con lavori di grande impatto e anche di grande dimensione, sia con più di un lavoro a testa, in modo da documentare un percorso il più possibile lineare all'interno dell'opera di ogni singolo artista. Nella suggestiva cornice delle sale della Casa del Mantegna si trovano così i maestosi Testimoni in bronzo di Mimmo Paladino, veri e propri totem della contemporaneità, affiancati a un'ironica e ludica fontana in ceramica di Luigi Ontani, e da un piccolo idolo in corda intrecciata di Alex Pinna; i misteriosi angeli con un'ala sola creati da Sandro Chia con gli ieratici dèi digitali e ultracontemporanei, in bilico tra neopsichedelia e mito del futuro, dell'americano Micha Klein; una inedita scultura lignea (mai vista prima in Italia), sospesa tra suggestioni precolombiane ed estetica posthuman, della performer francese Orlan, assieme alle inquietanti raffigurazioni, tra sacro e profano, di Andres Serrano, e ai suggestivi personaggi stilizzati e fortemente simbolici di Marco Neri (tra i pochissimi giovani artisti italiani invitati quest'anno alla Biennale). E ancora i viluppi di mani e di corpi dipinti da Paola Gandolfi con le Afroditi sfigurate e martoriate di Luca Pignatelli; i celebri décollage di Mimmo Rotella, che desacralizzano il mondo della moda e della pubblicità, con le inquietanti modelle ³sfregiate² da Daniele Buetti con i marchi di famose multinazionali, e i drammatici fantasmi fissati sui manifesti pubblicitari da Paolo Leonardo; le spaesanti scene dettagliatamente costruite e poi fotografate da Sandy Skoglund (della quale in mostra ci sono anche due piccoli scoiattoli in gesso), sempre in bilico tra sospensione del tempo e mitologia contemporanea; e ancora i moderni feticci realizzati dal belga Wim Delvoye (pale e bombole del gas decorate come antiche maioliche) e gli uomini tatuati, sospesi tra Oriente e Occidente, del milanese Federico Guida; i personaggi metà uomini e metà animali scolpiti nel marmo da Michelangelo Galliani e quelli umani, ma ricoperti da scaglie di pesce, di Robert Gligorov. Nel cortile circolare del museo troneggia infine un maestoso e ironico totem, alto più di 4 metri, del gruppo Ultrapop.
 
 curated by Alessandro Riva
 
 Casa del Mantegna Mantova
2. Popheart
 
 curated by Guido Bartorelli
 
 Light Gallery Faenza
3. Cosa arcana e stupenda, scultura italiana contemporanea
 
 curated by Andrea Bellini
 
 Sermoneta (Latina)
4. Laboratorio materiale
 
 curated by Luca Beatrice
 
 San Pietro in Valle Fano
5. Generazionale
 
 curated by Beatrice Buscaroli
 
 Basilica Palladiana Vicenza
6. Storie tese
 
 curated by Valerio Dehò
 
 Galleria Spazia Bologna
2000
1. Mumble mumble
  
  curated by Augusto Pieroni
  
  Castel S. Pietro Terme Bologna
2. Ironic
  
  curated by Lino Baldini
  
  Trevi Flash Art Museum Trevi
3. Fabulae... fabularum
  
  curated by Ombretta Agrò
  
  Trans Hudson Gallery New York
4. Sui generis
  
  curated by Alessandro Riva
  
  PAC Milano
1999
1. Animals animaux tiere animali
  
  curated by Michele Dantini
  
  Galleria Continua S. Gimignano
2. La casa
  
  curated by Alessandra Galletta
  
  Magazzino arte contemporanea Roma
3. Art beat
  
  curated by Guido Bartorelli and Fabiano Fabbri
  
  Spazio Salara (Bologna), la Posteria (Milano) and Acquario civico (Roma)
4. Note a margine
  
  curated by Katia Ficociello
  
  Quartiere Tufello Roma
1998
1. Primo incontro italo dominicano di arte contemporanea
  
  curated by Lucilla Saccà
  
  Museo de las casas reales (Santo Domingo) and IILA (Roma)
2. Attraversamenti
  
  curated by Caroline Corbetta and Diego Grandi
  
  Teatro CRT Milano
3. Rock around the clock
  
  curated by Alessandra Galasso
  
  Galleria Ciocca arte contemporanea Milano
1997
1. Periscopio
  
  curated by Paolo Campiglio
  
  Cascina Roma San Donato Milanese
2. I Gattopardi
  
  curated by Luca Beatrice
  
  Galleria comunale Capo d'Orlando (Messina)
3. Aperto 97
  
  selected by Luca Beatrice
  
  Trevi Flash Art Museum Trevi
4. Des histoires en formes
  
  selected by Gabi Scardi
  
  Centre national d'arte contemporaine Magasin Grenoble
5. Arte x tutti
  
  curated by Loredana Parmesani
  
  Ex ospedale Soave Codogno
1996
1. MODERNITY Project 2000
 
 Press Release curated by Laura Cherubini, Tiziana Conti, Marco Senaldi In October 1996 Velan will present MODERNITY Project 2000, in cooperation with the Foundation Palace Bricherasio, a contest-exhibition of 88 works by young artists coming from all over the world. The works are exhibited in part at Bricherasio Palace in Turin, seat of the Foundation, and part at the former Woolen Mill Bona in Carignano. The artists: Raffaele PISEDDU, Giovanna DI COSTA, Mario MILIZIA, Enrica BORGHI, Alex PINNA, Marco COLAZZO, Grazia TODERI, Massimo UBERTI, Massimo ORSI, Cristiano PINTALDI, Perluigi PUSOLE, Paola RISOLI, Fabrizio SIBONA, Alessandro RIVOIR, Daniele GUOLO, Angiola GATTI, Angelo CANDIANO, Luisa RABBIA, Marco VACCHETTI, Iva PATARCEC, Silvia REICHENBACH, BOTTO e BRUNO, Stefano BONZANO, Andrea NISBET, Andrea MASSAIOLI, Pierluigi FRESIA, Domenico BORRELLI, Giulia CAIRA, Paolo GRASSINO, Federico PICCARI, Valentino MARENGO, Mali WU, Eijio OKUBO, Petra MORENZI, Sylvie RONFLETTE, Noelle KONING, Xavier NELLENS, Frank BORST, Hilary DYMOND, Pekka JYLHA, Meghan BOODY, Javier GARCERA RUIZ, Teresa MARTIN/Victor BASTIDA, Josè Luis VICARIO, Josè Luis ALBELDA RAGA, Alexander PSYCHOULIS, Eleni GLINOU, Zafos XAGORARIS, Demetres MERANTZAS, Aemilia PAPAPHILIPPOU, Cordula SAUER, David ZEPTER, Ulrike SIECAUP, Anke PFISTERER, Jurgen SCHON, Tamara GRCIC, Wolfgang HAMBRECHT, Andreas SANSONI, Isa DAHL, Jorg SPAMER, Denis KRASKOVIC, Roberta VILIC, Nikolina IVEZIC, Cosmin PAULESCO, Alexandru Ioan MARGINEAN, Mirela DAUCEANU, Aurora DEDIU, Elisabeth HOLZL, Heidrun WIDMOSER, Arnold Mario DALL'O, Andreas HOLZKNECHT, Thomas FEUERSTEIN, Luca BERNARDELLI, Paul BOGDANOVIC, Nicola BOLLA, Ignacy CZWARTOS, Luca DAVICO, Pascal DOMBIS, Gonzalo CARRION ESCRIBANO, Sabrina FOSCHINI, Wojciech GIOGOWSKI, Federico GUIDA, David LENAZ, Nicus LUCA', Pedro PEREZ BOY, Serghej POTAPENKO, Sabrina SABATO, Marck STONE.
 
 selected by Marco Senaldi
 
 Velan center for contemporary art Torino
2. Orario continuato
 
 curated by Alessandra Galasso
 
 Comune di Peccioli (Pisa)
3. Qualsiasi cosa vi venga in mente
 
 curated by Horatio Goni
 
 Galleria Facsimile and Remag S.r.l Milano
1995
1. Conoscere
 
 Press Release Conoscere Laura Attolini, Pierpaolo Campanini, Antonio Curcetti, Mauro Maffezzoni, Ferdinando Mazzitelli, Mario Milizia, Vasco Petricig, Gabriele Picco, Alex Pinna e un video di Dario Bellini a cura di Alessandra Galletta 26 ottobre - 10 novembre 1995 La mostra/laboratorio "Conoscere" apre la rassegna espositiva dal titolo "Shoowroom '95", ciclo di otto mostre organizzato da Care of, Viafarini e Progetto Giovani del Comune di Milano utilizzando l'Archivio Giovani Artisti. Ciascun curatore invitato ha tratto dalla consultazione dell'Archivio l'idea di mostra e dall'Archivio ha selezionato gli artisti invitati all' esposizione. Chi negli anni Sessanta e Settanta si trovava nell'inevitabile impaccio dell'età scolare, certamente è incappato, almeno una volta, almeno a casa di un compagno di scuola, tra le pagine del CONOSCERE, l'enciclopedia in volumi che non ci si stancava mai di sfogliare. Aborrendo il mezzo fotografico, quasi non fosse ancora stato inventato, questa geniale enciclopedia si è presa la briga di disegnare tutto; dalle Calzature alla Carie, dall'Impero Romano ai Mammiferi. Il mondo cominciava ad avere una forma, dei colori, delle dinamiche leggibili, e i bambini cominciavano ad apprenderle. Qualcosa di questo modo di imparare, inventariando e associando immagini e cose permane negli artisti di questa mostra, e in queste loro (talvolta) primissime opere d'arte. Passata l'età dell'apprendimento del mondo per immagini, non hanno creduto di dover smettere. Lo spazio VIAFARINI raccoglie gli artisti che non hanno smesso perchè il gioco dell'apprendimento, se esteso all'infinito, continua a divertirli e li incentiva nello sviluppo sempre nuovo di idee. in collaborazione con Comune di Milano, Progetto Giovani
 
 curated by Alessandra Galletta
 
 galleria Viafarini and Care of Milano
2. Biennale dei giovani artisti dell’Europa e del Mediterraneo
 
 Moderna Galerija Rijeka, Croazia
3. Pressure break
 
 curated by Paola Tognon and Gianfranco Maraniello
 
 Ex chiesa della Maddalena Bergamo
1994
1. Primordi
  
  curated by Anna Gili
  
  Palazzo della Triennale Milano
1993
1. Nuove presenze 2
  
  curated by Stelio Rescio
  
  galleria Il Brandale Savona
2. Art fence
  
  Rotonda della Besana Milano